tag:blogger.com,1999:blog-9513025033544488122024-03-14T11:25:20.873+01:00Setenta y cuatro minutosCrítica y divulgación musical
Jorge Carriónhttp://www.blogger.com/profile/14814966440922975069noreply@blogger.comBlogger35125tag:blogger.com,1999:blog-951302503354448812.post-71421264989067776642020-10-30T21:19:00.002+01:002020-10-31T10:09:45.982+01:00Historia del Heavy Metal y subgéneros (¡con gráficas!) [Addendum]<h1 style="text-align: center;"> <b style="text-align: center;">Addendum I - Historia del heavy metal (¡con gráficas!)</b></h1><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/d/d2/ApocalypticRaids.jpg/220px-ApocalypticRaids.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="216" data-original-width="220" height="314" src="https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/d/d2/ApocalypticRaids.jpg/220px-ApocalypticRaids.jpg" width="320" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">Y heme aquí, en los albores de mi treintena, recorriendo los mismos pasos que ya surqué hará más de quince años. Aunque eso sí, con mejores botas y otra mirada. Porque si bien es cierto que<b> este siempre será el género de mi vida</b>, no es menos cierto que hay que saber separar el grano de la paja. Algo que te permite hacer la edad y la experiencia. Ni mucho menos todo lo que podemos considerar metal es algo digno de escuchar, ni un neófito tiene porqué saber diferenciar entre el thrash de unos Dark Angel y el death metal de unos Possesed (la línea es tan fina como una vena). Y es que el heavy metal se ha convertido con el paso de los años en uno de los géneros (o quizá en EL género) más variado del planeta. La cantidad de subgéneros dentro de subgéneros dentro de otros subgéneros cada vez más retorcidos y minimalistas es muchas veces abrumadora. Debido a esto, gran parte del público no llega a entender la magnitud a la que ha llegado el estilo, ni mucho menos a entender cómo suenan cada una de sus variantes. </div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">Por eso, este <i>Addendum </i>se va a dedicar a dos cosas (y estará dividido en dos partes para su facilitar su comprensión):<b> por un lado intentar describir la historia del <i>heavy metal</i> y cómo se ha ido disgregando en diferentes encarnaciones; por otro, generar una lista con discos de obligada escucha en cada uno de los subgéneros.</b> Esto último será totalmente subjetivo en algunos puntos, aunque intentaré basarme principalmente en la arqueología de cada uno de ellos para ofrecer la droga en su versión más pura.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">¿Qué puede ser mejor para entender la evolución de un género que ha llenado la vida de millones de personas en todo el mundo? Lo habéis adivinado: gráficas (porque estabáis pensando en eso, ¿verdad?). Y aquí, como al inicio de este elogio, me perdonaréis si me pongo algo técnico. Porque para qué nos vamos a engañar, me siento orgulloso de lo que he creado y quiero explicároslo con el mayor detalle posible. Vamos por partes, como decía <a href="https://www.youtube.com/watch?v=lriWlHZAy8A">Jack 'The Ripper'</a> (sigo con los juegos). </div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">[Parte técnica, ve hasta la primera gráfica si no te interesa demasiado el proceso de extracción de datos]</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">No sé si conoceréis la página <a href="https://www.metal-archives.com/">The Metal Archives</a> pero básicamente se trata de la mejor y más completa base de datos de todo el metal del mundo. Grupos que no encontrarías ni en Wikipedia, ni en Amazon, ni siquiera en Spotify, están aquí. Con todos sus discos, en diferentes formatos y tipos. Es, como indica su título, la Enciclopedia del Metal. Y aunque sin duda se les puede tachar de cierto esnobismo a la hora de clasificar los géneros (siguen sin añadir a Korn o a Slipknot por no considerarlo "metal", por ejemplo), nadie podrá negar jamás su exactitud a la hora de recabar información.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">Pues bien, sabiendo esto mi premisa se basó en lo siguiente: extraer toda la información posible de la web a través de un <i>scraper</i> que me permitiera más tarde crear una base de datos con la que podría jugar y crear las gráficas que necesitaba tanto para generar un relato consistente sobre la historia de los géneros como para realizar el análisis pertinente. Las vicisitudes por las que he tenido que pasar hasta dar con la base de datos perfecta (perfecta para mí y mis propósitos, por supuesto) han sido variadas, pero enumeraré lo más principal en pos de favorecer el entendimiento del posterior análisis:</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">-Como <a href="https://github.com/74minutos/music-data/tree/master/metal-exploratory-data-analysis">explico en mi <i>readme</i> sobre el proceso de creación de esta base de datos</a>, creé una versión algo diferente sobre el código de <i>scraper </i>que ya había desarrollado <a href="https://github.com/garbersc/Metal-History-Data-Analysis">Garbersc</a> porque necesitaba la información sobre los países de los álbumes. Dentro del mismo repositorio está el código con los cambios ya realizados por si a alguien le interesa.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">-Tuve que denormalizar la base de datos por género. ¿Qué quiere decir esto exactamente? Pues que, como todos sabemos, un grupo puede pertenecer a diferentes estilos tanto por trayectoria (puede haber sido primero <i>hard rock</i> y luego <i>heavy metal</i>, por ejemplo) como por el propio estilo que practique (puede ser un grupo de <i>black/death</i> metal por ejemplo). Por tanto, para poder tener la información estructurada de la forma correcta necesitaba que las entradas de grupo y álbum se repitieran tantas veces como géneros encontrásemos. Y aunque esto no afecta a la forma de observar los datos, me ha permitido tener una precisión que de otra forma hubiera sido imposible, ya que podía tener, por ejemplo, a Black Sabbath a la vez dentro de Doom y de Heavy Metal. Sin esta acción los datos hubieran estado sesgados ya que sólo podía convocar a los maestros en uno de estos géneros a los que pertenecían.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">Teniendo esto claro, creo que es hora de pasar a los datos. Cualquiera <a href="https://datastudio.google.com/s/hptpO7G4Ix8">puede visitar este cuadro de mando que he creado con el fin de hacer esta explicación más didáctica</a>, pero aquí daré las claves de lo que yo considero los momentos clave de la historia del <i>heavy metal</i>. Observemos la primera gráfica, que a mi entender ya nos da toda la información que vamos a necesitar en esta primera parte:</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">[Fin de la parte técnica]</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-5WboPO3WgJM/X5wdMX3tdzI/AAAAAAAANPA/sqKRQYPLqY8nbjq1Exp4WAvPM2mAy9JBACLcBGAsYHQ/s901/black%2526death.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="373" data-original-width="901" height="264" src="https://1.bp.blogspot.com/-5WboPO3WgJM/X5wdMX3tdzI/AAAAAAAANPA/sqKRQYPLqY8nbjq1Exp4WAvPM2mAy9JBACLcBGAsYHQ/w640-h264/black%2526death.jpg" width="640" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">Mirad bien esta gráfica. Miradla bien porque aquí, dentro de cada una de esas líneas, se escenifican tragedias que harían que Shakespeare y Cervantes acudieran juntos a un concierto a menear sus cabellos al más puro estilo <i>headbanging</i>. Porque aunque cupiera pensar en el inicio de los tiempos como un verde prado donde los músicos simplemente podían recoger la inspiración de los árboles, nada más lejos de la realidad. La más árida y yerma pradera se abría paso y sólo los exploradores más intrépidos -o incautos- se atrevían a adentrarse en ella. Costó recoger una cosecha en condiciones. No hay más que observar la línea verde para ver que hacía falta mucho más que imaginación para conseguir allanar el camino al resto: hacía falta talento, insensatez y dosis de trabajo inmensas. <b>Solo unos pocos fueron los elegidos, siendo cabeza de pelotón por siempre jamás los dioses del inframundo: Black Sabbath</b>. Pero por favor, ampliemos un poco la situación del <i>heavy metal</i> en los setenta para que se entienda del todo:</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-oBAU5mS2Sgw/X5c21Lv3UVI/AAAAAAAANOE/96Y7MRj-R-8_sJBuVqnQaFlqHkg4IzSuQCLcBGAsYHQ/s1186/Captura%2Bde%2Bpantalla%2B2020-10-26%2Ba%2Blas%2B21.45.15.png" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="392" data-original-width="1186" height="212" src="https://1.bp.blogspot.com/-oBAU5mS2Sgw/X5c21Lv3UVI/AAAAAAAANOE/96Y7MRj-R-8_sJBuVqnQaFlqHkg4IzSuQCLcBGAsYHQ/w640-h212/Captura%2Bde%2Bpantalla%2B2020-10-26%2Ba%2Blas%2B21.45.15.png" width="640" /></a></div><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">Por supuesto que no estaban solos, pero tampoco les acompañaba un escuadrón. Y muchos de ellos (Scorpions, Deep Purple, Thin Lizzy) aunque importantísimos tanto para el movimiento como para el público en general, no fueron muy duchos en continuar con la cosecha. Siempre gustaron más por otro tipo de trabajo, ese que al final les llevaba a terrenos algo más conocidos y donde los frutos salían más verdes y jugosos. Así que allí teníamos resistiendo contra los ademanes que pudiera traer el destino a estos puntales que no paraban de sembrar y sembrar. Lo que nadie entendía muy bien en ese momento era qué estaban plantando. ¿Rosas? ¿Patatas? ¿Alcornoques? Pues no. <b>Estaban plantando robles. Árboles robustos, longevos y duros. Árboles que tardan en crecer, pero que una vez adultos ni un huracán puede con ellos.</b> Y en esa curva vemos como poco a poco van creciendo hasta eclosionar en un gran bosque a partir de finales de los setenta. </div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">¿Qué pasó a finales de los setenta para que de repente las judías mágicas que habían estado plantando los colonos dieran sus frutos? Pues un fenómeno que se vino a llamar la <b><i>New Wave of British Heavy Metal (NWOBHM).</i></b></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">¡Ay! La ilusión. La oleada -valga la redundancia- de grupos que surgieron bajo la estela de la NWOBHM a finales de los setenta y principios de los ochenta es casi incalculable. Grupos convencidos de que estaban tocando la mejor y más potente música del mundo. Grupos que querían abarcar el mundo entero con uno de sus <i>riffs</i>, unos <i>riffs</i> que surgían del fuego que habían dejado en la hoguera sus predecesores setenteros. Grupos, en definitiva, que se crearon a través de la ilusión de quien comienza un nuevo camino sin más expectativas que hacer lo que les apasionaba. Pero como todos sabemos, de la ilusión es muy difícil vivir, sobre todo cuando a la tierra que tú creías dominada le surgen nuevos conquistadores dispuestos a arrasar con todo ser viviente hasta plantar su bandera en la capital del reino.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">Y es que entre el 82 y el 83 <b>una nueva criatura, más malvada y demente que la anterior, veía la luz por primera vez. Era el momento del </b><i><b>thrash metal.</b> </i>Mucho ojo aquí, porque más allá del nacimiento de un subgénero musical estábamos asistiendo a un triunfo geopolítico de magnitud 200 en la escala Ricther. ¿Cabía pensar que Estados Unidos podía ganar en algo a Reino Unido en el terreno musical? El <i>thrash</i> fue la respuesta. ¡Por fin algo que los americanos habían inventado antes que los británicos! ¡Por fin algo en lo que podían superarles! Con Metallica a la cabeza, soberbiamente flanqueados por una realeza tan nefaria como Slayer, Megadeth o Anthrax, y aristócratas que harían las delicias del Marqués de Sade como Dark Angel, Nuclear Assault, Exhorder, Rigor Mortis, Overkill o Death Angel, el escuadrón de la muerte americano estaba abriendo las puertas a una nueva forma de entender el metal. La evolución había llegado y había pillado por sorpresa a una Europa a la que le costó años reaccionar a la agresividad americana.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-Dy0qhsIrd5E/X5RvjCtzxyI/AAAAAAAANMw/svhQkvlj-v0dh5pSmhT3uumqlhgSiMqVQCLcBGAsYHQ/s950/Captura%2Bde%2Bpantalla%2B2020-10-24%2Ba%2Blas%2B20.16.31.png" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="329" data-original-width="950" height="222" src="https://1.bp.blogspot.com/-Dy0qhsIrd5E/X5RvjCtzxyI/AAAAAAAANMw/svhQkvlj-v0dh5pSmhT3uumqlhgSiMqVQCLcBGAsYHQ/w640-h222/Captura%2Bde%2Bpantalla%2B2020-10-24%2Ba%2Blas%2B20.16.31.png" width="640" /></a></div><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">No hay más que ver esta gráfica para comprender que a partir de los ochenta el reinado británico tocaría a su fin. Estoy seguro de que las grandes multinacionales musicales también pensaron lo mismo y vieron en lo americano un filón publicitario del que no conozco parangón dentro de la historia de este género. <b>Decidme sino cómo se puede explicar que esto sonara en un canal como MTV a plena luz del día:</b></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><iframe allowfullscreen="" class="BLOG_video_class" height="360" src="https://www.youtube.com/embed/tIjClF2KLrg" width="480" youtube-src-id="tIjClF2KLrg"></iframe></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">Y por supuesto, decidme qué haríais si esta apisonadora sónica comandada por esta especie de Atila endemoniado viniese directa a por vosotros. Porque por lo que a mí respecta, o me uno o me aparto:</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><iframe allowfullscreen="" class="BLOG_video_class" height="360" src="https://www.youtube.com/embed/PLodSJNJ5dM" width="480" youtube-src-id="PLodSJNJ5dM"></iframe></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">Estrategias comerciales y actitudes insanas aparte estaba claro que, como hemos visto en repetidas ocasiones en muchos ámbitos históricos, <b>la sociedad americana había conseguido destilar algo ya constituido para acabar extrayendo un producto que se pudiera vender de forma masiva. </b>De esta manera -y ejecutando una especie de justicia divina- restablecían los días de Chuck Berry y proclamaban su reinado dentro de la producción en cadena del género más duro del planeta<b>.</b> O eso era al menos lo que parecía. Y es que damas y caballeros, la elección de la imagen de cabecera de este post no es baladí. Porque aunque nunca se le podrá quitar el mérito a los americanos de crear algo que se convirtió en una revolución global en la música, al otro lado del charco <b>grupos como Hellhammer, Venom, Bathory o Napalm Death estaban adelantando por la derecha a sus coetáneos gringos en cuanto a agresividad y brutalidad se refiere.</b> Sin menospreciar la influencia de Venom, debo decir que para mí el metal extremo realmente empieza sus andanzas a partir de ese <i>Apocalyptical Raids</i>, solo un año después de que el <i>thrash</i> rompiera el molde. Y aunque también Bathory podrían llevar este estandarte con total orgullo, veo en Hellhammer/Celtic Frost los que abrieron la puerta no sólo al <i>black</i>, sino a todo aquello que podemos entender cómo los géneros más brutales de la música. Sólo con escuchar -y ver- algo como esto, queda patente la enorme influencia que esta banda generó entre generaciones y generaciones de músicos: </div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><iframe allowfullscreen="" class="BLOG_video_class" height="360" src="https://www.youtube.com/embed/41PxFzoqULU" width="480" youtube-src-id="41PxFzoqULU"></iframe></div><br />Tras esto, como era lógico, lo extremo empezó a expandirse. Claro, si el ejército anterior había podido conquistar con facilidad las tierras metálicas siendo "solo unos salvajes hunos", ¿qué no iban a hacer estos <i>berserkers</i>? Mirad esta comparativa entre el malogrado <i>thrash</i> con respecto a su gemelo malvado, el <i>death metal, </i>y comprenderéis perfectamente el momento en el que uno toma el trono del otro:</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-IApgTgMcA20/X5iHs4jYagI/AAAAAAAANOU/M-juDqPouoIASXvCM2BGzczwu3MSjrFkQCLcBGAsYHQ/s576/Captura%2Bde%2Bpantalla%2B2020-10-27%2Ba%2Blas%2B21.46.39.png" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="282" data-original-width="576" height="314" src="https://1.bp.blogspot.com/-IApgTgMcA20/X5iHs4jYagI/AAAAAAAANOU/M-juDqPouoIASXvCM2BGzczwu3MSjrFkQCLcBGAsYHQ/w640-h314/Captura%2Bde%2Bpantalla%2B2020-10-27%2Ba%2Blas%2B21.46.39.png" width="640" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">Así que aquí estamos, con el grupo de asalto más duro y extremo del planeta (o quizá debería decir con el más oscuro y asesino), dispuesto a comerse el globo a base de <i>riffs </i>completamente malsanos, <i>blast beats</i> y voces guturales. Si volvemos a la gráfica principal, <b>enseguida comprobamos como las líneas roja (<i>death)</i> y negra (<i>black)</i> de cada uno de estos estilos comienzan su ascensión hasta convertirse en los auténticos y absolutos reyes de la escena del metal. </b>Y aunque hubo un momento en el que estos dos géneros estaban completamente diferenciados y casi en las antípodas en sus conceptos más fundamentales de entender la música (momento del 88 al 96), poco a poco, como muestran las gráficas, fueron convergiendo hasta convertirse en prácticamente el mismo género. Algo que los auténticos <i>true</i> de cada uno de los estilos odiarán hasta el fin de sus días. Y esto es curioso. Al comienzo de empezar el análisis me preguntaba el por qué del auge de estos dos géneros tan extremos en los últimos años. ¡Y hasta tenía varias hipótesis! Por ejemplo: habían conseguido, como si de una empresa se tratara, diversificar sus activos en cada vez más y más subgéneros que cubrían las necesidades de un público creciente. Otra era que habían conseguido realizar corrientes de género por país, haciendo que cada uno de ellos sonara distinto y, una vez más, satisfaciendo a un público mayor progresivamente. Y aunque ninguna era falsa, sólo eran verdades a medias. Tras devanarme los sesos lo vi claro, lo que había ocurrido era todo eso y más: habían unido sus fuerzas para crear un Gólem conjunto que podía abarcar tanto a <i>blackers</i> como a <i>deathers</i>, y a la vez conquistar a otro tipo de público que podía buscar nuevas sensaciones. Por supuesto que hay diferencias, por supuesto que hay grupos de uno y otro estilo bien definidos, pero durante los últimos años, la tendencia general ha sido la de converger hacia un mismo y brutal centro. Y aquí amigos, dejaré simplemente que hablen los datos porque creo que yo ha he hablado demasiado:</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-TyChMbIKzMc/X5wdmIl1VUI/AAAAAAAANPI/KCsfHuXQKqcO_urh4RzSr4mHZiTfkR73wCLcBGAsYHQ/s901/black%2526death.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="373" data-original-width="901" height="264" src="https://1.bp.blogspot.com/-TyChMbIKzMc/X5wdmIl1VUI/AAAAAAAANPI/KCsfHuXQKqcO_urh4RzSr4mHZiTfkR73wCLcBGAsYHQ/w640-h264/black%2526death.jpg" width="640" /></a></div><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">Una vez llegados a este punto creo que es necesario ya explicar el porqué de la era moderna. Pues bien, cualquiera que haya escuchado más de una vez todos los estilos que he nombrado puede ver casi a vista (u oído) de pájaro que el <i>groove metal</i> que surge en los noventa no es la evolución natural de ninguno de estos caminos que tomó el <i>heavy, </i>ya que se nutre de otros estilos fundamentalmente distintos para crear su sonido. Y a su vez, también puede ver muy claramente que <b>el <i>groove</i> de -por ejemplo- Pantera, sentó las bases que otros grupos tomaron prestadas para crear otras vertientes</b> y que, dependiendo de quién hable, lo denominará nu-metal o chándal-metal. </div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">A los pocos años de este suceso se producirá el acontecimiento que he dado a llamar "The Splitting", a través del cual se produciría un resquebrajamiento en el metal que crearía cientos de nichos que harían cada vez más difícil diferenciar qué música podía ser catalogada como metal y cuál no para el profano -incluso para el experto-. En cualquier caso, esto es algo que ya no nos atañe de la misma manera porque su importancia para el desarrollo del movimiento, aunque notable, no es comparable a los grandes momentos planteados anteriormente (quizá sea objeto de un nuevo Addendum, quién sabe).</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">Lo que sí podemos diferenciar sin ningún lugar a dudas es que la variedad y la diversidad que ha creado un género tan "joven" como el metal en unos cuantos años resulta totalmente indescriptible para alguien que no se adentra hasta el fondo en sus laberínticas telarañas. <b>Pero os aseguro que sea cual sea el camino que toméis al empezar acabaréis completamente atrapados en sus maléficas redes.</b></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><b><br /></b></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><div class="separator" style="clear: both;">Puedes ver aquí el resto de la trilogía:</div><div class="separator" style="clear: both;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://www.74minutos.com/2020/07/well-burn-sky-elogio-del-heavy-metal-en.html">Prólogo - Música, datos y Spotify</a></div><div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://www.74minutos.com/2020/07/descubriendo-uspm.html">Primer movimiento - Acero, truenos y gloria (descubriendo el USPM)</a></div><div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://www.74minutos.com/2020/08/into-glory-ride-manowar.html">Segundo movimiento - Into Glory Ride</a></div><div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://www.74minutos.com/2020/10/taken-by-force.html">Tercer Movimiento - Taken By Force</a></div><div class="separator" style="clear: both;"><br /></div></div><p></p>Jorge Carriónhttp://www.blogger.com/profile/14814966440922975069noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-951302503354448812.post-59542531721578392512020-10-25T11:31:00.008+01:002020-10-31T10:09:28.824+01:00We'll Burn the Sky - Elogio del Heavy Metal en tres movimientos (III)<h2 style="text-align: center;"> Tercer Movimiento - Taken by Force</h2><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/c/c6/Scorpionsalbum222.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="260" data-original-width="260" height="320" src="https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/c/c6/Scorpionsalbum222.jpg" width="320" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">Casi sin querer llego al final de la aventura introspectiva a la que estos meses tan extraños me han empujado. Y llego muy bien acompañado. Os diría que vengo acompañado por mis padrinos. No sé si os habéis fijado, pero ya dí a entender por dónde iban a ir los tiros en mi preludio a esta trilogía, porque ese sampler tan desgastado de la desaparecida Very Metal fue el primero que tuve de una larga colección de recopilaciones generadas por revistas que me enseñaron que el Heavy Metal se había convertido en uno de los géneros más prolíficos y variados de la música popular. No os preocupéis, si no lo habéis visto, <a href="https://www.74minutos.com/2020/07/well-burn-sky-elogio-del-heavy-metal-en.html" target="_blank">podéis hacer rewind y fijaros algo mejor en el grupo que aparece en la portada de ese disco</a>. Adelante, espero. ¿Ya? Efectivamente, no podía estar hablando de otros que no fueran la banda alemana más grande de todos los tiempos: Scorpions.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">El caso es que ha sido sólo a través de esta investigación retrospectiva por la que me he dado cuenta de lo unidos que han estado siempre mi evolución metálica y la figura de estos gigantes de la escena. No contentos con el comentado cedé de la revista de marras, los teutones aparecieron poco después para deslumbrarme con una de las composiciones más brillantes que podamos atribuir a un grupo de Hard Rock (aunque me atrevería a decir que a cualquier grupo en general): <i>In Trance</i>. Y, ¿dónde aparecía esta canción para que un chaval de unos catorce años sin internet ni conocimientos rockeros pudiera conocerla? Pues por donde -creo- que debemos empezar todos cuando no tienes muy claro cuál es el punto de partida: una fastuosa compilación de clásicos del rock. No eran los únicos tótems de la escena que aparecían; ahí estaban Deep Purple, Status Quo, Led Zeppelin (aunque versionados por Jeff Healey Band)...Grandísimos grupos a los que admiro en gran medida. No puedo negar la influencia que han tenido por ejemplo Led Zeppelin a la hora de mi concepción de qué debería ser "escuchar música" o cómo debería sonar una verdadera banda de la música más dura del planeta. Pero había algo en la composición de los alemanes que me tenía completamente fascinado. Aunque pueda parecer un oxímoron, un misticismo se envolvía entre uno de los riffs más precisos de la historia, mientras que la voz de Klaus Meine demostraba ser capaz de traspasarte como un puñal a la vez que conseguía acunarte como si de una nana se tratara.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">Por supuesto, pasados esos años iniciales llegó Internet y la consecuente sencillez a la hora de adquirir música. Sin dudarlo, corrí a conseguir los grandes discos de Scorpions para ir inyectándomelos progresivamente uno a uno. Me recorrí el <i>Blackout</i>, el <i>Love at First Sting</i>, el <i>Crazy World</i>... En definitiva, fui a por las que parecían las vacas sagradas. Aunque, por supuesto, mi objetivo principal era conseguir el In Trance. Puede que fuera la edad, puede que fuera que el hecho de que el <i>thrash metal</i> estaba atrapándome en esos momentos y necesitaba agresividad que digerir, pero no logré disfrutar del disco. Viéndolo desde el punto de vista que te otorga la edad, no puede hacerme más feliz de que esto aconteciera de esta manera y os explico por qué. </div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">Si en el momento en el que me acerqué al disco del 75 de estos teutones me hubiera gustado creo que se hubiera quedado ahí, en un "no está mal". Porque, como os decía, en aquellos momento yo ya me encontraba en otro punto de mi recorrido metálico y necesitaba experiencias más fuertes. Me pasó con muchas grandes bandas que, aún pudiendo reconocer su valía, no así podía disfrutarlas. Mis adorados Metallica abrieron la puerta a sonidos más extremos y perturbadores y el <i>thrash</i> se convirtió en mi música de cabecera. <i>Mucha sangre ha llovido</i> desde entonces (click<a href="https://www.youtube.com/watch?v=z8ZqFlw6hYg"> aquí si no has entendido el juego de palabras musical</a>) y mis preferencias musicales se han asentado sobre un lecho mucho más amplio que el que podía tener entonces. Por eso cuando volví a los Scorpions supe que lo había hecho en el momento correcto: si ahora volvía a sentir lo mismo que la primera vez podía confirmar que la banda sería como una más en mi vida, nada especial. Por supuesto, eso no ocurrió.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">Lo curioso de toda esta historia es que la revelación no ocurrió con el <i>state-of-the-art</i> <i>In Trance</i>, como yo hubiera podido esperar, sino con el disco que hoy nos ocupa y del que poco o nada había oído yo hasta el momento. Cómo llegué hasta este disco es algo que no tengo muy claro ni siquiera a día de hoy, pero sí que sé que, como ha ocurrido en muchas ocasiones a lo largo de mi vida, los Scorpions simplemente aparecieron cuando tenían que hacerlo. De hecho, preparando todo lo que os conté en mi primera entrada sobre esta trilogía, sin saber muy bien cómo, me topé con ellos. Como ya sabéis, una de las cosas que estuve preparando fue una base de datos sobre discos y géneros para, a través de ella, poder realizar la cronología de mi idea inicial. Pues bien, dentro de este proceso probé diferentes estrategias y una de ellas me llevó a elaborar <a href="https://datastudio.google.com/reporting/ece2dad6-92ab-4d01-8a4e-12dfb9c162eb/page/ufVZB" target="_blank">esto</a>: Fijáos atentamente en los discos más escuchados de esta tabla, ¿cuál es el artista que ha realizado ese disco? Efectivamente, los Scorpions:</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-XtXHSvkQEf0/X27tffGijQI/AAAAAAAAMpE/B1Tfry5se7Iruy4VGPcP5avCd2Al9kBpACLcBGAsYHQ/s762/Captura%2Bde%2Bpantalla%2B2020-09-26%2Ba%2Blas%2B8.59.01.png" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="367" data-original-width="762" height="193" src="https://1.bp.blogspot.com/-XtXHSvkQEf0/X27tffGijQI/AAAAAAAAMpE/B1Tfry5se7Iruy4VGPcP5avCd2Al9kBpACLcBGAsYHQ/w400-h193/Captura%2Bde%2Bpantalla%2B2020-09-26%2Ba%2Blas%2B8.59.01.png" width="400" /></a></div><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">Se trata de una compilación que la banda publicó a mediados de los noventa en su versión para el mercado estadounidense. Llamadme loco, pero encontrar el número 1 de la lista a este disco en la era moderna por encima de gente como Drake, Kanye West, Daft Punk o Gorillaz para mí fue más una señal que me estaban lanzando que datos reales. No me quedaba más remedio que volver a ellos y comprobar por qué el universo parecía estar me estaba lanzando escorpiones a la cabeza. Os seré completamente sincero: fue como volver a casa. Además, fue como volver a casa después de un largo y variado recorrido por casi todos los lugares del mundo. De sentirte arropado en tu hogar. Y es que por alguna razón que se me escapa, Scorpions <i>siempre han estado allí (de nuevo, </i><a href="https://www.youtube.com/watch?v=i732pTsrUIg">link por si no se ha entendido el juego musical</a><i>).</i></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">Así que, por fin, me dejo de preámbulos y divagaciones y os acompaño al viaje que supone este disco. Pongámonos en situación: Scorpions habían realizado ya grandes contribuciones a la historia del rock con discos tan sobresalientes como <i>Fly to the Rainbow</i> o <i>Virgin Killer</i>, aunque su lugar dentro del Olimpo lo habían conseguido gracias a ese increíble <i>In Trance</i> de 1975 (!). Los teutones sabían que habían llegado al cénit de un estilo y tras eso, sólo les quedaba pivotar hacia otros sonidos que les permitieran abarcar un territorio más amplio. Ese territorio cuasi inexplorado lo descubrieron en este álbum de 1977: <i>Taken by Force</i>. Sólo el título ya es premonitorio del cambio fundamental que supondría este disco hacia unos sonidos que se alejaban en cierta manera del <i>hard rock</i> con cierto aire progresivo para abrazar sin contemplaciones los márgenes más afilados del incipiente <i>heavy metal</i>. Esto es algo que el núcleo durísimo de la banda (Klaus Meine y Rudolf Schenker) dejó muy claro en los discos posteriores. ¿Dónde quedaba entonces el lugarteniente y guitarra solista Uli Jon Roth? Esta es una historia interesante.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">Siendo uno de los alumnos más aventajados del icónico Jimi Hendrix, el alemán siempre había tenido muy claro cuál era su estilo a la hora de tocar la guitarra. Una forma que chocaba diametralmente con la del Káiser Schenker. Esto era algo que generaba una mezcla explosiva gracias a la cual nosotros podemos disfrutar de discos con las más altas cotas de composición musical. Sin embargo, con <i>Taken by Force</i> esa cuerda que no paraba de tensarse con cada canción que emanaba del grupo, estaba a punto de partirse. Lo dijo el propio Schenker en las notas que acompañan el álbum:</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><blockquote>Uli y yo estábamos en un club y Uli se emocionó muchísimo de repente. Había visto a Monika Danneman, la última novia de Jimi Hendrix, y realmente quería conocerla. Fue en aquel instante en el que finalmente comprendí que él estaba inmerso en su propia misión artística, y que no parecía haber forma en la que él permanecería en Scorpions por mucho más tiempo.</blockquote></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">Después de fabricar este álbum, los caminos del gran guitarrista y el resto del grupo se separaron y nunca jamás volvieron a encontrarse. En estudio, al menos:</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><iframe allowfullscreen="" class="BLOG_video_class" height="320" src="https://www.youtube.com/embed/25K9fWBgWNQ" width="480" youtube-src-id="25K9fWBgWNQ"></iframe></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Cuando una formación se está rompiendo por diferencias artísticas de sus miembros no hay término medio: o nos encontramos con un truño tan grande como un piano de cola o aparece una obra maestra que reinventa su parcela de música. Y en el caso de los alemanes rockeros tendríamos que hablar indefectiblemente del segundo caso. Nadie en su sano juicio podría pensar que la psicodelía y el onirismo sofisticado de Roth llevado al extremo podría provocar una buena mezcla con la férrea, marcial exactitud y simetría de Schenker. Es como si pensaras que al unir una alondra y una excavadora podría surgir la novena sinfonía. Pero ¡ah! ¿alguien nos había dicho al inicio del experimento que el majestuoso pájaro y la monstruosa máquina cuando querían, podían hablar el mismo idioma?</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Esa es la clave de todo: este disco es la prueba más perfecta de que si los ingredientes son buenos, los cocineros no tienen que hacer demasiado. La muestra más evidente de que las personalidades iban a estar peleando durante todo el disco nos la encontramos ya en la primera canción: <i>Steamrock Fever</i>. Os vais a dar cuenta enseguida de que no exageraba con el símil que he propuesto anteriormente, ya que aquí escuchamos desde el primer segundo un martillo neumático que golpea sin descanso hasta el final del tema. Como parece que ya hemos entrado a la crítica dura del disco, vayan por delante los elogios a estos músicos, para no tener que estar repitiéndolos durante el resto del texto: estamos ante la presencia de algunos de los mejores talentos de la escena, gente que ha podido traspasar el muro del rock duro con el público masivo, pese a ser así de horteras:</div><div style="text-align: justify;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://lh3.googleusercontent.com/--ExEHeadJHo/X4LAQxC4eAI/AAAAAAAAM60/UARpytFyOUY7-6zAiIB3GZvmYydBHI2pwCLcBGAsYHQ/image.png" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img data-original-height="714" data-original-width="1270" height="225" src="https://lh3.googleusercontent.com/--ExEHeadJHo/X4LAQxC4eAI/AAAAAAAAM60/UARpytFyOUY7-6zAiIB3GZvmYydBHI2pwCLcBGAsYHQ/w400-h225/image.png" width="400" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">Siendo totalmente sincero, muy pocos (y con muy pocos me refiero a contados con los dedos de una mano) cantantes pueden igualarse a Klaus Meine durante estos años (y casi hasta la actualidad, porque parece haber hecho un pacto con el diablo). Su mezcla de nasalidad y melodía en la voz le permiten transmitir emociones a un nivel que no he podido escuchar muchas más veces. Al mismo tiempo, no creo que haya nacido nadie con mejores dotes que Schenker para la guitarra rítmica (sólo tal vez si <a href="https://en.wikipedia.org/wiki/Frederick_Winslow_Taylor">Taylor</a> se hubiera puesto en algún momento a intentar agarrar las seis cuerdas), un hombre capaz de crear riffs que podrían envolver al mundo entero. De Roth ya os he adelantado gran parte de sus dotes, aunque podréis comprobarlo vosotros mismos cuando lo escuchéis. Y por supuesto, la sección rítmica, formada por Herman Rarebell a los tambores y Francis Buchholz al bajo, cumple su cometido de forma excelente, aunque siempre queda patente que aquí la batuta la llevan los componentes del núcleo duro.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">Hechas las debidas presentaciones, volvamos al tema incial, <i>Steamrock Fever</i>. Un tema que, como ya os he comentado, abre las puertas a los Scorpions más metálicos, esos que se acercarían a tempos frenéticos en discos como <i>Blackout</i> o <i>Love at First Sting</i> años más tarde. Muy interesante el <b>riff principal, como un zumbido cortante que se vuelve circular</b> y que, conjuntamente con una batería de lo más original y agresiva, deja el camino abierto para que Meine ataque las estrofas de un modo apabullante. Muy atentos a todo esto porque el muro de sonido que más tarde se utilizaría en millones de canciones de heavy metal aquí da sus primeros pasos. No hay ni un hueco libre para que se escape un átomo y esa es la sensación de densidad que muchas veces se demanda en este estilo de música. El estribillo festivo contrasta de manera espectacular con estas estrofas más neuróticas, creando una liberación muy potente de adrenalina.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">Este inicio de lo más cañero da paso a la razón de todas estas entradas, al motivo por el cual este disco tiene que estar en tu colección y a la demostración de por qué Scorpions son una banda que está por encima del resto. Simple y llanamente, es así. <b>Damas y caballeros, en pie y aplaudan, ha llegado <i>We'll Burn the Sky</i>.</b> Schenker y Roth dan comienzo a unos de los temas más míticos y emocionantes de la historia del rock como no podía ser de otra manera: en lucha. Una lucha sutil y elegante en la que el arpegio de Roth se va entrelazando progresivamente entre las notas de Schenker como si de una serpiente se tratara. Manteniendo esa tensión entra la apesadumbrada voz de Meine, recitando los versos de Monika Danneman de una forma que ni él mismo podrá volver a imitar en el futuro. Es una canción con tantísimo significado para los miembros de la banda que se nota que se dejan el alma en cada centímetro en el que se mueven. Y es que no nos olvidemos que es una elegía que Danneman (novia de Roth en esos momentos) le escribió a su antiguo amor: Jimi Hendrix. El aura de Hendrix se mueve por todo el tema, así como la admiración del grupo por la leyenda. Progresivamente la guitarra de Roth se va convirtiendo en una especie de viola y se integra por debajo haciendo sonar un canon a la manera más clásica al tiempo que unos violines se introducen girando alrededor de la voz de Meine. Mientras, la intensidad de la música va creciendo y creciendo hasta que se produce la primera parada de este maratón emocional. Y es que cuando Meine deja caer la última palabra de de "<i>Everything wants you back again." </i>y la caja de Rarebell pega su primera acometida poco más nos queda por hacer que dejarnos llevar por ese mastodóntico riff que Schenker ejecuta a la manera más alemana posible. </div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">Tras este ¿estribillo? volvemos a la calma y la belleza de la estrofa, sabiendo que nos espera otra descarga que nos dejará sin aliento. Y efectivamente, pasados unos minutos, nos volvemos a encontrar con Schenker a la carga de lo que parece más una ametralladora que una guitarra. Cortando absolutamente el viento producido por este huracán de guitarras nos encontramos a Meine dándole el mayor sentimiento posible a los versos más preciosistas que han cantado estos teutones:</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"></div><blockquote><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">Wait, can this be a dream</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">There is a voice in my head</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">It belongs to you, it say's</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">Don't cry, no need to be sad</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">There's a way to stay with you again</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">It's more than you ever had</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">And no death bring us apart</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">Our timeless love always grows</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">Because you are my other part</div></blockquote><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">Mientras la voz de este pequeño gran hombre sigue girando a través del espacio y del tiempo, los dos guitarristas se van acercando poco a poco para ir formando una pequeña introducción de guitarras gemelas a través de la cual llegará una de las mayores explosiones de dinamita que ha podido crear cualquier grupo de rock. La forma que tiene Meine de ir haciendo crecer los últimos versos hasta hacerlos estallar como una supernova, dejando paso a uno de los solos de guitarra con mayor carga emocional que he podido escuchar en mi vida es algo que está al alcance sólo de seres de otro planeta. <b>No puedo evitar la piel de gallina cada vez que escucho esta canción.</b></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">Por supuesto, después de un tema que está a la altura de <i>Stairway to Heaven </i>(y que venga alguien a discutírmelo) los teutones muy sabiamente buscan reducir la profundidad y nos ofrecen un tema enteramente compuesto por Roth, <i>I've got to be free. </i>Es una canción rockera y directa, con Meine en unos registros que creo que no volvería a practicar a lo largo de su carrera, completamente agudo y canalla. Un tema que para mí debe ser disfrutado completamente en directo, consumiendo toda la energía que desprende y <i>liberándote</i> de todas las preocupaciones (hoy estoy juguetón con las palabras).</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">No nos dan mucho respiro los alemanes para recomponernos el espíritu ya que la descarga de Roth da paso a <i>The Riot of your Time</i>, compuesto por ese núcleo duro que forman Meine y Schenker. Y es que hablando del <a href="https://en.wikipedia.org/wiki/Elvis_Presley">Rey del Rock</a>, uno de los ídolos más importantes para estos músicos, ya podíamos suponer que la emoción estaba servida. Comenzando al puro estilo Elvis con unas guitarras acústicas, la banda nos va introduciendo a través de unos pasajes cuasi fantasmagóricos (ojo al trabajo de canon por debajo de los riffs que se marca otra vez el amigo Roth). La nostalgia por esos <i>años dorados</i> que nos brindó el rock de los cincuenta y los sesenta es el leitmotiv de este tema que consigue la sublimación a través del solo de Roth, uno que crece de forma progresiva y sencilla representando todos esos músicos que dieron sentido al género que amamos.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><i>The Sails of Charon</i> viene de nuevo de la mano exclusiva de Uli Jon Roth y nos transporta de alguna manera a unos paisajes arabescos con uno de los riffs más impresionantes de todo el album. Por si fuera poco con ese riff inicial, el genio de las seis cuerdas nos inyecta en vena un solo de esos que sólo pueden materializarse mediante la mente de un completo chiflado, sin que ni siquiera Klaus haya soltado una sola nota a través de su garganta. El tema va evolucionando hacia un rock duro que bien podría haber creado un señor llamado Ritchie Blackmore, gracias a esa ambientación entre neoclásica y medieval. Y da paso a mi segunda preferencia en este disco. Y es que este tema lo tengo que reivindicar contra viento y marea. No es normal lo que estos alemanes consiguen hacer en esta canción. <b>¿La estás escuchando? ¿Sí? Vale, párala. Párala en el segundo 0:12.</b> ¿Qué oyes ahí? ¡Efectivamente! Una guitarra funky, algo que podría haber sonado perfectamente en un disco de la Motown. Este Roth sin duda tenía un talento fuera de lo común. ¿Y qué me decís de la banda? ¿Cómo consiguen pasar de esos sonidos más cercanos al soul y el funk a unas de las creaciones más grandilocuentes de la historia del rock (gracias principalmente a esa voz de Meine que sube hasta el cielo y lo traspasa) en apenas dos minutos? Es algo que todavía no entiendo. Quizá nunca lo haga, pero poco importa. Disfrutadla, se lo merece.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">Nos acercamos peligrosamente ya a la recta final del disco con las dos canciones más alejadas entre sí de todo el repertorio pero que curiosamente marcarán la carrera de los subsiguientes Scorpions. <i>He's a woman, She's a man</i> es un trallazo directo a la yugular que no deja lugar a contemplaciones y que nos muestra el rumbo de la dirección creativa que querían seguir Schenker y Meine. Tanto es así que sus siguientes discos están plagados de este tipo de torpedos (<i>Coming Home, Dynamite, Bad Boys Running Wild, Lovedrive, Blackout...) </i>aderezados todos ellos por las igualmente talentosas garras de Matthias Jabs, que entraría a la banda en el siguiente disco y continuaría hasta nuestros días. Por otro lado tenemos <i>Born to touch your Feelings, </i>un mega baladón de los Scorpions en todo su esplendor. Para mí, esta es la primera balada con la receta Scorpions, esas que les harían famosos en todo el mundo como unos maestros de este tipo de composición. Y cerrar un disco con una canción de este calibre, que poco o nada tiene que envidiar a otras más famosas de la banda como <i>Still Loving You o Holiday</i> como ya he repetido hasta la saciedad en este post, está a la altura sólo de seres de otro planeta.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">Y si ellos cierran con esa canción, yo cierro con este disco mi pequeña trilogía sobre mi vuelta a los orígenes. Sobre una búsqueda algo más profunda de mí mismo. No sería la persona que soy hoy de no haber sido porque a mis trece años empecé a escuchar a Metallica, Led Zeppelin, Mago de Oz, Scorpions, Judas Priest, Iron Maiden, Extremoduro, Marea y tantísimos, tantísimos otros. Nunca podré agradecer lo suficiente todo lo que la música ha hecho por mí, pero espero que esto sirva como una pequeña y <a href="https://www.74minutos.com/2012/06/la-ley-innata.html">dulce introducción al caos.</a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">Puedes ver aquí el resto de la trilogía:</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><a href="https://www.74minutos.com/2020/07/well-burn-sky-elogio-del-heavy-metal-en.html">Prólogo - Música, datos y Spotify</a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><a href="https://www.74minutos.com/2020/07/descubriendo-uspm.html">Primer movimiento - Acero, truenos y gloria (descubriendo el USPM)</a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><a href="https://www.74minutos.com/2020/08/into-glory-ride-manowar.html">Segundo movimiento - Into Glory Ride</a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><a href="https://www.74minutos.com/2020/10/historia--heavy-metal-addendum-I.html">Addendum I - Historia del Heavy Metal (¡con gráficas!)</a></div></div><p></p>Jorge Carriónhttp://www.blogger.com/profile/14814966440922975069noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-951302503354448812.post-72346590229765617292020-08-09T12:51:00.003+02:002020-10-31T10:10:19.842+01:00We'll Burn the Sky - Elogio del Heavy Metal en tres movimientos (II)<h2 style="text-align: center;">Segundo Movimiento - Into Glory Ride</h2><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/7/75/ManowarIntogloryride.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="288" data-original-width="288" height="360" src="https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/7/75/ManowarIntogloryride.jpg" width="360" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">Vale, sí. No creo que exista nada más hortera que esta portada. Quizá ese pañal gigante con piel de cordero sea lo único que supere al conjunto. Y si nos ponemos a comentar lo que Manowar representa voy a estar de acuerdo en todo lo negativo que podáis pensar: que su autoproclamación de "reyes del Metal" suena ridícula e incluso algo ofensiva (no olvidemos que ellos también son la vara de medir de lo que se puede o no considerar "true metal"); que la mayoría de nosotros podría componer una canción de la banda simplemente combinando algunas de sus palabras clave: <i>steel</i>, <i>thunder, blood, sky, warrior, metal, kill o king</i>, por poner los ejemplos más <b>sangrantes</b>;<b> </b>incluso que en su afán por seguir sonando como el verdadero e inimitable "true metal" se han convertido más en una parodia de sí mismos que en algo que la comunidad pueda respetar.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">Como os digo, no tengo nada que decir sobre todas estas afirmaciones, ya que son las mismas que <b>sobrevolaban mi cabeza cuando conocí a la banda</b>. Y es que esa fachada tira para atrás al más metalero. Piensas que te vas a encontrar con una serie de discos de un grupo de señores a los que les gusta más disfrazarse que la música. Sin embargo, todo esto es cierto hasta cierto punto. Ahora entenderéis por qué digo esto.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">Ya habréis imaginado que esta aventura dentro del camino de la banda más metalera de todos los tiempos comenzó con la ya citada lista de <i>rateyourmusic</i> de la que os hablé en <a href="https://www.74minutos.com/2020/07/descubriendo-uspm.html">la anterior entrada</a>. Y como también habréis imaginado, mi sorpresa al ver este disco en el tercer puesto de la lista, sólo por debajo de <i>Powerslave y Sad Wings of Destiny,</i> no pudo ser más mayúscula. <b>¿Estos tipos vestidos de Conan a la altura de dos piedras angulares del género?</b> No daba mucho crédito al ránking pero aún así decidí darle una oportunidad al disco. Y decidí hacerlo por dos razones: porque el mismo usuario ya me había convencido lo suficiente con el USPM y porque pensé que quizá hubo un punto en la carrera de <b>Manowar </b>en el que<b> no estaban pensando tanto en <i>parecer</i> metaleros como en <i>serlo</i></b>.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">Mis anteriores encuentros con la banda musculosa habían sido efímeros. Alguna canción suelta del <i>Kings of Metal</i> que me parecía bastante buena, varias escuchas al <i>Fighting the World</i> (que me sigue pareciendo un disco de <b>Kiss</b>), una pequeña obsesión con <i>Warriors of the World United</i> (ese tipo de obsesión que te hace escuchar la misma canción en <i>repeat</i> durante semanas). Poco más. No terminaban de conquistarme ni su estética ni su mensaje, aunque cuando los escuchaba sí que había algo que me atraía, sin saber muy bien qué o por qué.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">Así que como no podía ser de otra forma, me coloqué mis pulseras de cuero y pinchos y le di al <i>play</i>. Pero antes de comenzar a describiros mis sensaciones, no puedo dejar pasar esta oportunidad de oro. Porque gracias a este álbum yo he descubierto a otros Manowar y me gustaría animar a todo aquel que tenga cierto interés en hacerlo que se me una. Pero no con este disco, sino con la canción que le da título al mismo: <b>Battle Hymn</b> de su anterior y primer disco <i>Battly Hymns</i>. <span style="text-align: left;">Sinceramente, esta es una canción que puede sustentar toda una carrera musical. Si Manowar sólo hubieran grabado esto ya se habrían ganado un lugar en el Panteón de los más grandes del género. Afortunadamente para nosotros, todavía tenían unos cartuchos extras de sobrada calidad. Si podemos categorizar como paradigma del metal épico alguna canción en la historia, sin duda sería esta. Comenzando como un medio tiempo muy potente, las melodías de cada uno de los músicos se van entrelazando al compás del gallardo ritmo de la batería de Donnie Hamzik</span><span face="sans-serif" style="color: #202122; text-align: left;"><span style="background-color: white; font-size: 14px;">, y</span></span><span style="text-align: left;"> cuando el portentoso Eric Adams comienza a agitar su instrumento recitando aquello de "</span><i style="text-align: left;">By moonlight we ride, ten thousand side by side</i><span style="text-align: left;">" te das cuenta de que aquí estamos hablando de algo más que un simple grupo americano. Aquí estamos hablando del </span><b style="text-align: left;">poder de la música, de la capacidad de generar los más dispares y profundos sentimientos a través del conjunto de los diferentes elementos que la conjugan</b><span style="text-align: left;">. Porque tras la primera cabalgada en la que nos encontramos frente a frente con el enemigo, estos cuatro guerreros nos transportan a la visión de ese Valhalla que todos los combatientes anhelan mediante un onírico pasaje en el que prácticamente podemos notar a Adams acunándonos con su voz. Y sólo un minuto más tarde consiguen sacudirnos hasta las entrañas con la que es -a mi parecer- </span><b style="text-align: left;">la mejor representación de una cruda y épica batalla en la historia de la música popular</b><span style="text-align: left;">. El momento en el que entra la banda con toda la potencia imaginable mientras Eric alcanza notas que no son de un ser humano cantando eso de "</span><i style="text-align: left;">Sound of charge <b>into glory ride,</b> over the top of their vanguished pride</i><span style="text-align: left;">" es sencillamente colosal. Pierdo la cuenta de las bandas que venderían su alma al diablo por poder crear algo parecido a ese minuto. Aquí nos damos cuenta de que Manowar ya lo había hecho y, aprovechando ese milagro de la creación que es </span><i style="text-align: left;">Battle Hymn</i><span style="text-align: left;">, decidieron estirar lo conseguido en esta canción en su siguiente disco a través de su más icónico verso: </span><b style="text-align: left;">Into Glory Ride.</b></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">Tengo que matizar que, si bien el <b>Battle Hymns</b> no es un mal disco, tampoco es bueno. Quiero decir, el resto de canciones que lo componen se quedan más en una especie de copia a la americana de unos Judas Priest que de títulos con sello propio. Creo que DiMaio y compañía se dieron cuenta del monstruo que habían creado y decidieron que a partir de ese momento, su música se definiría así. Que cualquiera que escuchara Manowar los reconocería al instante. Gracias a esos coros, esa épica o esos trotes de la guitarra, <b>los americanos estaban forjando en hierro candente su propia personalidad.</b> A la vez, casi sin querer, también configuraron el tablero de juego de un nuevo subgénero que alcanzaría su madurez en los años noventa. </div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">Así que, un año más tarde, DiMaio, Adams y compañía recogieron su propio legado y dieron a luz al disco que nos ocupa hoy, esta vez contando en sus filas con el batería Scott Columbus. Sé que Columbus no es el batería más técnico del mundo, pero tampoco entiendo las críticas que se le achacan. Creo sinceramente que es un elemento clave para el sonido Manowar, además de ser una <b>pieza que permite sostener en la tierra a sus extravagantes y excesivos compañeros.</b> Para muestra de mi argumento basta encontrarnos un sólo de batería de más de cuatro minutos en una canción que supera los 28 minutos de duración en el <i>Triumph of Steel</i> (época Rhino). Ahora bien, hechas todas y cada una de las presentaciones, es hora de centrarnos.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">El disco arranca con la vena más macarra de estos <b>Manowar</b> con <i>Warlord</i>, recordándonos, o en cierta forma cerrando, las ya citadas canciones de su <i>Battle Hymn</i>. Es un tema que, como ya apuntaba en las anteriores, nos puede recordar a los Judas Priest más directos (esos del <i>Hell Bent for Leather o Breaking the Law</i>). Para mí esta canción constituye el eslabón más débil de toda la cadena del disco, ya que aporta poco o nada nuevo al género o a la carrera de Manowar. Pero cuando acaba este tema...¡ah! Nos encontramos con <i>Secret of Steel</i>, una canción que reduce exponencialmente el tempo que había mostrado su predecesora a través de los pausados y rítmicos golpes de Columbus en la batería, y unos riffs de la sección de cuerdas que, aunque pudiera parecer que retoman la tradición sabbathiana, en realidad están explorando otro sendero. Porque este conjunto de elementos no pretende arrasar con todo lo que encuentre a su paso como lo hacen los de Iommi, sino más bien arroparte, <b>envolverte en su manto de acero y hacerte volar hacia el Valhalla como un auténtico guerrero</b>. No hay más que escuchar esos coros semicelestiales del estribillo o el "RISE" que se repite casi como un susurro de un antiguo Dios que te anima a seguir en la batalla. ¿Toda esta explicación no os suena peligrosamente a algo? <b>Os estoy dando pistas.</b></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">Llegamos a una<b> pieza clave dentro de este disco y sin duda en la carrera de Manowar</b>: <i>Gloves of Metal</i>. Y digo clave no tanto por el apartado musical (esto fluctuará mucho con los años) sino más bien por el estilístico: aquí la banda plasma su <i>leitmotiv </i>más fundamental, esos lemas que repetirán en todos y cada uno de sus discos: qué es ser metalero, cómo serlo, los metaleros somos una comunidad que jamás se destruirá, combatimos al mundo, etc. No hay más que ver el video oficial de la canción para entender lo que digo:</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><iframe allowfullscreen="" class="BLOG_video_class" height="360" src="https://www.youtube.com/embed/jyjNkG3yKak" width="480" youtube-src-id="jyjNkG3yKak"></iframe></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: small;">Y volvemos a la horterada máxima</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">Tras su propia declaración de Independencia frente a los padres del género (sin dejar de reconocer su influencia y legado), Manowar transita hasta la costa de un territorio del que serán sus primeros exploradores y que acabaría siendo conquistado años más tarde por unos nórdicos con la cara pintada y adoradores del rey del Inframundo. Porque sí, queridos lectores, <i>Gates of Valhalla</i> es la primera pieza que <b>podemos catalogar genuinamente dentro del universo del Viking Metal</b>. Y no admito discusión posible sobre esto.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">Que sí, que Quorthon y sus <b>Bathory</b> fueron los propulsores. Estoy de acuerdo. Que hubo grupos antes que también hicieron algo parecido (<b>Heavy Load, Legend</b>...), también. Pero nadie puede negarme ni que los antecesores suenan como debe hacerlo una banda de <i>viking</i> ni que los predecesores suenan peligrosamente parecidos a lo que se expone en este disco, principalmente a esta canción. Tempos lentísimos pero sin sonar a doom, teclados que crean esa sonoridad épica, letras sobre batallas y mitología, cuerdas que generan una atmósfera envolvente... Y es que si existiera algo parecido al metal atmosférico (creo que lo más aproximado sería el <i>post metal</i>), sin duda, este sería uno de los discos clave. Porque Manowar en este disco abandona todo objetivo de sonar cortantes o directos y, simplemente, te presenta sensaciones, <b>escenarios</b>: una árida playa donde ha ocurrido una tremenda y sangrienta batalla, un prado donde yacen los guerreros que ya han partido hacia el Valhalla, un oceáno que atravesar para llegar hasta las costas del enemigo... Por supuesto, lo hacen con los mejores mecanismos posibles: los arpegios sosegados que recuerdan a las olas del mar del comienzo de <i>Gates of Valhalla</i>, el denso y pesado riff de la definitoria <i>Gloves of Metal</i> o la tremenda voz de Eric Adams en los dos siguientes temas, que representan para mí las dos caras opuestas del disco: <i>Hatred y Revelation (Death's Angel)</i>. Porque donde <i>Hatred </i>va carcomiendo toda la bondad que puede existir en la música y se convierte seguramente en la <b>canción con la atmósfera más opresiva de toda la carrera de la banda</b>, <i>Revelation </i> se desliza como una <b>jabalina por el aire para acertar en el punto más central de la diana</b> de ese metal elegante y con clase del que Manowar formaron parte. </div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">Quiero señalar algo de la sabbathiana -ese riff SÍ que lo podría haber escrito Iommi- <i>Hatred </i> y es la espectacularidad de la voz de Eric Adams, y principalmente, su habilidad para hacerse pasar por un instrumento más dentro de la banda. Aunque esto sea una constante durante todo el disco, creo que dónde más se puede apreciar esto es en esta canción. Un instrumento que es vital para una banda que está elaborando su nuevo sonido porque permite <b>rellenar esos huecos en los que los americanos querían dejar hablar a los dioses</b>.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">Pero por si la demostración de Adams no había sido suficiente con esa jauría de alaridos sobrehumanos que conforma <i>Hatred</i>, el americano demuestra una vez más en <i>Revelation</i> que sus cuerdas vocales bien podrían estar aseguradas como tesoro nacional. Y aquí me pongo serio, porque si este disco me entró con <i>Gloves of Metal,</i> me conquistó con esta canción. Y principalmente lo hizo a través de los primeros dos minutos. Primero con ese sonido tan nórdico de los primeros compases y más tarde con esos agudos de Adams que dan paso a uno de los <b>riffs cabalgantes más emocionantes del metal de los ochenta</b>. Pero escuchad muy atentamente esos agudos a los que me refiero, porque cuando Adams libera la frase "Dine with the Beast" se queda manteniendo la nota durante unos segundos y a continuación, allí donde los simples mortales simplemente dejarían de respirar, <b>realiza un <i>crescendo</i> es escalas que lo sitúa en el asiento de la izquierda del señor Halford</b>.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">Nos acercamos al final de esta aventura colosal y épica, plagada de espadas, sangre, mitología y fantasía. Yo estoy algo exhausto de moverme por el campo de batalla, pero Manowar todavía tiene fuerzas para regalarnos el tema más extenso del disco: <i>March for Revenge (by Soldiers of Death). </i>Muy en la línea de <i>Battle Hymn</i>, la canción nos presenta la ya típica sonoridad épica y nórdica. Y sinceramente, cuando Adams grita eso de "Steel meet Steel" a mí se me pone la piel de gallina. </div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">Y ahora sí, acaba este segundo disco de Manowar, que también supone el segundo acto de esta especie de Sinfonía en la que me he embarcado. Quizá a muchos os sorprenda que en mi Elogio del Heavy Metal esté incluyendo grupos tan poco representativos como los de USPM o estos Manowar menos conocidos, pero precisamente de eso se trata. Todos conocemos los grandes nombres, los grandes discos y las grandes actuaciones, pero quizá nos perdamos algo de la magia que desprenden muchos otros que se esconden bajo la superficie. Porque formar parte de <b>una comunidad que ondea la cantidad de banderas que aparecen en el minuto 2:42 de este vídeo sin diferenciar fronteras, razas o etnias es algo increíblemente emocionante para mí</b>. Y sólo por ser capaces de generar eso en tantísima gente, estos veteranos se han ganado el derecho de ser todo lo horteras que quieran ser.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><iframe allowfullscreen="" class="BLOG_video_class" height="360" src="https://www.youtube.com/embed/G1G9D8A4Fiw" width="480" youtube-src-id="G1G9D8A4Fiw"></iframe></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><div class="separator" style="clear: both;">Puedes ver aquí el resto de la trilogía:</div><div class="separator" style="clear: both;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://www.74minutos.com/2020/07/well-burn-sky-elogio-del-heavy-metal-en.html">Prólogo - Música, datos y Spotify</a></div><div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://www.74minutos.com/2020/07/descubriendo-uspm.html">Primer movimiento - Acero, truenos y gloria (descubriendo el USPM)</a></div><div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://www.74minutos.com/2020/10/taken-by-force.html">Tercer Movimiento - Taken By Force</a></div><div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://www.74minutos.com/2020/10/historia--heavy-metal-addendum-I.html">Addendum I - Historia del Heavy Metal (¡con gráficas!)</a></div></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><br /></div>Jorge Carriónhttp://www.blogger.com/profile/14814966440922975069noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-951302503354448812.post-42306139280757799262020-07-23T07:37:00.008+02:002020-10-31T10:11:02.723+01:00We'll Burn the Sky - Elogio del heavy metal en tres movimientos (I)<br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><b><font face="georgia" size="5">Primer Movimiento - Acero, Truenos y Gloria (Descubriendo el USPM)</font></b></div><table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-ZFJxnIUS7n0/XwHJBDvedTI/AAAAAAAALzw/stWNBXB7De0Dexr-c8eSksvf6fOvzg8SwCK4BGAsYHg/s512/unnamed.jpg" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="512" data-original-width="512" height="400" src="https://1.bp.blogspot.com/-ZFJxnIUS7n0/XwHJBDvedTI/AAAAAAAALzw/stWNBXB7De0Dexr-c8eSksvf6fOvzg8SwCK4BGAsYHg/w400-h400/unnamed.jpg" title="Come, come, into my coven..." width="400" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Deliver us from evil today, deliver us from evil we pray!</td></tr></tbody></table><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><br />Para continuar con mi búsqueda tal y como había planteado en mi anterior entrada necesitaba desandar lo andado. Por ello me dispuse a recorrer la web de Rateyourmusic, sitio en la que había pasado largas horas durante mi adolescencia consultando listas sobre los mejores discos del heavy metal. ¿Qué trataba de conseguir? Información. Mi búsqueda iba dirigida a conocer más y más y con ello descubrir la canción perfecta, el disco perfecto, el grupo perfecto. Evidentemente eso nunca llegó, aunque hubieron algunos por el camino que se quedaron muy cerca los estándares.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">Pues bien, una vez establecidos los parámetros que quería seguir, caí en la cuenta rápidamente de algo fundamental: me sabía todas las listas. Ya conocía todos los discos que iban a aparecer en ellas: el magnífico <i>streak</i> de los cuatro primeros discos de <a href="https://en.wikipedia.org/wiki/Black_Sabbath">Black Sabbath</a>, <a href="https://en.wikipedia.org/wiki/Led_Zeppelin">Zeppelin</a> o <a href="https://en.wikipedia.org/wiki/Deep_Purple">Deep Purple</a>, las mejores rachas de <a href="https://en.wikipedia.org/wiki/Iron_Maiden">Iron Maiden</a> o <a href="https://en.wikipedia.org/wiki/Metallica">Metallica</a>, el increíble <a href="https://en.wikipedia.org/wiki/Sad_Wings_of_Destiny">Sad Wings of Destiny</a> u otros tantos de los <a href="https://en.wikipedia.org/wiki/Judas_Priest">Metal Gods</a>. y ya dependiendo de los gustos del reseñista podríamos ver más discos de power, como podrían ser los primeros de <a href="https://en.wikipedia.org/wiki/Helloween">Helloween</a>, <a href="https://en.wikipedia.org/wiki/HammerFall">Hammerfall</a>, incluso <a href="https://en.wikipedia.org/wiki/Angra_(band)">Angra</a> o <a href="https://en.wikipedia.org/wiki/Gamma_Ray_(band)">Gamma Ray</a>, de thrash (<a href="https://en.wikipedia.org/wiki/Slayer">Slayer</a>, <a href="https://en.wikipedia.org/wiki/Testament_(band)">Testament</a>, <a href="https://en.wikipedia.org/wiki/Megadeth">Megadeth</a>, <a href="https://en.wikipedia.org/wiki/Anthrax_(American_band)">Anthrax</a>, <a href="https://en.wikipedia.org/wiki/Overkill_(band)">Overkill</a>, <a href="https://en.wikipedia.org/wiki/Kreator">Kreator</a>), incluso del Death más primigenio (<a href="https://en.wikipedia.org/wiki/Death_(metal_band)">Death</a>, <a href="https://en.wikipedia.org/wiki/Morbid_Angel">Morbid Angel</a> o <a href="https://en.wikipedia.org/wiki/Cannibal_Corpse">Cannibal Corpse</a>). Y ojo, no me malinterpretéis, yo adoro estos discos tanto como estos usuarios que los incluyen en sus rankings, pero no era esto lo que estaba buscando. Quería salirme del canon del heavy metal, ahondar en sendas ocultas a la vista y bucear entre aguas pantanosas.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">Cuando casi me había dado por vencido con rateyourmusic algo pasó: <a href="https://rateyourmusic.com/list/antreas72heep/the_top_100_all_time_heavy_metal_albums_/">dí con una lista con álbumes</a> de los que poco o nada había oído hablar en los primeros puestos del ranking. Grupos como Manilla Road, Cirith Ungol, Warlord, Heavy Load o Jag Panzer se enmarcaban dentro del top de este autor. Receloso, me puse a investigar dichos grupos para saber si lo que estaba diciendo este hombre tenía sentido o era una completa exageración. Ahora puedo decir sinceramente que tenía más de lo segundo, pero mucho me temo que el propósito de este autor no era precisamente la exactitud ni el rigor en su elaboración de la lista, sino otro bien distinto. Lo que me parece que intentaba -y que consiguió conmigo- era el abrir una puerta a un mundo que gran parte del público desconocemos. Por supuesto, estoy hablando del fascinante mundo del <b>United States Power Metal (USPM).</b></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">Os voy a resumir en tres puntos principales porque este descubrimiento ha sido tan importante y cautivador para mí a estas alturas de mi vida:</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><ol><li>Porque tras quince años escuchando infinidad de subgéneros del metal pensaba que era imposible que algo me sorprendiera. Sabía que podían surgir nuevos estilos, pero no que pudiera descubrir un movimiento como este que prácticamente se gestó con un año o dos de diferencia de la NWOBHM, el punto de partida que definió realmente lo que íbamos a considerar heavy metal. </li><li>Porque sin duda alguna este subgénero representa lo mejor del metal. Son un puñado de bandas con mucha ilusión y un objetivo en mente: sonar diferentes al resto. Se puede percibir en sus discos y en su música todo lo <i>naive</i> que era esa época y todos los sueños que habían volcados entre sus partituras.</li><li>Y porque, por encima de todo, estos grupos me devolvieron la ilusión adolescente por esta música tan increíble y que tanto me ha aportado. Al final siempre somos los mismos, pero con el paso de los años <b>nos disfrazamos con diferentes caretas</b>. Estos grupos me recordaron que yo siempre seré ese metalero que empezó a entender lo que era realmente la música entre discos de Mago de Oz (no lo voy a esconder), Led Zeppelin, Metallica y Scorpions.</li></ol><div>No os voy a hacer una guía o una reseña de este estilo porque para eso tenéis el magnífico trabajo de esta <a href="https://rideintoglory.com/marcos-guide-to-uspm/">página</a>, donde podéis encontrar definiciones, discos recomendados, la evolución del género desde los ochenta...en definitiva, toda la información importante sobre el USPM. Lo que sí os voy a intentar transmitir son mis sensaciones cuando comencé a escuchar estos discos y el poder de seducción que creo que tienen.</div><div><br /></div><div>Y es que esa ilusión de la que os hablaba en estos discos es tan palpable que se contagia. Ahora puedo entender porque al autor de la lista le fascina tantísimo el género, ya que esa mezcla que contiene del heavy metal primigenio, letras y temática épicas con todo un aire de misticismo alrededor de cada grupo es algo que a mí también me ha conquistado. Por supuesto, debemos reconocer que ninguno de los cuatro discos que he seleccionado para componer este texto (<i>Crystal Logic</i> de Manilla Road, <i>King of the Dead</i> de Cirith Ungol y <i>Deliver Us</i> de Warlord -el cuarto lo sabréis más adelante-) tienen una calidad de sonido espectacular. Hay que pensar que son los primeros discos de grupos sin demasiado presupuesto y la producción no es la mejor, pero poco importa eso cuando te colocas los auriculares y el estallido de acero comienza.</div><div><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-xnflWszHn3k/XxhuEy7ayyI/AAAAAAAAL5U/EzJbTA81yzodOU1yxsVcx8xoj53ur0sVgCLcBGAsYHQ/s512/unnamed.jpg" style="display: inline; margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="512" data-original-width="512" height="256" src="https://1.bp.blogspot.com/-xnflWszHn3k/XxhuEy7ayyI/AAAAAAAAL5U/EzJbTA81yzodOU1yxsVcx8xoj53ur0sVgCLcBGAsYHQ/w256-h256/unnamed.jpg" width="256" /></a><a href="https://1.bp.blogspot.com/-MXSJUs_AnsA/XxKFPT0O72I/AAAAAAAAL4M/cXpV9MFZ9iMb-hxO2xjev8GX8AVhxrErwCLcBGAsYHQ/s500/R-1604444-1264299174.jpeg.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="500" data-original-width="500" height="256" src="https://1.bp.blogspot.com/-MXSJUs_AnsA/XxKFPT0O72I/AAAAAAAAL4M/cXpV9MFZ9iMb-hxO2xjev8GX8AVhxrErwCLcBGAsYHQ/w256-h256/R-1604444-1264299174.jpeg.jpg" width="256" /></a></div></div><div><br /></div><div><br /></div><div><div>Un estallido que se engarza casi sin querer con todas tus vivencias. Y es que el poder de la música es algo que siempre me fascinará. Puede almacenar recuerdos que despiertan con un acorde de guitarra, generar sentimientos que ni siquiera sabías que podían existir, darle sentido a aquello que te ronda la cabeza y no tiene demasiada explicación o crear atmósferas que te transportan directamente a un mundo nuevo y desconocido. Entre muchas otras cosas, los grupos de los que hablo hoy son de este último orden.</div><div><br /></div><div>Tanto Manilla Road con su <i>Crystal</i>, como Cirith Ungol con el <i>King</i> y Warlord con el <i>Deliver</i> consiguen algo tremendamente complicado: sonar tan originales y propios que <b>desarrollan para el oyente toda una intricada red de nuevas sensaciones</b>, como si de descubrir un nuevo mundo se tratara. Mientras que Manilla Road se las apañan para darte alguna poción mágica -de las que pueden formar parte de sus letras -y que así te sientas como ese vikingo que nos saluda alegremente desde la portada, cabalgando a lomos de su corcel directamente hasta esa especie de ciudadela extraña donde quizá alberguen tesoros, donde quizá alberguen peligros y donde seguro albergan batallas; Cirith Ungol presentan una propuesta directamente inspirada por los Sabbath época Ozzy, con una música que consigue desarrollar a tu alrededor un universo formado por las cavernas y mazmorras más oscuras de la creación. Y qué decir de Warlord. Tal y como muestra si inquietante portada, desde que comienza la batería a marcha marcial de su Deliver Us parecemos adentrarnos en un castillo embrujado, en algo que bien podía la famosa casa <i>Usher </i>de Poe, despojada quizá de su maldad intrínseca y dotada de cierto misticismo inocente. </div></div><div><br /></div><div>Así que ahí estaba yo, delante de mi ordenador, viajando a través de escenarios, historias y mundos diversos a través de tan sólo unos acordes de guitarra. Y a la vez que podía escuchar esos universos había algo más que sentía en la música de estos americanos que no podía quitarme de encima y que de alguna era lo que mantenía abrazado a ellos. Algo que me transmitía un cariño especial por estas personas que tanto esfuerzo habían dedicado a sonar diferentes al resto. Al principio no podía identificar de que se trataba, pero más tarde, investigando las biografías de cada uno de los grupos lo vi claro: lo que en realidad estaba escuchando eran los sueños rotos de un grupo de veinteañeros que volcaron todas sus ilusiones en una industria que les dio la espalda cuando más la necesitaban.</div><div><br /></div><div>No hay que olvidar que estamos hablando de tres discos (o cuatro) que vieron la luz entre el 83-84, y quizá simplemente sus propuestas se quedaron atrapadas entre dos mundos que darían forma y color al mundo del metal americano en los siguientes años y que se estaban forjando paralelamente. Por un lado, en el mundo <i>mainstream </i>el país abrazó los excesos del <i>glam metal</i> fuera de los escenarios y su sencillez estructural dentro de ellos. Por otro, el <i>thrash metal</i> se alzaba desde el underground como un inmenso y violento Golem que poco a poco conquistaría -por unos años al menos- el trono del metal. Y en medio de estos dos titanes se encontraban estos grupos, que con su grandilocuencia y épica no lograron encandilar al gran público.</div><div><br /></div><div>Quizá el escuchar un doom ¿progresivo? como el que practican los Ungol era demasiado (no todos pueden ser Black Sabbath), el mezclar el speed metal con la épica de la Necropolis de MR no enganchaba lo suficiente o prácticamente inventarte la forma de tocar un género con su Child of the Damned (unos cinco años antes de que el <i>power</i> se expandiera por todo el globo) fuera algo que Warlord no supo sobrellevar. Y digo sobrellevar porque Warlord especialmente fue un grupo que quería por encima de todo triunfar. Pusieron todos sus esfuerzos -físicos, económicos y mentales- en la <a href="https://www.metal-archives.com/albums/Warlord/And_the_Cannons_of_Destructiohttps://www.metal-archives.com/albums/Warlord/And_the_Cannons_of_Destruction_Have_Begun.../4127n_Have_Begun.../4127">grabación de un disco en falso directo </a>que -según pensaban- los lanzaría directamente a la liga de los más grandes. Sobra decir que, pese a la calidad del álbum, poco más se supo de esta banda hasta dos décadas más tarde, donde pudieron volver gracias a una base de fans de culto que los reclamaba. <b>Muy lejos quedaron todos esos sueños de estrellato y de invadir de metal cada casa estadounidense</b>.</div><div><br /></div><div>Por la razón que fuera, no me cabe la menor duda que cualquier de estas formaciones podría merendarse sin problemas en calidad y magia a grandes bandas que hoy cuentan con el beneplácito de la audiencia. Pero he de decir que hasta ahora no he sido del todo sincero con vosotros, porque esto es lo que me he estado guardando durante todo el post: hubo una banda que sí consiguió traspasar esa frontera y crear un cisma entre los dos dimensiones predominantes. Dentro de esta vorágine de nuevas bandas, estilos y prácticamente galaxias enteras, un <b>grupo surgió como un trueno en el firmamento para conseguir ganar la batalla que sus compañeros habían perdido</b> con un disco sin precedentes que marcaría las bases de diversos estilos en el futuro y los situaría como el epicentro del metal americano por excelencia. Como ya habréis imaginado, no podía estar refiriéndome a otro disco que el <b>Into Glory Ride </b>de los -autoproclamados- reyes del metal, <b>Manowar.</b></div><div><b><br /></b></div><div><div class="separator" style="clear: both;">Puedes ver aquí el resto de la trilogía:</div><div class="separator" style="clear: both;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://www.74minutos.com/2020/07/well-burn-sky-elogio-del-heavy-metal-en.html">Prólogo - Música, datos y Spotify</a></div><div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://www.74minutos.com/2020/08/into-glory-ride-manowar.html">Segundo movimiento - Into Glory Ride</a></div><div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://www.74minutos.com/2020/10/taken-by-force.html">Tercer Movimiento - Taken By Force</a></div><div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://www.74minutos.com/2020/10/historia--heavy-metal-addendum-I.html">Addendum I - Historia del Heavy Metal (¡con gráficas!)</a></div></div></div>Jorge Carriónhttp://www.blogger.com/profile/14814966440922975069noreply@blogger.com2tag:blogger.com,1999:blog-951302503354448812.post-83126303098709467772020-07-16T17:58:00.006+02:002020-10-31T10:12:07.933+01:00We'll Burn the Sky - Elogio del heavy metal en tres movimientos (Preludio)<div style="text-align: center;"><font size="5"><b>Preludio - Música, datos y spotify</b></font></div><div style="text-align: center;"><font size="5"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-qf-sNa0_fec/XwCCl0zNHVI/AAAAAAAALyQ/nfY3GEHq3s0xlqdSYSLOyQL1Seb-t5cfACK4BGAsYHg/s1366/1366_2000.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="782" data-original-width="1366" height="229" src="https://1.bp.blogspot.com/-qf-sNa0_fec/XwCCl0zNHVI/AAAAAAAALyQ/nfY3GEHq3s0xlqdSYSLOyQL1Seb-t5cfACK4BGAsYHg/w400-h229/1366_2000.jpg" width="400" /></a></div></font></div><div style="text-align: center;"><font size="5"><br /></font></div><div style="text-align: justify;">Sí, <b>tres movimientos.</b> Nada más y nada menos. Tres movimientos que a <b>su vez constan de un preludio y dos addendums</b>. Tarea titánica para vosotros, mis lectores. Una tarea que debía hacer, porque si de algo me he dado cuenta en todos estos años que llevo escribiendo intermitentemente este blog, es de que se ha convertido ya por derecho propio en un espacio en el que volcar mis inquietudes. En mi diario musical; sí. En un diario musical a través del cual se puede descifrar (al menos yo puedo hacerlo) gran parte de mis sensaciones, sentimientos o estados de ánimo que he ido experimentando mientras escribía las entradas que realizaba. Y sin duda estos posts van a constituir uno de mis mayores logros introspectivos de mi vida. Pero no nos adelantemos y vayamos al comienzo de esta historia.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Os pondré un poco en situación. Es 2020, el mundo está sufriendo los efectos de un virus llamado Covid-19 que ha cumplido con todas las expectativas que una película apocalíptica podía desear y, aunque parece que mi país (España) ha sobrepasado el peor golpe, todo es incertidumbre y desconcierto. Por no hablar de que la situación mundial es la peor en toda la evolución de la enfermedad. Dentro de esta vorágine cada uno de nosotros ha ido buscando su tabla a la que asirse contra el maremoto. Porque así somos los humanos, si se nos ataca con incertidumbre e inconsistencia lo que hacemos es inventarnos las certezas a las que agarrarnos.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Hay que entender que uno de los pilares fundamentales de mi vida está sostenido por la música. Por eso, cuando durante el confinamiento se me ocurrió (inconscientemente, claro) que debía realizar una cronología de toda la música que he escuchado desde que empecé a tomar conciencia de eso que entendemos como escuchar y no sólo oír, supe al instante qué es lo que intentaba hacer con este acto: intentaba buscar una madera más grande a la que subirme.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Así que me puse a ello. Debéis entender algo, para mí realizar esa tarea no es algo tan imposible como se pudiera pensar, ya que cuando dedicas gran parte de tu tiempo libre a la música, llevar un registro de -más o menos- todo lo que has escuchado no es tan complicado. Pero, evidentemente, había muchas lagunas, había muchos huecos que rellenar, recuerdos que traer de vuelta, sonidos que volver a encajar en mis oídos tras 15 años de espera...en definitiva, había mucho trabajo que hacer. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Lo que tenía clara era una cosa, me iba a encontrar con mucho, <b>mucho metal.</b> Desde los 13 años, que fue la edad con la que comencé a adentrarme de lleno en la música hasta prácticamente los 17-18, lo único que escuchaba era metal. A partir de ese momento fui abriendo el oído y la mente al resto de estilos. Por eso, uno de mis primeros esfuerzos fue el de recoger todos mis discos físicos, ordenándolos por fecha de escucha. Los que más pistas me proporcionaron fueron estos samples de diversas revistas que me compraba en mis primeros acercamientos al género. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-B4gVfBLK0jA/XwG2vMqJW3I/AAAAAAAALzY/vYe15GVysakJLIH8pCB0YVHgwK9jgYLdgCK4BGAsYHg/s3968/IMG_20200704_152531.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img alt="can you feel it?" border="0" data-original-height="2976" data-original-width="3968" height="300" src="https://1.bp.blogspot.com/-B4gVfBLK0jA/XwG2vMqJW3I/AAAAAAAALzY/vYe15GVysakJLIH8pCB0YVHgwK9jgYLdgCK4BGAsYHg/w400-h300/IMG_20200704_152531.jpg" title="el tiempo pasa para todos" width="400" /></a></div></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Era 2003 y el acceso ilimitado que tenemos ahora mismo a prácticamente toda la música del planeta no existía, por lo que estos discos en los que podías escuchar como mínimo a doce artistas distintos, muy habitualmente de doce estilos diferentes, <b>tenían un precio incalculable</b>. Fue la parte más importante en mi iniciación dentro del mundo de la música pesada, porque gracias a escuchar estos discos y leer estas revistas me hice una idea muy clara de qué era el heavy metal y qué subgéneros contenía. Estaba descubriendo todo un mundo y sus puertas se abrían ante mí recubiertas de cuero y acero.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Pero de momento eso es harina de otro costal (y frases para otra entrada). Lo que nos importa para este preludio es sin duda mi siguiente idea para seguir recopilando música que integrase mi cronología. Y para ello pensé en hacer una recopilación por año de publicación de una gran cantidad de discos. Si me ponía a mirar discos que se publicaron en 2003, en 2004 encontraría muchas más piezas de las que tirar. Eso pensaba. Sé que existen muchas páginas que integran buenas bases de datos en su sistema (algunas como <a href="https://www.allmusic.com/">https://www.allmusic.com/</a> o <a href="https://www.discogs.com/" style="text-align: left;">https://www.discogs.com/</a>), de hecho, las consulto a menudo. Pero no era lo que yo buscaba. Quería algo sencillo y eficiente donde pudiera buscar por año cientos de discos y elegir cuáles había escuchado y cuáles no. Así que como no encontraba una solución que me satisficiera, me puse manos a la obra a realizarlo yo mismo.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Así estaba fusionando mi pasión con mi trabajo de una manera muy satisfactoria. Y aquí me perdonareis que me ponga algo técnico, pero es imprescindible para el resto de la historia conocer todo el proceso que he ido siguiendo. Como os decía, para mí lo principal era conseguir una base de datos que pudiera manejar más o menos a mi antojo. Tras investigar una tarde, me pareció que lo más adecuado era recoger los <b>metadatos de Spotify</b>. Para ello, lo que hice fue realizar llamadas a través de la API de spotify (que tiene una documentación preciosa: <a href="https://developer.spotify.com/documentation/web-api/" style="text-align: left;">https://developer.spotify.com/documentation/web-api/</a>) mediante un script de python en un Jupyter Notebook. Os dejo aquí el código por si a alguien le interesa:
<script src="https://gist.github.com/74minutos/a5ce2680b7efedf30a202a918c1fc137.js"></script>
</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">El único problema que te puedes encontrar es que limitan mucho el número de llamadas. A través de la pagination <b>conseguí un total de 2.000 resultados por año</b>. Al final, agrupé todos esos resultados desde el año 1965 y lo matcheé todo con otras llamadas prácticamente iguales para extraer el género del artista. La llamada para álbum no te permite extraer el género, por lo que este paso para mí era fundamental a la hora de organizar la información.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Después de este proceso, conseguí lo que era mi idea inicial: <b>un Gsheets donde tenía toda la información y con la que podía jugar a mi antojo, con datos de discos desde 1965 hasta 2020</b>. Luego me di cuenta que quizás esto le podría servir a más gente, por lo que creé este datastudio con el que todo se visualiza de una forma mucho más gráfica y sencilla (al final un excel es un excel).</div><div style="text-align: justify;"><br /></div>
<div style="text-align: center;"><iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="450" src="https://datastudio.google.com/embed/reporting/06fc89ac-7bb9-4589-86b8-b226a4a6c7a0/page/E35SB" style="border: 0;" width="600"></iframe></div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Vale, ya pasó. Fin de la parte técnica. Y, ¿por qué esto era importante para la historia? Os preguntaréis no sin razón. Por dos motivos muy sencillos:</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><ul><li>Uno porque descubrí algo que me voló completamente la mente. No sé si conoceréis a la banda <a href="https://en.wikipedia.org/wiki/Ghost_(Swedish_band)">Ghost</a>, unos suecos que se disfrazan de sacerdotes fantastamales y practican un metal curioso. No son santo de mi devoción, ni mucho menos, pero repasando mi BBDD encontré un grupo también llamado <b>Ghost que sacó un disco en el año 1969 también llamado Ghost</b>. Hasta ahí todo parece normal (no os imagináis la cantidad de artistas que se llaman Ghost), pero todo se enreda cuando descubro que el grupo moderno saca a la luz un EP en 2019 donde dicen que <b>"sacan material extraído de los archivos de 1969"</b> (más info sobre el album aquí: <a href="https://en.wikipedia.org/wiki/Seven_Inches_of_Satanic_Panic">https://en.wikipedia.org/wiki/Seven_Inches_of_Satanic_Panic</a>). Para rematar el asunto, el nombrado disco del 69' que encontré en la base de datos me ha sido completamente imposible de encontrar en Spotify. Pero existir, existe. Con un nombre perfectamente apropiado, además.</li></ul><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-zPLM0SMuqg8/XwHPtkWczFI/AAAAAAAAL0M/AJTQ8tzuDPELVP2TMT8i3RvP05PL9wghACK4BGAsYHg/s1384/Captura%2Bde%2Bpantalla%2B2020-07-05%2Ba%2Blas%2B14.00.19.png" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="493" data-original-width="1384" height="179" src="https://1.bp.blogspot.com/-zPLM0SMuqg8/XwHPtkWczFI/AAAAAAAAL0M/AJTQ8tzuDPELVP2TMT8i3RvP05PL9wghACK4BGAsYHg/w500-h179/Captura%2Bde%2Bpantalla%2B2020-07-05%2Ba%2Blas%2B14.00.19.png" width="500" /></a></div><div><br /></div><ul><li>Y segundo, y más importante, porque me di cuenta de algo fundamental. Había podido llegar hasta la curiosa historia de Ghost por el mismo motivo que me había arrastrado hará ya más de 15 años irremediablemente hasta las fauces de la música: porque no podía dejar de buscar más y más música hecha de los hilos que tejen el averno.</li></ul><div>Esta revelación vino como algo completamente obvio y, a la vez, totalmente catártico. Aunque siempre lo había sabido, nunca lo había tenido tan claro como en este momento: si bien disfrutaba de cualquier género musical (en un mismo día puedo escuchar a C.Tangana, John Cage, Bob Dylan o James Blake, pasando por Benny Goodman o Robert Johnson) de una forma más frívola o intelectual, el heavy metal es definitivamente lo que me remueve las entrañas y me pone la piel de gallina.</div><div><br /></div><div>Y así acaba este preludio y comienza el primer movimiento: con una vuelta al origen, a mis comienzos en la búsqueda de los mejores álbumes de una música que marcaría gran parte de mi adolescencia y se uniría a mí para siempre.</div><div><br /></div><div><div class="separator" style="clear: both;">Puedes ver aquí el resto de la trilogía:</div><div class="separator" style="clear: both;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://www.74minutos.com/2020/07/descubriendo-uspm.html">Primer movimiento - Acero, truenos y gloria (descubriendo el USPM)</a></div><div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://www.74minutos.com/2020/08/into-glory-ride-manowar.html">Segundo movimiento - Into Glory Ride</a></div><div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://www.74minutos.com/2020/10/taken-by-force.html">Tercer Movimiento - Taken By Force</a></div><div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://www.74minutos.com/2020/10/historia--heavy-metal-addendum-I.html">Addendum I - Historia del Heavy Metal (¡con gráficas!)</a></div></div></div>Jorge Carriónhttp://www.blogger.com/profile/14814966440922975069noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-951302503354448812.post-8194126923012068322020-03-29T13:28:00.003+02:002020-08-10T07:44:32.806+02:00Travis Birds - Año X<div style="text-align: center;">
<img alt="Image result for travis birds año x" height="400" src="https://i.scdn.co/image/ab67616d0000b27381166bf7f0f95fce41fd0a9f" width="400" /></div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
He de admitirlo: probablemente no hubiera conocido a Travis Birds de no haber sido por el disco tributo a Joaquín Sabina. Tampoco soy mucho de discos tributo, pero sin darme cuenta un día apareció en mi reproductor esta cantautora y revolucionó uno de los iconos de la música española: <i>19 días y 500 noches.</i></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
¿Qué es lo que hace Travis Birds? <a href="https://www.youtube.com/watch?v=1me60rvBP3o">Se transforma en la versión femenina de Sabina</a>. No sólo porque capture la esencia del mensaje, ni tampoco porque logre canalizar la visión de la mujer a través de la poesía de Benjamín Prado; la verdadera transmutación viene del hecho de que no creo que exista mejor homenaje a Sabina que rebelarse contra él mismo y ofrecer una versión a la altura de la original. Y eso, para un fiel defensor de <i>19 días y 500 noches</i>, son palabras mayores.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Así que después de tal hazaña no podía sino lanzarme a bucear en todos los trabajos que esta cantautora tan original hubiera sacado hasta la fecha, lo que me llevó hasta este disco. Y antes de pasar a comentarlo debo explicar que cuando escucho música, y más cuando se trata de música en castellano, me pasa una cosa curiosa: estoy tenso. Estoy tenso hasta que veo que las rimas cuadran con el sentido y que no se ha dispuesto una letra vacía al compás de una música preparada. Para mí, una canción que no tiene esos elementos me pone igual de nervioso que ver a una malabarista que pierde el equilibrio en su gran número. Por eso, cuando pasé la segunda estrofa de la primera canción del disco, <i>Eduardo</i>, entendí que podía relajarme y disfrutar de la obra. Me encontré una letra muy cuidada, una manera de transmitir lo que está contando muy personal, un ligero toque autobiográfico y un toque de ironía admirable.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
A partir de aquí pude ver como Travis plasma todo su universo en diez canciones, y lo hace de una manera sorprendentemente ecléctica. Puede pasar del <i>manouche jazz </i>de <i>Creature of the Night</i> al <i>pop/rock</i> de <i>Azul Noche</i> o al <i>country/blues</i> de canciones como <i>Maggie 1983 </i>o<i> Thelma y Louise<b>.</b></i> Y además lo hace con ese toque personal que aporta un halo de cierta misticidad y ternura que la acercan a su público.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Y como suelo hacer, dejé el disco en barbecho durante un tiempo para más tarde volver y comprobar si mis primeras impresiones eran acertadas o simplemente habían venido inducidas por una racha de sequía musical que me llevó a apreciar algo de más esta obra. Sin embargo, al entrar de nuevo en esta historia y comprobar que me gustaban más del 60% de las canciones del disco tuve claro que se trataba de una gran obra. Pero hubo un motivo más que me llevó a considerar el álbum como uno de los mejores que había podido escuchar en la última década. <b>Algo que estaba más allá de la música, algo que había que buscar cómo si del arca perdida se tratara</b>. </div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Durante mi investigación entendí que en estas diez canciones <b>Travis estaba dejando pistas para que cualquiera con interés en hacerlo pudiera juntar las piezas del puzzle</b> y ver la fotografía completa de lo que era en realidad. Porque, a mi entender, las diez canciones de este disco no son historias dejadas caer el azar, sino que están contando una historia de principio a fin. Para mí, este es un disco conceptual que fácilmente se podría haber titulado <i>Caída y Auge de Travis Birds. Mi vida en 10 canciones. </i>Y desentrañar este puzzle va a ser la tarea principal de este post. </div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Comencemos por el principio: <b>El orden.</b> La historia que cuenta el disco se puede entrever entre sus canciones, pero el orden dispuesto no sigue la cronología de esta. Para entenderlo mejor, creo que se debería escuchar el disco de la siguiente manera:<br />
<br />
<i>1</i>. <i>Elvis</i><br />
<i>2. Alas</i><br />
<i>3. Azul Noche</i><br />
<i>4. Eduardo</i><br />
<i>5. Humo</i><br />
<i>6. Luces Extrañas</i><br />
<i>7. Maggie 1983</i><br />
<i>8. Thelma y Louise</i><br />
<i>9. La chica del tren</i><br />
<i>10. Creature of the Night.</i><br />
<br />
No pretendo que parezca que Travis Birds ahora es<a href="https://www.74minutos.com/2012/01/lateralus.html"> <b><i>Tool </i></b>y está ocultándonos información sobre el álbum</a> ni que hay toda una conspiración detrás para que no sepamos la verdad. Pero el disco conceptual que yo veo en mi cabeza se organiza de esta manera debido a los acontecimientos que se cuentan en cada una de estas canciones. ¿Por qué? Vamos a ello:<br />
<br />
En la primera parte de la historia, que se cuenta tanto en <i>Elvis</i> como en <i>Alas</i>, Travis nos esta mostrando su adolescencia, o al menos una parte de ella. Vemos como en estos dos pasajes la protagonista está sufriendo del típico amor adolescente por un ídolo juvenil (Elvis en este caso) para más tarde traspasar esa ilusión, ese amor incondicional a otro ser, esta vez más cercano y "real", aunque también de forma platónica. Queda completamente patente que se plantea este amor de la misma manera que lo hacía con Elvis, es decir: contemplándolo en la distancia. Podemos verlo más claro en frases como:<br />
<blockquote class="tr_bq">
Tienes unos labios tan bonitos<br />Que pueden causar dolor<br />Que podrían darle alas a un insecto como yo</blockquote>
</div>
<div style="text-align: justify;">
Donde la protagonista se infravalora como algo tan alejado de su amor que ni siquiera se considera de su propia especie.<br />
Pasamos ahora a una de mis canciones preferidas del disco, <i>Azul Noche</i>. Aquí ya vemos a una persona que ha crecido tanto sentimental como personalmente y habla de tú a tú con ese amor del que hablábamos antes. Aunque todavía quedan resquicios del poder que la otra persona tiene sobre ella, se percibe un cambio vital en el que ella ya no está tan a merced de los deseos del otro:<br />
<blockquote class="tr_bq">
Y llego a la conclusión, espero hasta mañana, aguanto la sensación de lluvia en tierra mojada</blockquote>
Podemos entender esta parte de la narración como el inicio de una historia de amor a través de esa ilusión que te hace perder la noción del pasado, del presente y del futuro:<br />
<blockquote class="tr_bq">
Haces que cuando hablo se evapore toda compostura y ya no sé ni si estoy de pie, ni si voy desnuda</blockquote>
Y llegamos a <i>Eduardo</i>, el principio del fin de la primera parte de la historia. La canción nos cuenta como en la misma boda de la protagonista el novio descubre que su verdadero amor es un hombre (ojo al cenit porque está tan bien trabajado que no puedes sino sonreír). Pero lo importante de esta canción no está en la historia en sí, sino en el pequeño detalle que nos regala Travis para indicarnos que Celia, la protagonista de toda la historia, es en realidad su <i>alter ego</i>. Y es que justo después del instante en el que dice "Ella no te gusta nada" Travis suelta un "Ay" suspirado que solo puede significar una cosa: ese dolor lo sintió ella misma. Pero todo esta teoría propia se confirmará en <i>Maggie 1983 </i>como veremos más adelante.<br />
<br />
Después de esto, Travis se zambulle de lleno en un valle oscuro y algo depresivo que podemos ver en dos canciones: <i>Humo </i>y<i> Luces Extrañas</i>. Acaba de perder al amor de su vida y la luz no llega hasta su habitación:<br />
<blockquote class="tr_bq">
Solo dame un segundo<br />
que no puedo respirarte<br />
te has convertido en humo<br />
y estás desnudando al aire</blockquote>
<blockquote class="tr_bq">
El tiempo lloviendo lento<br />
y tu voz cayendo dentro<br />
cayendo dentro de tu voz</blockquote>
Y en este hilo de depresión llegamos a <i>Maggie 1983</i>, donde parece que la protagonista está en el último momento de su vida. Pero creo que debemos entender esta última fase como una especie de desdoblamiento de la protagonista por el cual deja atrás toda esa parte negativa y oscura que "muere" en este momento para poder ver la vida a través de "luces de colores".<br />
Y es también aquí, como adelantábamos en el párrafo anterior, donde Travis inicia un ritual que luego se repetirá en alguna de las siguientes canciones que nos esperan: cambiar de la tercera a la primera persona. Una técnica que me recuerda al primer Dylan en canciones como <a href="https://www.74minutos.com/2015/06/highway-61-revisited.html"><i>Desolation Row</i></a>, en la que nos cuenta toda una historia ajena para al final desvelar que todo el rato estaba hablando de él mismo.<br />
Sobre el minuto 1:32 hace referencia en 3a persona a Maggie:<br />
<blockquote class="tr_bq">
Pero para un momento a preguntarse<br />
si ha llegado a alguna parte<br />
estando fuera de control.</blockquote>
Pero en el minuto 3:45 aparece esa 1a persona que desnuda a la cantante:<br />
<blockquote class="tr_bq">
Entonces me paro a preguntarme<br />
si he llegado a alguna parte<br />
con todo bajo control.</blockquote>
Ahora sí, con la fuerza que ha conseguido al haberse desprendido de todo ese equipaje más pesado, Travis está dispuesta a ser una de las protagonistas de <i>Thelma y Louise</i>. Esta canción representa la libertad que siente la artista en este momento. Un momento en el que se siente capaz de cualquier cosa, se siente independiente, segura y con ganas de empezar una nueva vida. <b>Es a partir de esta canción cuando vemos un cambio en la música, que pasa de un estilo algo más apagado e intimista a otro que denota alegría y celebración.</b><br />
<br />
Y es a través de esa experiencia como consigue las fuerzas suficientes para dejarlo todo y "empezar a ser valiente" en <i>La chica del tren</i>, donde volvemos a ese <b>desdoblamiento </b>de la personalidad de la protagonista en el que al final se descubre que habla de su propia historia. Una historia en la que nos cuenta que lo mejor que pudo hacer para superar su situación fue alejarse:<br />
<blockquote class="tr_bq">
A su izquierda una maleta<br />
llevaba el corazón, ropa limpia y horas muertas<br />
solo quería perderse<br />
huir lejos de allí, donde no pudiera verte</blockquote>
Y por fin vemos el mensaje de optimismo que le hacía falta para volverse fuerte y levantarse de la caída que anunciábamos anteriormente en mi título inventado:<br />
<blockquote class="tr_bq">
Y la verdad<br />
es que no me ha ido tan mal<br />
resbalando entre la gente<br />
siendo sólo agua corriente<br />
bebiendo en otro lugar</blockquote>
</div>
<div style="text-align: justify;">
Por último, Travis nos cuenta en <i>Creature of the Night</i> que ha conocido a otra persona, es decir, que ha podido volver a ilusionarse, ha podido volver a sentir la alegría, ha podido ver la luz en las tinieblas, ha podido ver su toda su vida anterior y superarla:<br />
<blockquote class="tr_bq">
Iluminas el cajón<br />
donde guardo mi pasado</blockquote>
</div>
<div style="text-align: justify;">
Y aquí termina mi interpretación de lo que creo que es uno de los discos mejor trabajados del pop español de los últimos años. Estoy convencido de que si Travis lee esto algún día puede que piense que se me ha ido la cabeza tanto como a Eduardo o que debería comerme unos cuantos <i>caramelos de manzana</i> a ver si se me asentaban las ideas. Pero aunque todo esto no sean más que castillos en el aire tengo que agradecerle los magníficos ratos que he pasado en el Ford Thunderbird azul nácar, en el banco que hace esquina en Plaza España, en Nueva York del año 83 o en el vagón de una vieja estación en un tren de mala muerte.<br />
<br /></div>
Jorge Carriónhttp://www.blogger.com/profile/14814966440922975069noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-951302503354448812.post-62993963833595108532018-12-19T20:43:00.002+01:002018-12-19T20:43:54.811+01:00Historia de la Música Popular I - El Pacto con el Diablo<div style="text-align: center;">
</div>
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<img alt="Resultado de imagen de charley patton" height="400" src="https://c1.staticflickr.com/4/3078/2559516842_e0ef858a2e_b.jpg" width="560" /></div>
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<br />
En Misisipi, hace casi unos cien años, contaban que un hombre se paseaba por las calles nocturnas con una guitarra al hombro. Bien vestido, aunque con alguna rasgadura en el tejido, iba buscando algún portal donde poder refugiarse, algún compañero de viajes que le dejara tocar un rato sus seis cuerdas y comer un plato caliente. De vez en cuando cogía su guitarra y hacía sonar algo extraño, algo que nadie había escuchado jamás. Aquello era tan cautivador que uno no podía dejarlo, aún sabiendo que eso podía condenar su alma para siempre. Aunque nadie le conocía en persona (siempre era algún conocido quien afirmaba haberlo visto), la gente de los condados sí que tenía un nombre para él: <b>Henry Sloan</b>.<br />
<br />
Y es que no había habitante de Misisipi que no hubiese oído hablar de este curioso personaje. Muchas eran las historias en las que alguien se había vuelto completamente loco al escuchar la guitarra de Sloan, otros decían que su mirada podía helar la sangre, que algunos habían muerto aterrorizados por su presencia. Pero lo único en lo que todos coincidían era que <b>de sus manos salía algo nuevo,</b> algo para lo que la música no estaba preparada, algo que podía revolucionar la historia. Se le atribuyó condición de fantasma, de buscavidas muy astuto, hasta de diablo. Su fama se fue expandiendo y algunos adolescentes que veían en la música una vía de escape para sus vidas opresivas y tortuosas se impusieron una misión: <b>encontrar a Sloan</b> para que les enseñara el camino.<br />
<br />
Entre ellos estaba un aún jovencísimo Charlie Patton (<i>aka</i> Charley Patton). Este deseaba con todas sus fuerzas encontrar al hombre misterioso que le enseñaría los secretos de la guitarra y de la música. Que le mostraría cómo ser el hombre que siempre había querido ser. Por ello se embarcó en un viaje por todos los condados de la misma manera que Sloan se movía: con una guitarra al hombro a las horas más intempestivas. Poco le importaba si se trataba de un muerto viviente, de un fantasma o de Lucifer. <b>Patton quería encontrarlo a toda costa</b>.<br />
<br />
Porque en una época tan tortuosa como esta para los negros en el sur de Estados Unidos, incluso una tarde con el diablo podía ser mejor opción que tu vida cotidiana. Era un conocido más, un amigo, un confidente, un compañero de batalla, un recolector de algodón... incluso un reverendo. Había alcanzado un <i>status</i> de normalidad para los habitantes de esa región de Estados Unidos, había conseguido ser uno más entre la multitud, y eso le encantaba. Porque todo el arte que se había hecho milenios atrás se había consagrado a la figura divina, a su antagonista de arriba. Y siempre pensó que<b> su historia era mucho más interesante que la de Dios</b>, pero no había tenido los mismos recursos ni las mismas simpatías del público. </div>
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Patton estuvo buscando a Sloan durante meses, preguntó a aldeanos, a dueños de locales, a terratenientes, a la calaña más baja de la sociedad, pero ninguno lo había visto. Recogió poco más que un relato de un hombre que creía haberlo visto desde su porche y otro que contaba que un tal H. Sloan se había alojado en el motel de la ciudad. Nadie le había visto entrar ni salir, pero ahí <b>estaban su nombre y su firma</b>.<br />
<br />
Incrédulo pero nervioso, Patton se decidió a entrar al famoso motel y le preguntó al dueño si podía quedarse con esa firma, a lo que este le dijo que por un módico precio era suya. Así que ahí estaba Patton, sin un centavo y con la firma de su ídolo desconocido vagando sin rumbo por Misisipi. Se hacía tarde aquel día y se quedó dormido apoyado en el porche de una casa sin nombre. Bien entrada la madrugada un escalofrío le recorrió el cuerpo y se despertó sobresaltado. Miró a su alrededor, no vio nada, pero notó algo. Una fuerza extraña y oscura <b>le empujaba a coger su guitarra y tocar</b>. Algo pasaba en sus dedos, parecía que los estaban guiando para que brotara ese extraño sonido cautivador. Ojalá alguien lo hubiera visto, ojalá alguien lo hubiera oído pero estaba allí sólo, componiendo la canción que podría cambiar el mundo, que podría sacarlo de la pobreza, de los campos, de la miseria. Y entonces apareció. No era una luz cegadora, todo lo contrario, era la pura oscuridad. Abrigo negro, piel oscura, guitarra negra... pero lo peor era su mirada. <b>Su mirada no era negra, era un agujero, era el vacío</b>. Aquella sombra se giró hacia él y <b>empezó a llover</b>. Patton siguió tocando y al hacerlo abrió una puerta que nunca se volvería a cerrar, aunque el verdadero final se revelaría años más tarde.<br />
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<iframe allowfullscreen="" class="YOUTUBE-iframe-video" data-thumbnail-src="https://i.ytimg.com/vi/74e3OON-ahk/0.jpg" frameborder="0" height="320" src="https://www.youtube.com/embed/74e3OON-ahk?feature=player_embedded" width="480"></iframe></div>
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<br />
Esa puerta la atravesó uno de los mejores amigos de Patton, <b>Son House</b>. House también era músico, también tocaba la guitarra, pero era muy diferente en cuanto a las aspiraciones de Patton; para empezar, <b>era predicador</b>. Para ser más exactos, era el hijo de un músico que había hecho la conversión a predicador. Cansado de la mala vida, del alcohol, de las mujeres de una noche, de los robos y de los tiroteos el padre de House se retiró a la vida espiritual, aborreciendo todo de su etapa anterior. Por eso enseñó a su hijo a rezar, a vivir la vida de iglesia, y principalmente, a odiar a los músicos, especialmente si eran de blues. El blues se veía como la música del diablo y no quería que su hijo se corrompiera de esa manera. Pero a House hijo no le convencía la vida que su padre le estaba ofreciendo y buscó la manera de hacer la conversión inversa: <b>de hombre religioso a músico de blues</b>. Quería todo aquello que su padre rechazaba de manera frontal, aunque no abandonó sus tareas de predicador hasta años más tarde de adentrarse en el blues. <br />
<br />
Pero House todavía no pensaba así la noche en que Patton se encontró cara a cara con Sloan. Por ese entonces, House todavía tenía esperanzas en la fe, en la religión, en Dios. Sin embargo, esa noche tuvo que rechazar toda esa espiritualidad por otra muy diferente. Aunque dormido, House pudo sentir las vibraciones, <b>pudo escuchar cada una de las cuerdas</b> que Patton estaba rozando en ese preciso momento. Entró tan dentro de él que no pudo sino levantarse al día siguiente, sacar la olvidada guitarra de su padre y ponerse a tocar hasta que las manos sangraron.<br />
<br />
Conforme se fue haciendo adulto, House se acostumbró a frecuentar los tugurios más indeseables, a jugar, a beber, a sentir todo lo que hacía un <i>bluesman</i> verdadero. En una de las fiestas a las que solía asistir se sentó a la mesa de <i>póker</i> junto a otros vividores en busca de fortuna. La cosa le estaba yendo bien, en una mano llegó a tenerlos a todos atemorizados con un <i>all in</i> que parecía ser su jugada ganadora. Tenía un póker de ases y estaba convencido de su victoria. La mayoría se retiró al ver toda su suma de dinero en la mesa, pero hubo uno de ellos que se quedó y <b>aceptó la apuesta</b>. Esto consternó al <i>bluesman</i>, pero nada le iba a hacer temblar con una mano como aquella. Llegó el momento de destapar las cartas y fue entonces cuando House comprobó que lo había perdido todo. "Escalera de color" dijo el otro. Hubieron unos instantes de incertidumbre. Todos miraron a House porque sabían que iba a entrar en cólera. House clavó sus ojos en el que había destrozado su jugada. Parecía estar analizándole, juzgando cómo lo había conseguido.<br />
<br />
Su adversario se llamaba Leroy Lee y House le acusó de no haber jugado limpio. Lee, evidentemente, se sintió ofendido y los dos se enzarzaron en una pelea a la que pronto se había unido media taberna. La cosa se puso fea cuando Lee sacó un revólver y, casi al instante, House también. Empezaron a dispararse y <b>Lee acabó en el suelo muerto.</b> Nuestro <i>bluesman </i>acabó en la cárcel y allí permaneció un año hasta que sus amigos y familiares consiguieron el dinero para sacarle. Durante ese año House conoció a muchos reclusos, pero hubo uno que le impresiono sobremanera. Era un hombre oscuro y taciturno, que no gustaba al resto de presos. Nadie le dirigía la mirada, ni siquiera parecían verlo. Un día se sentó junto a House en la comida y le preguntó por sus dones con la guitarra:</div>
<br />
- ¿Eres guitarrista verdad?<br />
- Sí, fuera de aquí lo soy. También predicador.<br />
- He oído que eres bueno, pero que podrías serlo más. He oído que hay algunos que son mejores que tú.<br />
- Sí... El problema es el tiempo, ¿sabes?. La vida de noche y los oficios de día no me dejan tiempo para la guitarra.<br />
- Creo que deberías <b>dejar el mundo religioso</b>, no te está haciendo ningún bien.<br />
- No creas que no lo he pensado...<br />
- Decídete. Ahora nadie va a ir a tu iglesia. No puedes ser un predicador convicto. Pero sí un músico de blues convicto. Eso tiene mucho más futuro.<br />
- Ya.<br />
<br />
Cuando House salió de la cárcel no podía quitarse las palabras del extraño preso de la cabeza. Así que colgó su alzacuellos y <a href="https://genius.com/Son-house-preachin-blues-lyrics" target="_blank">sintió que jamás había tocado tan bien como a partir de entonces.</a><br />
<br />
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<br /></div>
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<iframe allowfullscreen="" class="YOUTUBE-iframe-video" data-thumbnail-src="https://i.ytimg.com/vi/kLCbFrfQUCs/0.jpg" frameborder="0" height="320" src="https://www.youtube.com/embed/kLCbFrfQUCs?feature=player_embedded" width="480"></iframe></div>
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Otro que pasó por el arco de Patton fue uno de los que iban a las antiguas monsergas de House. Un joven llamado Nehemiah Curtis James, conocido como <b>Skip James</b>. Aunque acudiera a la iglesia como debían hacer los hombres de bien, lo cierto es que James era más bien un canalla, un bandolero que se jactaba de portar cuchillo y pistola allá donde iba. <b>Más que músico era traficante de whisky</b>, cosa que le reportaba importantes beneficios. Sus amistades eran otros bandidos y sus relaciones "amorosas" poco más que una noche con mujeres que él trataba como objetos. </div>
<br />
<div style="text-align: justify;">
James podía haber pasado por un matón más del condado de Misisipi, de no haber sido por el hecho que le cambió la vida para siempre. En una de sus actuaciones él estaba preparado para hacer la rutina de siempre: tocar cuatro canciones, empezar a beber como si no existiera un mañana, enzarzarse en alguna pelea y alardear de sus armas. Pero algo le distrajo de este ritual: <b>una mujer que le miraba desde el fondo de la sala</b>. No era una mujer como las habituales que se fijaban en James (o las que él pagaba). Algo la envolvía en un halo místico que le hacía parecer una sirena sombría.</div>
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<br /></div>
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James fue a su mesa, y la invitó a un whisky. Ella se lo bebió de un trago y se presentó: </div>
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<br /></div>
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-Soy Oscella Robinson.</div>
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-Skip James.</div>
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-Lo sé.</div>
<div style="text-align: justify;">
-Me he dado cuenta de que estabas observándome toda la noche.</div>
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-No sé si te habrás fijado en que <b>nadie más en la sala me está mirando a mí.</b></div>
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-Me da igual el resto de la gente, si me conoces lo sabrás. Llevo la pistola solo por si alguien se pone tonto.</div>
<div style="text-align: justify;">
-Ja, ja. Ya sé que no te dan miedo los hombres Skip. Pero las mujeres <b>tenemos un poder que jamás entenderéis.</b></div>
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-Todavía no ha habido mujer que me pueda dominar Oscella. Ni creo que nazca nunca. Me debo completamente a mi música y a mí. No entiendo la vida de otra manera.</div>
<div style="text-align: justify;">
-Creo que no me estás entendiendo. Pero vamos por buen camino. Yo también creo que tu música es importante. Y tenemos que hacer que lo sea más.</div>
<div style="text-align: justify;">
-¿Me vas a patrocinar? Jamás permitiría que lo hiciera una mujer.</div>
<div style="text-align: justify;">
-No te voy a patrocinar, <b>me voy a casar contigo.</b> Y vas a ser mucho más grande de lo que eres.</div>
<div style="text-align: justify;">
-No pasaremos de esta noche Oscella.</div>
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<br /></div>
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A los pocos meses James y Robinson estaban casados. Ella lo cambió completamente todo para el <i>bluesman</i>. A partir de su enlace James modificó su actitud, su visión de las mujeres, su modo de vida. Como a William Munny en <a href="https://www.filmaffinity.com/es/film262344.html" target="_blank">Sin Perdón</a>, <b>el amor de una mujer le hizo intentar expiar sus pecados.</b> Dejó de beber, casi no fumaba y llevaba mucho tiempo sin meterse en líos. Además había mejorado mucho en su técnica de guitarra porque Oscella le obligaba a practicar todos los días. Para ella todavía no había encontrado su sonido, todavía le faltaba algo que le hiciera único, que le hiciera pasar a la posteridad. Y <b>él seguía buscando complacerla.</b></div>
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<br /></div>
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Pero ya no sabía qué más hacer. La técnica de James era muy buena, muchos músicos de la época ya lo admiraban, sus letras eran tristes, <b>un lamento y una denuncia de la horrible época que estaban viviendo los negros</b> en Estados Unidos (no hay más que ver <a href="https://www.youtube.com/watch?v=mYALBzfY5QY" target="_blank">Hard Times Killing Floor Blues</a>, por poner uno de los ejemplos más escalofriantes), pero nada la convencía, nada la contentaba. Después de un duro día de trabajo, James volvía a casa para seguir practicando con su guitarra y encontrar así "el sonido". Abrió la mosquitera de su chabola y no encontró a su mujer donde normalmente le esperaba cada día. Recorrió la estancia, se dirigió hacia la habitación y abrió la puerta de un golpe. Lo que más había temido estaba sucediendo frente a sus ojos: <b>Oscella se estaba acostando con otro hombre</b>.</div>
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<br /></div>
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Al poco tiempo le abandonó para casarse con él, un veterano de la Primera Guerra Mundial. Sus últimas palabras a James fueron: <b>"Ahora lo vas a encontrar"</b>. Y así fue. El dolor y la rabia por el fracaso sentimental inspiraron a James para escribir su canción más conocida: <b><i>Devil Got my Woman</i></b>. Un sonido que por veces recuerda a un canto tribal africano, un quejido herrumbroso que sale desde los profundidades más lovecraftianas. Algo tan estremecedor que puede desvanecer un día soleado. </div>
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<br /></div>
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Además, si ya en la imaginería bluesiana la mujer es presentada como la causante de todas las desgracias del protagonista (y el diablo suele jugar un papel más de cómplice o de compañero), en la obra de James esta visión empeora: la mujer se convierte en el mal personificado. La misoginia de James se intensificará con los años pero ninguna canción alcanzará la oscuridad que se esconde tras el canto lastimero de James en <i><b>Devil Got my Woman.</b></i> Si hubiera que escoger una melodía que nos avisara de que el día del juicio se acerca, sería sin duda esta. </div>
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<br /></div>
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<iframe allowfullscreen="" class="YOUTUBE-iframe-video" data-thumbnail-src="https://i.ytimg.com/vi/BtZ6DoeimP4/0.jpg" frameborder="0" height="320" src="https://www.youtube.com/embed/BtZ6DoeimP4?feature=player_embedded" width="480"></iframe></div>
<br />
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Cuando House y Patton empezaron a tocar juntos y Skip James encontró su sonido, el blues del Delta parecía haber encontrado sus reyes. También tenían súbditos leales como Tommy Johnson o Willie Brown que iniciaron el camino, pero ellos tres habían hecho de esta música algo que se podía "vender", algo que se podía considerar como arte. Como todos los ídolos,<b> los <i>bluesman </i>tenían admiradores</b>,<b> </b>pero uno de ellos destacaba con diferencia. Siempre estaba detrás de ellos, quería ser como ellos, tocar como ellos, beber como ellos. Morir como ellos si fuera necesario. Aunque halagador, el pequeño Robbie les molestaba la mayoría de las veces. Intentaban enseñarle a tocar pero aunque ponía todo su empeño era un completo negado: <b>rompía las cuerdas, no sabía afinar la guitarra, no acertaba las notas </b>y ni siquiera sabía seguir el ritmo de las canciones más simples. Al final, siempre le daban largas para que se fuera.</div>
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<br /></div>
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Así que un día Robbie se fue. Se fue lejos, no quería seguir en un pueblo donde la mayoría de gente se burlaba de él por intentar dedicarse a la pasión de su vida. Se fue con una guitarra destartalada y su traje a caminar sin rumbo a través del Misisipi. Si alguien lo hubiera visto en ese momento se hubiera encontrando con un adolescente que había perdido toda esperanza y cuya única meta era escapar hacia adelante sin saber muy bien cómo ni porqué. Sólo tenía clara una cosa, <b>iba a conseguir ser el mejor guitarrista de todos los tiempos.</b><br />
<br />
Aunque él sabía que tal y como tocaba era imposible que alguien pudiera llegar a pensar eso. Tocaba noche y día, pero sólo conseguía que la guitarra sonara como algo parecido a rocas chocando. Un día, caminando bajo el árido sol <b>se le unió un extraño hombre en su paseo</b>. Vestía una gorra roja, calada hasta los ojos, iba con una camiseta blanca de tirantes raída y unos pantalones de pana sujetos con unos tirantes negros. Robbie siguió caminando mientras el desconocido seguía su paso sin mediar palabra. Al muchacho no le gustaba el silencio, así que lo rompió de la mejor manera que pudo:<br />
<br />
-¿Llevas mucho tiempo en el Delta?<br />
-Mucho más tiempo que tú. <b>Llevo tanto que ni me acuerdo de cuando llegué.</b><br />
-¿Y hacia dónde vas?<br />
-Solo te acompañaba. Sigue caminando.<br />
-...<br />
<br />
Así siguieron durante millas, en silencio, sin mirarse, simplemente eran dos personas caminando una junto a otra. Robbie notaba algo en él que le infundía cierto temor, que le hacía estar tenso. Pero solo pensaba en alcanzar su futuro.<br />
<br />
El desconocido no paraba de murmurar cosas sin sentido. Llevaba una especie de cantimplora que no soltaba bajo ninguna circunstancia. Caminaron varios días, pero llegaron a un punto en el que los dos se pararon a la vez: un <b>cruce de caminos</b>.<br />
<br />
<div style="text-align: center;">
<img alt="Resultado de imagen de crossroad" class="irc_mi" height="425" src="https://2.bp.blogspot.com/-kqZKLoz_65M/VgqmYJaKSuI/AAAAAAAAGSg/1LELLjUfQmA/s640/Crossroad.jpg" style="margin-top: 0px;" width="640" /></div>
<br />
Esto es algo muy típico en la mitología americana, ya que su simbología permite dirigirse a lo más profundo de la cultura estadounidense: la individualidad, la lucha personal, la elección. Para los americanos, si se abren mil caminos distintos ante ti significa que tienes la gran suerte de poder elegir entre<span style="color: red;"> </span><b>todos ellos</b>. Toda tu vida está condicionada por tus actos y por tus decisiones. Y aunque puedas seguir el bello ejemplo de Robert Frost en <a href="https://www.poetryfoundation.org/poems/44272/the-road-not-taken" target="_blank">The Road not Taken</a> y escoger el "menos transitado", sabes que eso sólo significará que vas a modificar a ciegas tu destino.<br />
<br />
Después de quedarse parados, el extraño se volvió hacia Robbie y su rostro cambió de una manera sobrenatural. Se le empezaron a hundir las cuencas de los ojos, se le desfiguró la cara y cuando empezó a hablar <b>su voz surgió de entre las profundidades de la tierra:</b><br />
<br />
-Ya sabes por qué estamos aquí.<br />
-Hola Henry.<br />
-Hola Robert. ¿Sabes lo que esto significa verdad? <b>Sabes el precio.</b><br />
-Perfectamente.<br />
-Bien. Entonces toma, bebe de aquí.<br />
-Gracias.<br />
-YA NO HAY VUELTA ATRÁS. <b>QUE EL BLUES SEA CONTIGO</b>.<br />
<br />
Robbie cogió su guitarra y bebió de la extraña cantimplora. Su alma había cambiado de dueño, pero todos los secretos del blues, todas las técnicas de guitarra imposibles para él se habían transformado en un juego de niños. Nadie le podría superar, y lo más importante es que podría vengarse de aquellos que se burlaron de él. <b>Ya como Robert Johnson, el <i>bluesman</i> volvió a su pueblo natal y buscó a Son House y a Charlie Patton.</b> Los encontró sentados en el porche, tocando. House le llamó, le preguntó dónde había estado todo este tiempo y si ya había dejado de romper cuerdas por ahí. Johnson no dijo ni una palabra, se limitó a coger su guitarra y comenzó a tocar. Aquel despliegue fue demasiado para Patton y House: coros con la guitarra, arpegios imposibles, técnica de <i>slide</i> que jamás habían visto... Sabían todo lo que Johnson había sacrificado para conseguir eso y aún así le envidiaban por ello.<br />
<br />
Y es que desde aquel cruce Robert Johnson pasó a convertirse en la mayor leyenda del blues de todos los tiempos. Aunque pronto murió <b>envenenado por un marido celoso</b> de una de las muchas mujeres con las que pasó una noche, antes consiguió grabar 28 temas con el sello <b>Vocalion</b> en dos sesiones separadas por un año, unas cuantas en 1936 y otras en 1937. Poco más se supo de su vida, pero esas canciones eran suficiente para perdurar como <b>uno de los músicos más importantes del siglo.</b><br />
<br />
Nos encontramos ante una selección de increíbles composiciones armónicas, técnicas de guitarra que parecen dos guitarristas simultáneos y una imaginería musical que será el caldo de cultivo para los géneros más importantes de la música popular, desde el <i>pop</i> o <i>rythm and blues</i> hasta el <i>heavy metal</i>, pasando por el <i>rock</i> e incluso el <i>soul</i>. Muchos dirán que la mejor canción de Johnson es <a href="https://www.youtube.com/watch?v=Yd60nI4sa9A" target="_blank">Cross Road Blues</a> y ciertamente es la que más músicos han versionado, la que más referencias ha cosechado, la que finalmente ha sido el tema insignia de este músico. Otros dirán que la mejor lírica de Johnson está en <a href="https://www.youtube.com/watch?v=3UVgH9JqSnQ" target="_blank">Hellhound on my Trail</a>, que habla de los demonios que le persiguen de una manera que asustaría al mismísimo Edgar Allan Poe, o en <a href="https://www.youtube.com/watch?v=pfLGJLHGVFs" target="_blank">Me and the Devil Blues</a> también con referencias al diablo, a esa relación cotidiana que los negros sureños solían tener con el señor oscuro. El halo místico que crea Johnson en estas canciones nos hace <b>sentir en la propia piel los escalofríos</b> que provocarían un cara a cara con el diablo.<br />
<br />
Pero si hay una canción de Johnson que refleja de verdad la senda que Patton había abierto y que miles siguieron tras él es <a href="https://genius.com/4339000" target="_blank">Come On In my Kitchen</a>. <b>Es tan opresiva, tan triste, tan espectacularmente nebulosa que te envuelve y te deja totalmente exhausto</b>. Es como si todo lo que estuviera más allá de la habitación fuera un aire irrespirable, árido. Te encuentras con un mundo en llamas y lo único que puede resguardarte de ese infierno es la guitarra de Johnson. Cuentan que tras tocar esta canción en un concierto se hizo el silencio
más sepulcral entre el público y <b>la gente comenzó a llorar sin consuelo</b>. Sería la banda sonora perfecta para esta maravillosa escena de Barton Fink de los hermanos Coen, grandes aficionados a toda la mitología del Delta:<br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<iframe allowfullscreen="" class="YOUTUBE-iframe-video" data-thumbnail-src="https://i.ytimg.com/vi/1qO4fwW_aSg/0.jpg" frameborder="0" height="320" src="https://www.youtube.com/embed/1qO4fwW_aSg?feature=player_embedded" width="480"></iframe></div>
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Robert Johnson consiguió llegar al punto más álgido del <i>blues</i> acústico, supo canalizar todas las corrientes y mitologías anteriores al del Misisipi en una música que aún en nuestros días es <b>una fuente de inspiración para miles de músicos</b> y escritores. Nunca lo hubiera conseguido de no haber sido por Patton, House, James o el "otro" Johnson. La ambición de Johnson era tal que superó a sus maestros y se entregó a su condena el día en que Patton le reveló el secreto que tantos años había guardado:</div>
<div style="text-align: justify;">
<i><span style="font-family: inherit;"><br /></span></i>
<i><span style="font-family: inherit;">Allí seguía Patton, delante de aquella sombra desconocida, tocando la guitarra de una manera que nunca se le hubiera ocurrido. Aunque estaba aterrorizado y la lluvia le estaba empapando hasta el último centímetro de su cuerpo, no podía parar de tocar. Necesitaba tocar. La sombra se iba acercando, dejando ver un poco más su rostro, su figura desgarbada. Cuando estuvo a pocos palmos de él, le arrancó la guitarra de sus dedos cansados y se puso a tocar una melodía que jamás nadie podrá reproducir. Patton se quedó maravillado. Por fin lo lo había encontrado, ahí estaba Henry Sloan frente a él. Sólo se le ocurrió una cosa que decirle:</span></i><br />
<i><span style="font-family: inherit;"><b>-Enséname a tocar.</b></span></i><br />
<i><span style="font-family: inherit;">-(Riéndose) Pequeño Charlie, esto no se puede enseñar. Esto sale de la tierra. Este es el canto de la maldad que vosotros habéis conocido durante toda vuestra existencia. Esto recorre los siglos y atrapa la esencia de todos y cada uno de los actos perversos de la historia, los actos que sólo conocen los muertos <b>para derramar unas gotas sobre los vivos</b>. Si te dijera como tocar esto tu alma estaría condenada. Muchos te seguirían y corromperías a toda la humanidad. Tú eliges, pequeño Charlie.</span></i><br />
<i><span style="font-family: inherit;"><b>-Al infierno con ellos. </b></span></i></div>
<div style="text-align: justify;">
</div>
<div style="text-align: justify;">
<br />
<div style="text-align: center;">
<u style="text-align: start;"><b>Lista spotify</b></u></div>
</div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
<iframe allow="encrypted-media" allowtransparency="true" frameborder="0" height="520" src="https://open.spotify.com/embed/user/74minutos/playlist/0uIqkUPR2Ihq4zjWlQtDUN" width="400"></iframe> </div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
<u><b>Referencias</b></u>
<br />
<u><b><br /></b></u></div>
<div style="text-align: center;">
<span style="font-size: small;"><i>http://ghostofhenrysloan.blogspot.com/2009/02/unraveling-mystery-of-henry-sloan.html</i></span></div>
<div style="text-align: center;">
<span style="font-size: small;"><i>http://lamusicaesmiamante.blogspot.com/2013/05/el-fantasma-de-la-estacion-que-inspiro.html
</i></span></div>
<div style="text-align: center;">
<span style="font-size: small;"><i>https://web.archive.org/web/20071008082419/</i></span></div>
<div style="text-align: center;">
<span style="font-size: small;"><i>http://www.historicaltextarchive.com/sections.php?op=viewarticle&artid=410#
</i></span></div>
<div style="text-align: center;">
<span style="font-size: small;"><i>https://georgelamplugh.com/2013/10/01/blues-stories-10-son-house-preacher-killer-father-of-the-delta-blues/</i></span></div>
<div style="text-align: center;">
<span style="font-size: small;"><i>https://www.jotdown.es/2016/04/busca-skip-james/
</i></span></div>
<br />
<br />
<br />Jorge Carriónhttp://www.blogger.com/profile/14814966440922975069noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-951302503354448812.post-79231166313912019782016-12-05T20:01:00.000+01:002020-03-02T16:09:00.718+01:00Nessun Dorma! - Introducción a la Ópera<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
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<a href="https://1.bp.blogspot.com/-CaJ6HyosrTU/XltqrPnhoeI/AAAAAAAAKWU/_NHZH36qVc41OgHf-pgd6yF2Q0XbUGzNQCLcBGAsYHQ/s1600/11222678_10204986294242562_8289607568390096325_o.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="900" data-original-width="1600" height="360" src="https://1.bp.blogspot.com/-CaJ6HyosrTU/XltqrPnhoeI/AAAAAAAAKWU/_NHZH36qVc41OgHf-pgd6yF2Q0XbUGzNQCLcBGAsYHQ/s640/11222678_10204986294242562_8289607568390096325_o.jpg" width="640" /></a></div>
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<b><u>Obertura</u></b></div>
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Eran las 18:00 de la tarde de un día de septiembre cualquiera. Dos españoles se colocan en la puerta de la Ópera Estatal de Viena intentando conseguir entradas de "pista" a última hora para <i>Der Fliegende Hollander</i> de Richard Wagner. Otros turistas, queriendo no perder también su entrada, se posicionaron progresivamente detrás de los españoles, formando una cola considerable, hasta que finalmente se creó una larga espera digna de los mejores días de rebajas en <i>El Corte Inglés.</i> La expectación es máxima, parece que van a abrir las puertas y, no sabiendo muy bien cómo, los españoles han conseguido ser los primeros con un tiempo de espera relativamente corto. Se acerca muy amablemente la señorita encargada de abrir las puertas de uno de los recintos más sagrados dentro del mundo de la ópera y toda esa cola comienza a entrar a por sus entradas. de forma rápida, pero bastante ordenada. Cuál es la sorpresa cuando, después de todo este proceso tanto los españoles como todos los turistas congregados tras de ellos, descubren que la puerta por la que se debe entrar para comprar las entradas estaba justo en el otro extremo y que la cola que <b>ya</b> estaba comprando las entrada era el triple de la formada en nuestra querida primera puerta. </div>
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Esos españoles, evidentemente, éramos mi novia y yo. Creo que podréis observar que ninguno de los dos somos unos grandes expertos en ópera. Nos tocó hacer una nueva cola y conseguimos las entradas de milagro, porque estaban a punto de agotarse. Y qué queréis que os diga, tanta espera, tanta tensión y nervios tampoco merecieron la pena. O eso nos pareció a nosotros en una primera instancia. El montaje de <i>El holandés errante</i> de Wagner era espectacular, los intérpretes eran increíbles, pero la ópera en sí (el noúmeno operístico) nos aburrió en gran medida. Aún así, al día siguiente, ya sabiendo cuál era nuestra puerta y con la representación de <i>La Traviata </i>decidimos darle una segunda oportunidad. Y esa noche ocurrió algo mágico: nos gustó la ópera. No es que nos gustara, es que <b>teníamos la piel erizada, los ojos vidriosos y el corazón palpitante</b>. Ninguno de los dos íbamos muy convencidos, la ópera nunca había estado en nuestro repertorio, pero esa noche nos ganó, nos atrapó en su red. Huelga decir que al día siguiente volvimos y disfrutamos de <i>Rigoletto</i>.<br />
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<b><u>Acto I. La ópera es la vida</u></b></div>
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Aún así, habiendo disfrutado de la ópera en directo, después de Viena tampoco mostramos mayor interés por volver a escucharla en casa. La verdad es que no me llamaba la atención. Sabía que era algo que me gustaba, pero la ópera todavía me resultaba demasiado lejana. Me parecía un arte que debes entender para poder apreciar y no me veía preparado para ello. Por eso lo postergaba, prefería quedarme en mi zona de confort musical, algo que tuviera guitarra, bajo y batería.</div>
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Hasta que un día llegó Ramon Gener con su <i>This is opera</i>. Fue de casualidad, haciendo <i>zapping</i> apareció en La 2, con el programa sobre <i>La Flauta Mágica. </i>Nos quedamos encandilados, atontados viéndolo. Un programa donde explicaban la ópera para gente que no sabía de ópera, que eran legos en la materia de una forma entretenida y emocionante. Lo habíamos encontrado, iba a ser nuestro programa de cabecera para volver a Viena, para volver a <i>La Traviata</i>, para volver a la piel de gallina.</div>
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Y así fue, empezamos a verlo y cada programa era mejor: el entusiasmo, la erudición, la forma de enseñar de Ramón Gener era algo asombroso. Si todos los profesores de música fueran como él a todos nos gustaría la ópera. Para él, <b>la ópera es su vida</b>, y quiere transmitir esa vida con todos los que pueda. Ese entusiasmo, esa alegría y esa admiración por la ópera se me contagió y poco a poco, incorporé ciertos temas a mi repertorio más habitual, ese que escuchas en el coche o en el trabajo.</div>
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Aún así, me faltaba algo, sentía que no estaba descubriendo como yo lo suelo hacer. Porque tenéis que entender una cosa, a mí me gusta casi lo mismo leer y descubrir nueva música que escucharla. Me puedo tirar horas simplemente buscando nuevos grupos, nuevos estilos e investigando sobre ellos. Con eso soy feliz. Pero, ¿qué hacer con la ópera? Eso lo puedo hacer con grupos y estilos que más o menos controlo, pero no sabía nada de ópera, ni de como encontrar lo mejor de cada escuela.</div>
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Por ello, me dejé llevar por alguien que sí sabía de estos dramas musicales. Me apoyé, una vez más, en Ramón Gener. <i>This is opera</i> tiene 30 episodios y cada uno está dedicado a una ópera (aparte de algunos especiales de un estilo determinado), así que me decidí: escucharía esas treinta óperas enteras. Me serviría de introducción, de paso inicial en este mundo. Por fin, tenía el <i>playlist, </i>pero descubrí que necesitaba muchas horas para poder escucharlas todas, así que pensé que lo mejor era plantearme un reto personal que completara plenamente esta experiencia: estaría <b>treinta días escuchando ópera</b>.</div>
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Y con treinta días escuchando ópera no me refiero a escucharla de vez en cuando, las normas son muy claras: siempre que dependiera de mi voluntad (evidentemente no le podía pedir a un restaurante que cambiara la música) sólo escucharía ópera.</div>
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<b><u>Acto II. Treinta óperas</u></b></div>
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En un primer momento creí que se me haría durísimo: no poder cambiar de estilo durante treinta días, a mí que me gusta pasar de Johnny Cash a Tool en media hora. Pronto descubrí lo equivocado que estaba. La ópera es algo amplísimo y pasar por sus diferentes compositores es como cambiar de género musical radicalmente. No tiene nada que ver escuchar a Verdi que a Wagner, a Handel que a Rossini, a Monteverdi que a Dvorak. Todos componen ópera, pero lo hacen de forma muy distinta, con sus visiones del mundo, con sus historias, con sus pasiones.<br />
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Lo primero era empezar. Y no creáis que era fácil. Sí, tenía la lista de óperas que debía escuchar, pero ¿qué versiones? ¿Qué director era el mejor? ¿Cómo elegir entre Pavarotti o Kraus? ¿Entre Callas o Sutherland? Y, por encima de todo, ¿qué ópera era la adecuada para empezar? ¿Si empezaba con Strauss me sería más fácil que con Wagner? ¿Verdi o Bizet?</div>
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Eran demasiadas preguntas y al final decidí lanzarme a la piscina sin bañador. La ópera que me había entusiasmado, que había hecho que cambiara por completo mi concepción sobre este arte tan exigente había sido, ya lo sabéis, <i>La Traviata</i>. Y por esta empecé. Me compré una antigua grabación de EMI interpretada por Maria Callas. El sonido era pésimo (fue grabada en los años cincuenta) y no me convencía mucho, pero había algo que ya empezaba a atraparme. Decidí buscar versiones con un sonido algo mejor, para que no tuviera interrupciones al pensar en lo mal que se escuchaba cierto pasaje de la obra.<br />
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Por ello creé una lista en <i>Deezer</i> que os dejaré más abajo para que podáis consultarla y escucharla todo lo que queráis. Mis <b>recomendaciones </b>a la hora de adentrarse en este mundo desconocido son simples:<br />
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-1. <b>Escoged una discográfica especialidada en este género</b>. Por ejemplo, DECCA tiene una amplísima cartera de intérpretes de gran calidad para grabar sus óperas. Lo mismo ocurre con la fialial de EMI, EMI Classics. Esto tiene una explicación muy sencilla: necesitan de artistas conocidos para grabar sus discos ya que a la hora de comercializarlos serán más rentables que si los graba un artista anónimo. Normalmente sus grabaciones son de una altísima calidad.<br />
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-2. <b>Id a lo fácil</b>. No empecéis por las quince horas de <i>El Anillo del Nibelungo</i>. Quizá os entusiasme a la primera, pero lo veo más difícil. Empezad con óperas que ya habéis escuchado, aunque sea sin querer: <i>Carmen</i> de Bizet, <i>La Flauta Mágica </i>de Mozart, <i>La Traviata o Rigoletto </i>de Verdi o cualquiera de Puccini. Porque Puccini es un caso aparte, pero ya lo veremos más adelante. La ópera necesita de sus tiempos y es mejor que no intentéis correr a la hora de adentraros en este mundo porque igual acabáis perdidos en un desierto sin agua.<br />
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-3. <b>Los directores son importantes</b>. Mucho. Buscad siempre a directores que ya tengan cierto renombre dentro del mundo de la ópera. Por ejemplo, a mí me gusta mucho la séptima sinfonía de Beethoven dirigida por Karl Böhm. Bien, pues resulta que no he encontrado muchas óperas dirigidas por Bohm, bien porque estuviera especializado en sólo música instrumental, bien porque no le apeteciera al hombre. Por eso en mi salto al vacío he ido a lo sencillo: directores famosos. Muti, Harnoncourt, Barenboim...pero, por encima de todo, mi director de cabecera ha sido Herbert von Karajan. Siempre me ha gustado y ahora todavía más.<br />
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-4. <b>Los intérpretes también</b>. Pero depende mucho más de tus inclinaciones musicales. Para mí, por ejemplo, Puccini o Verdi siempre serán de Pavarotti. Es cierto que Pavarotti no interpreta a sus personajes, no actúa, no siente con la misma intensidad que otros cantantes, pero su voz es increíblemente magnética. Tiene un timbre que te traspasa, que consigue atravesar todas las capas de tu cuerpo y clavarse justo donde se crean las emociones. Cuando lo escucho en papeles como el de Mario Cavaradossi de <i>Tosca</i> sólo puedo imaginarme una flecha sonora que apunta directamente a lo más profundo del oyente. Otros papeles son de otros intérpretes y cualquier ópera con Alfredo Kraus, Plácido Domingo o Jonas Kaufman seguro que os encandila.<br />
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En cuanto a las intérpretes femeninas me pasa una cosa curiosa: no me acaba de gustar Maria Callas. Sé que es la <i>Divina</i>, la que revitalizó el <i>bel canto</i> y la diva <i>per se</i>, pero no me emociona tanto su voz. Prefiero a la <i>Stupenda</i>, Dame Joan Sutherland, Leontyne Price o Mirella Freni. En cualquier caso, todo depende mucho del papel interpretado y sobre todo, del gusto de cada uno.<br />
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-5. <b>Ved óperas</b>. Hay que escucharlas y es lo más cómodo, pero tenéis que verlas, porque cuando ves el escenario, cuando sientes la actuación de los cantantes y cuando penetras de lleno en la trama es cuando de verdad entiendes la ópera. Y es una sensación maravillosa.<br />
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<b><u>Acto III. Un arte para todos.</u></b></div>
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Estos 30 días me han ayudado a ver la ópera de otra manera, así como la música popular. <b>Creo que la ópera tiene tres grandes problemas o dificultades que le impiden llegar a un público más amplio</b>. <b>El primero</b> de ellos es que da la impresión de ser muy restrictiva en cuanto a nivel cultural: parece que sólo si eres un entendido en la materia puedas escuchar y disfrutar de la ópera. Esto es totalmente falso. Mi opinión es que a cualquiera le puede gustar la ópera, sólo que todavía no lo sabe. Ningún arte debería estar reservado sólo para la gente que se ha especializado en él. Todo el mundo puede escuchar una ópera y decir si le gusta o no. Sí que es cierto que algunos compositores necesitan de más de una toma de contacto para poder cogerles el punto (no es lo mismo escuchar <i>Einstein on the Beach</i> de Phillip Glass que <i>Madama Butterfly</i> de Puccini), pero eso no es menos cierto en estilos de la música popular, donde por ejemplo es fácil engancharse a The Beatles, pero no tanto a The Velvet Underground. Cada uno tiene su estilo y es tu tarea decidir si encaja con el tuyo o no. </div>
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La gran prueba de que a todos nos gusta la ópera está en los <i>Talent Shows</i>. Toda esa gente que se emociona cuando algún participante canta alguna pieza operística (generalmente <i>Nessun Dorma!</i>) es la misma que luego dice que la ópera es muy aburrida y que no la entienden. Pero el hecho es que se levantan, aplauden y los convierten en grandes celebridades. No hay más que pensar en concursantes como <a href="https://www.youtube.com/watch?v=1k08yxu57NA">Paul Potts</a>, la encantadora <a href="https://www.youtube.com/watch?v=xCoxGV7j71c">Laura Bretan</a>, o, por supuesto, <a href="https://www.youtube.com/watch?v=RxPZh4AnWyk">Susan Boyle</a> (y esta ni siquiera llegó a cantar ópera). Y además, esta gente, aunque con un gran don, son <i>amateurs, </i>no controlan su voz y no ejecutan correctamente la obra. Si ellos consiguen despertar esas pasiones, imaginad lo que pueden llegar a hacer los grandes profesionales del género.</div>
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<b>La segunda</b> y creo que para mí es la más importante, es que la música comercial, la música que puede llegar a un gran público, <b>está basada en la voz</b>. Y aquí podríamos pensar que la ópera tiene las de ganar, ya que la exigencia vocal que se requiere de un intérprete de ópera supera con creces a cualquier estrella millonaria del pop que os podáis imaginar. Notas imposibles, entrenamiento constante y elección de papeles adecuados para no forzar el aparato más allá de lo inhumano se cuentan entre sus grandes esfuerzos. Pero que la música contemporánea se base principalmente en el sustento de la voz no quiere decir que deba ser una voz perfecta. De hecho, es mucho más importante que una canción se pueda cantar y recordar que que sea brillante melódicamente. Me explico: ciertas óperas tienen partes que podríamos llamar "comerciales", como la ya citada <i><a href="https://www.youtube.com/watch?v=27pnQNzUlz8">Nessun Dorma</a></i> de Puccini, o <i><a href="https://www.youtube.com/watch?v=8A3zetSuYRg">La donna e' mobile</a></i> de Verdi. Podemos recordarlas, casi al mismo nivel que, por ejemplo, <i><a href="https://www.youtube.com/watch?v=A_MjCqQoLLA">Hey Jude</a></i>. Todos conocemos las tres piezas, pero existe un problema con las dos primeras: aunque nos sepamos la letra, se nos haría imposible imitarlas, aunque fuera mal. En cambio, todos podemos cantar, con mayor o menor acierto, <i>Hey Jude</i>. Lo que nos gusta hacer en un concierto es cantar las canciones de nuestros grupos favoritos. Esto en la ópera es bastante complicado. En primer lugar, porque, me pongo de ejemplo, si intentas cantar una pieza operística puede que te duela la cabeza durante una semana; y en segundo, porque cuando vas a una representación hay que guardar silencio cuando la obra está en marcha. Para entrar de lleno en la ópera<b> se necesita de un cambio de visión respecto a la música</b>, se necesita una vuelta a los orígenes, a una contemplación de la música más que una imitación. Algo mucho más arduo para nuestra actual concepción musical.</div>
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La tercera es <b>el precio</b>. Sí, ir a una ópera en directo es caro, pero no más que un concierto de una superestrella. Pensad en cuánto cuestan las entradas para ir a ver a Justin Bieber y haced balance. De todas formas, hay maneras de ver ópera mucho más baratas, hay representaciones en cines, escenarios más pequeños pero también buenos o, por supuesto, internet. Páginas como <i>Youtube </i>están plagadas de videos para poder observar a los más grandes artistas desde tu sofá. Incluso hay películas de ciertas óperas. Ahora la ópera está al alcance de todos.<br />
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<b><u>Acto IV. 30 días de <i>arias</i></u></b></div>
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Gracias a estos días la ópera ha pasado a ser parte de mi colección musical. He encontrado dentro de ella piezas que se han convertido automáticamente en imprescindibles. Este reto me ha aportado una visión muy diferente de la ópera y, al mismo tiempo, de la música comercial. Dentro de la primera he encontrado que trata de temas muy humanos, muy universales, haciendo que los compositores conectaran con su público del momento y también con el de ahora. Que la fuerza emocional de la que está cargada la ópera no se puede encontrar en ningún otro arte y una vez te fulmina, será difícil que encuentres sustituto. He observado que hasta estaba más relajado estos días, que me llenaba de cierta paz que sólo vive en la música.</div>
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He descubierto que <i>Rusalka</i> crea un portal mágico para conducirte hasta el mundo de las ninfas y los duendes o que la Reina de la Noche de <i>La Flauta Mágica</i> podría sustituir al más malvado de los personajes <i>hollywoodienses. </i>Que en <i>Fidelio</i> de Beethoven se transluce la bisagra entre dos mundos operísticos, el que se iba y el que llegaba. Que si quieres escuchar las melodías más preciosas de la creación tienes que escuchar óperas <i>belcantistas. </i>Que te partes con Rossini, tanto con sus óperas <i>bufas</i> como con su vida. Que Wagner es mucho más que ese hombre alemán que creó un teatro para representar sus obras, su genio se trasluce en cada nota, pero es un genio escurridizo para los recién llegados como yo.<br />
Que <i>Carmen </i>es lo más español que ha hecho nunca un francés y que el resultado es espectacular. Que la única ópera de Debussy no se entiende, pero importa muy poco para disfrutarla. Que Verdi le puede gustar a casi todo el mundo, porque buscaba precisamente una conexión con el pueblo. Y que Puccini le gusta a todo el mundo aunque todavía no lo sepan.<br />
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Porque si alguien me ha hecho enamorarme y disfrutar la ópera ese ha sido Giacomo Puccini. Ha hecho que estos treinta días se quedaran cortos y deseara otros treinta más. Si queréis una sincera recomendación es que empecéis a escuchar ópera con Puccini. Estoy seguro de que acabará con vuestras defensas en dos segundos. Puccini crea bandas sonoras antes de que existan y nadie lo ha hecho como él. Sabe que sonido exacto encaja en cada momento, en cada situación, en cada emoción. Para mí, estas tres piezas de <i>La Bohème </i>creo que son lo más hermoso que existe en la historia de la música:<br />
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<i>Che Gelida Manina </i></div>
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<i>Si. Mi chiamano Mimi.</i></div>
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<i>O soave fanciulla</i></div>
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Y también miro con otros ojos la música que yo escucho habitualmente. No porque piense que la ópera sea mejor o peor, porque creo que eso es imposible de evaluar. Simplemente te hace valorar de otra manera a los artistas que quizás antes idolatrabas. El hecho de que a muchos intérpretes de ópera les hayan abucheado y hayan tenido que salir del escenario abochornados en alguno de los teatros más importantes del mundo, por SOLAMENTE no haber llegado a una nota especialmente difícil te hace replantearte cómo valorar a tus artistas favoritos. Te hace ser más crítico, más exigente. Y no sólo en el aspecto musical, también en la intensidad emocional, en las letras, en la historia total, en la valoración de la creación.</div>
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Puedo decir que estos 30 días me han aportado mucho más que el haber completado un reto musical y personal. Me han aportado un mundo nuevo en el que poder explorar, divertirme y emocionarme, un mundo en el que pienso quedarme por mucho tiempo. <b>Porque la ópera quizá no es mi vida, pero se ha transformado ya en una parte de ella.</b></div>
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Anonymousnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-951302503354448812.post-31998283785218438802016-10-16T14:44:00.000+02:002018-11-26T15:44:10.188+01:0028.000 puñaladas - Marea<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://4.bp.blogspot.com/_iWCBLxYdeKs/TMJOwmf1MRI/AAAAAAAAAFo/aZfALOuEATE/s1600/marea-28000_punaladas-frontal.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" src="https://4.bp.blogspot.com/_iWCBLxYdeKs/TMJOwmf1MRI/AAAAAAAAAFo/aZfALOuEATE/s1600/marea-28000_punaladas-frontal.jpg" width="320" /></a></div>
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Existen mil maneras diferentes de contar una historia. Puede que tu estilo sea intentar encontrar la belleza más pura escondida entre las grietas de la experiencia humana; puede que sea tan directa como un tiro y busques herir al receptor, puede que creas que lo mejor es recrear metáforas abstractas para así dar sentido al sinsentido de la vida. O puede, simplemente, que seas como Kutxi Romero.</div>
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Y es que si algo caracteriza a Marea por encima de todo son sus letras. Sí, son buenos músicos (no excepcionales, pero cumplen), hacen buenas melodías y utilizan bien las herramientas de lo que se ha venido a llamar <i>rock urbano</i> desde que aquellos lejanos Leño inventaran un género tan español. Pero sin las letras estarían a la misma altura de otro buen grupo de este género, como pudo haber sido La Fuga. La lírica de las canciones y la rocosa voz de Kutxi son las que impulsan a Marea a dar un salto cualitativo y poder jugar entre los más grandes.</div>
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Corría el año 2004 y yo era un pequeño adolescente que poco sabía de música o de lo que debía buscar entre el amasijo de géneros. Para que comprendáis mis comienzos en esta pasión que nunca me ha abandonado desde entonces, os puedo decir que algunos de mis primeros discos fueron el <b>IV</b> de Led Zeppelin y el disco de los <b>40 Principales</b>. No tenía un gran criterio por aquel entonces y sólo quería descubrir. También debéis entender que en ese momento yo ni siquiera tenía Internet, por lo que mi acceso a música era bastante limitado y los discos que tenía acababan por pedir la jubilación anticipada debido a mi excesiva demanda. Era la época en la que examinaba hasta el último rincón de mis nuevas adquisiciones, el momento en el que me puse a traducir (¡con mi inglés <i>shakesperiano</i> de los catorce años!) S<i>tairway to Heaven </i>para intentar descifrar su significado, hasta aquel que decían que tenía al poner la canción al revés. Era la época de la inocencia, de la exploración. <b>La época que determina los discos de tu vida para siempre.</b></div>
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Empecé a escuchar y a ver que un grupo sin publicidad ni promoción radiofónica alguna se había colocado en el puesto número 3 de ventas de España al sacar su último disco. Me pareció tan impresionante que empecé a investigar lo que pude sobre ese grupo. Sólo pude sacar dos cosas: el grupo se llamaba Marea y el disco <i>28.000 puñaladas</i>. Poco después pude escuchar una de sus canciones en un canal dedicado exclusivamente a videoclips (el desaparecido <i>Xtv. </i>Y no, no es lo que parece). Como ya os he dicho, las cosas no eran tan fáciles como ahora y para hacerme con canciones que me gustaban me tiraba horas delante de la televisión viendo ese canal y con el mando del vídeo preparado para grabar en cuanto sonara LA canción. En uno de esos momentos sonó <i>La Rueca</i>.</div>
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Tras esto me decidí a comprar el disco. Allí estaba, con la portada de Ramone en el <i>stand</i> de los más vendidos. Mi edición, en <i>digibook, </i>portaba el disco, un DVD con material inédito y extras, así como el libreto con las letras y dedicatorias de lo más extrañas. Llegué a casa y me puse la canción que ya me gustaba, la única que había escuchado y le di a <i>repeat</i>. Tras un rato, permití al resto de canciones sonar a través de mis auriculares. Y el resultado no fue nada satisfactorio. Un estilo sucio y pegajoso se abría paso por mis conductos auditivos. Sentí que había hecho una mala compra.</div>
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Lo abandoné durante un tiempo debido a la primera impresión, pero creí necesario ofrecer una segunda oportunidad a un disco por el que había pagado (cuántos discos se perderán en el olvido ahora gracias a <i>Spotify</i>). Así que lo volví a poner y encontré ciertos matices que me gustaban más: ese toque rugoso de <i>Como los trileros</i>, la candidez de <i>El hijo de la Inés</i> o la cruda melancolía de <i>Que se joda el viento</i>. Aún así no me convencía, pero empecé a pensar que la compra no había estado tan mal.</div>
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Muchas escuchas han pasado desde entonces y no puedo dejar de admirar este disco y maravillarme con él. Y es que para mí, lejos de lo que pudiera parecer, este es un disco conceptual en toda regla. Y el <i>Leitmotiv</i> del mismo es un tema al que uno de los poetas favoritos de Kutxi volvía indefectiblemente una y otra vez: los gitanos y el flamenco. También el amor, pero los gitanos es el tema clave (no los gitanos reales, sino esos que Lorca mitificó como un universo en sí mismo, como el símbolo de la alegría y las ganas de vivir). Esos personajes que bien podrían ser los que dieran forma al título de la obra, para los que los 28.000 días de media que dura una vida humana son en realidad 28.000 puñaladas. No por casualidad la canción <i>Ciudad de los gitanos</i> está extraída del <b>Romancero Gitano</b> de Federico García Lorca. Pero esto es sólo uno de los elementos que conforman este gran disco. Vamos a ir desgranándolo poco a poco.</div>
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Arrancamos con la estocada de <i>La Rueca</i>, una de las canciones más potentes del disco. Un retrato de los más bajos fondos de la sociedad, donde este instrumento hilandero que deja en estado inconsciente a <i>La Bella Durmiente</i> puede simbolizar perfectamente la jeringuilla con la que muchos han perdido sus sueños. Se fueron a dormir y nunca volvieron. Una revisión de los cuentos infantiles que, cuando se transforman en adultos, no terminan con final feliz. Nos encontramos con el nuevo sonido de Marea en esta canción. En sus discos anteriores nos habíamos encontrado con guitarras más compactas y, permitidme el exceso, más alegres. No hay más que recordar cortes como <i>La Luna me sabe a poco</i> del también magnífico <b>Besos de Perro</b> u otras como <i>Duerme Conmigo</i> del más inestable <b>Revolcón,</b><i style="font-weight: bold;"> </i>para ver que Marea hasta 2004 tenían más que ver con <b>Los Suaves</b> que con <b>Leño</b>. Y es que en <i>28.000 puñaladas</i> es <i>Kolibrí</i>, guitarrista de la banda, quien coge el timón de la producción. Son ellos mismos los que empiezan y acaban el círculo de su música, aquí están cómodos y pueden experimentar con lo que les plazca. De ahí estas guitarras más afiladas, con menos cuerpo, pero más sucias. Un ritmo no más lento pero sí más pausado. Una base rítmica que no pretende llenar todos los huecos que antes parecía haber, sino que los expande creando nuevas dimensiones y horizontes que explorar. Eso sí, <i>La Rueca</i> es sólo la bisagra entre dos mundos, es la que dentro de <i>28.000 puñaladas</i> más tiene de <b>Revolcón</b> o <b>Besos de Perro</b>. Pero lo mejor aún está por llegar.</div>
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<br /></div>
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<i>A caballo</i> se abre como no podía ser de otra forma, con el ritmo de un caballo al paso. El comienzo de esta canción me hace imaginarme un enorme prado verde en el que dos jinetes se aventuran mientras la juventud nutre sus cuerpos y la energía les empapa. Y después de que las guitarras silben y se vayan afilando poco a poco hasta romper en un clímax que nos devuelve al <i>locus amoenus</i> principal, entra la voz de Kutxi para narrarnos una de las más bellas letras de disco. Y es que no es sólo una gran declaración de amor en forma de carta de bandolero que perdería todo por robar el corazón de ella, es también una gran metáfora de que el amor es eterno. Porque, ¿cuáles son los seres vivos más longevos que conocemos? Exacto, los árboles. Y en esta canción encontramos cinco tipos de árbol:</div>
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<br /></div>
<blockquote class="tr_bq" style="text-align: justify;">
-<i>Los <b>olivos</b> me cuentan que me canso de soñar contigo.</i><br />
<i>-En los <b>nogales</b> acuesto al beso que te empaña los cristales.</i><br />
<i>-Y tallo corazones a navaja en el torso desnudo de un <b>naranjo</b>.</i><br />
<i>-Y de un <b>almendro</b> te haré una flauta para que la sople el viento.</i><br />
<i>-Y de una <b>encina</b> te haré carbón si se te cae la noche encima.</i></blockquote>
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<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
El hecho de que el autor quiera que todo lo relacionado con su amor esté o tenga contacto con los árboles significa que desea que su amor nunca acabe, que viva para siempre. Y en el clímax final nos encontramos con el primer punto que va a seguir uniendo este disco conceptual. Aparece el enemigo, los "malos" de esta historia: los guardia civiles y la nacional (aquí, también, como esa imagen recreada por Lorca de la policía como fuente de todo horror, como la muerte toda humanidad). <b>Son aquellos que quieren separar este amor que finalmente, tendrá que vivir sólo en los árboles.</b></div>
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<br /></div>
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Perfectamente la <b>Virgen del Fracaso</b> podría ser la protagonista del disco, la amada. También puede que sea la inspiración del cantante, esa que es tan inestable como la Luna y que aparece cuando quiere. Yo me inclino más por esta segunda alternativa, ya que esta es una "puta" cuando se escapa y una "bendita" cuando vuelve a aparecer. Es un amasijo de sonidos metálicos circulares, un compendio que busca machacar tanto como el martirio de buscar a esta virgen durante meses, sin respuesta.</div>
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<br /></div>
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Y ahora sí, ya entramos de lleno en la historia, en el universo que este disco crea en nuestras mentes. <b>Con la camisa rota</b> no es sino un homenaje al cantaor flamenco más grande de todos los tiempos: Camarón de la Isla. Concretamente aquí a su <i>Yo soy gitano</i>. Partiéndonos la camisa buscamos crear una bandera que sea el símbolo de nuestra libertad, de nuestra particular y propia república, en la que se podría tener a esa persona para siempre, sin que nadie pudiera molestarnos. Es un <i>rock and roll</i> muy clásico, en la línea ya marcada por Rosendo, aunque con matices más melancólicos y cierta tristeza implícita en la música.</div>
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<br /></div>
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<b>Latido Jondo</b> no puede tener un título más esclarecedor. Un <i>rock</i> puro, de los de Bruce Springsteen, nos trae un claro y afectuoso saludo al flamenco como género musical. Desde "si me miras van cantando camarones por seguirillas" a "latido jondo es lo que quiero tener", pasando por "potro de rabia y miel de la piel hacia dentro". Queda claro que Camarón es un claro referente para Kutxi, porque vemos que aquí estaría cantando seguirillas, uno de los estilos de canto flamenco más antiguos que se conocen, así como cantando jondo con Potro de Rabia y Miel, el último disco que pudo firmar en vida Camarón de la Isla. Kutxi busca algo tan profundo que al final los latidos sean sólo uno.</div>
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Un arpegio bellísimo da paso a <b>El Hijo de la Inés</b>. Toda una oda a la inocencia, a aquellos momentos en los que éramos más felices por puro desconocimiento. Y encontramos aquí uno de los enlaces más importantes de todo el disco: el tronco. "Quieren derribar el tronco de ruiseñores roncos, donde vivimos tú y yo". Algo amenaza ese tronco en el que su amor era eterno, algo amenaza el sitio donde los dos vivirían aunque murieran. Y es que ese hijo de la Inés no es sino el <i>alter-ego</i> del cantante, ese niño interior que todos llevamos dentro y que le dice que aunque "entre amores nunca se ha caído de pie" hay que seguir intentándolo, porque la experiencia siempre vale la pena.<br />
<br />
Muy atentos a la "segunda" parte de la canción, esa que da comienzo cuando la música se apaga y un hermoso riff de guitarra deja que Kutxi recite eso de "ten cuidao con la luna -dicen las estrellas". Uno de los momentos culminantes del disco que hace que nos ericemos gracias a un <i>crescendo</i> grandioso.</div>
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<b>Dos Alpargatas</b> nos presenta al autor como a un burro, es decir, como a alguien que ha pensando en algo y no ha parado hasta conseguirlo, sin pensar en que quizá estaba perdiendo más que ganando "y entre mis borrones he sido un borrico que quiso besar el aire y la acera, y no puede ser". Musicalmente es de las más planas del disco, ya que no aporta nada que no haya aparecido ya en las canciones anteriores.</div>
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<b>Como los trileros</b> es la pieza maestra del rompecabezas que forma este disco. El autor siente que no puede confiar en nada, que no puede avanzar y que nada puede hacer para remediarlo. Y aquí nos encontramos con uno de los alegatos de los protagonistas del disco más representativos, en el que escuchamos a tres personas distintas que ponen voz a diferentes estadios de la conciencia. La primera, a cargo de Domingo Calzado, utiliza el idioma gitano caló para expresarse:<br />
<br />
<div style="-webkit-text-stroke-color: rgb(0, 0, 0); -webkit-text-stroke-width: initial; font-family: Times; font-size: 14px; line-height: normal; text-align: center;">
<span style="font-kerning: none;"> Y esconde la sorna, el manró y los jurdeles, (y esconde el oro, el pan y el dinero)</span></div>
<div style="-webkit-text-stroke-color: rgb(0, 0, 0); -webkit-text-stroke-width: initial; font-family: Times; font-size: 14px; line-height: normal; text-align: center;">
<span style="font-kerning: none;">si vienen los payos, los picos, las leyes, (si vienen los payos, los policías)</span></div>
<div style="-webkit-text-stroke-color: rgb(0, 0, 0); -webkit-text-stroke-width: initial; font-family: Times; font-size: 14px; line-height: normal; text-align: center;">
<span style="font-kerning: none;">cucharas que nos guardan en la estaribel, (escapar, que nos meten en la cárcel) </span></div>
<div style="-webkit-text-stroke-color: rgb(0, 0, 0); -webkit-text-stroke-width: initial; font-family: Times; font-size: 14px; line-height: normal; text-align: center;">
<span style="font-kerning: none;">respeta a tus batos y nunca les bailes (respeta a tus padres y nunca les bailes)</span></div>
<div style="-webkit-text-stroke-color: rgb(0, 0, 0); -webkit-text-stroke-width: initial; font-family: Times; font-size: 14px; line-height: normal; text-align: center;">
<span style="font-kerning: none;">el agua a otras manos, ni bebas los mares por nadie </span></div>
<div style="-webkit-text-stroke-color: rgb(0, 0, 0); -webkit-text-stroke-width: initial; font-family: Times; font-size: 14px; line-height: normal; text-align: center;">
<span style="font-kerning: none;">que la sangre te quiera beber, </span></div>
<div style="text-align: center;">
</div>
<div style="-webkit-text-stroke-color: rgb(0, 0, 0); -webkit-text-stroke-width: initial; font-family: Times; font-size: 14px; line-height: normal; text-align: center;">
<span style="font-kerning: none;">por nosotros no muere undebel. (por nosotros no muere un dios)</span></div>
<br /></div>
<span style="background-color: white; font-family: "arial" , "tahoma" , "verdana"; font-size: 14px; text-align: -webkit-center;">
</span>
<br />
<div style="text-align: justify;">
La segunda voz, (el hermano de Kutxi, Martín) todavía más rota y retorcida que la de Kutxi, se marca el discurso más memorable del disco. Un auténtico subidón de adrenalina que nos muestra el destino de los más desfavorecidos (aquellos que son el blanco de los guardia civiles), <b>los cuales ni siquiera pueden disfrutar de sus pequeñas alegrías</b>. </div>
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<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Por último escuchamos a uno de los poetas malditos más conocidos de nuestro país, gracias principalmente a artistas como Extremoduro o Platero y tú: Manolo Chinato. Un canto a la naturaleza, a una vuelta a aquello que todos somos y compartimos, <b>a vivir como los árboles, de la lluvia, del viento y de la tierra</b>.</div>
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<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Después de esta tremenda sacudida llega la calma del disco. Y no podía hacerlo de una manera mejor. Esta adaptación de retazos del <b>Romancero Gitano</b> de Lorca hace que se me erice la piel siempre que suena. El fatídico <b>encuentro entre los guardia civiles y los gitanos</b> se hace presente y la tristeza se convierte en algo mágico. El retrato que Lorca hace de los primeros no es algo para nada amable:</div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
Tienen, por eso no lloran,<br />
de plomo las calaveras,<br />
con el alma de charol<br />
vienen por la carretera.
</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Los guardia civiles no tienen sentimientos, buenos al menos, ya que su cabeza está hecha de plomo y carecen de alma. Y el avance no se detiene por nada. <b>Arrasan con todo a su paso, sus víctimas jamás hallarán la paz</b>. Ni siquiera la alegría puede estar tranquila, porque hasta el alcohol, símbolo lorquiano de festejo, se debe disfrazar:<br />
<br />
<div style="text-align: center;">
La ciudad libre de miedo,</div>
<div style="text-align: center;">
multiplicaba sus puertas, </div>
<div style="text-align: center;">
cuarenta guardia civiles</div>
<div style="text-align: center;">
entran a saco por ellas.</div>
<div style="text-align: center;">
Los relojes se pararon,</div>
<div style="text-align: center;">
<b>y el coñac de las botellas</b></div>
<div style="text-align: center;">
<b><b>se disfrazó de noviembre</b></b></div>
<div style="text-align: center;">
<b><b>para no infundir sospechas.</b></b></div>
</div>
<div style="text-align: justify;">
<br />
Sobre <i>noviembre</i> hay muchas teorías, pero a mí la que más me convence es aquella que dice que <b>Noviembre era un jarabe para la tos de la época</b> y se metía el coñac en esas botellas para guardarlo sin peligro. La masacre no cesa y el horror cada vez es mayor:</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
Rosa la de los Camborios<br />
gime sentada en su puerta<br />
con sus dos pechos cortados<br />
puestos en una bandeja.<br />
Pero la guardia civil<br />
avanza sembrando hogueras,<br />
donde joven y desnuda<br />
la imaginación se quema.
</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Las imágenes tristes y dantescas que nos ofrece el poema son perfectamente complementadas con una música que recrea fielmente el paisaje lorquiano. El sólo de guitarra contenido en este tema, sin ser especialmente elaborado, es uno de los más bonitos e impactantes que he escuchado jamás. Una verdadera maravilla.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
El final se está acercando y viene una canción que no me cuadra dentro de este disco. Desentona totalmente con el hilo conductor que ha ido marcando y su calidad deja mucho que desear para tratarse de Marea. La inclusión de Rosendo en <b>Al culo de una lombriz</b> entiendo que habrá sido algo con lo que los integrantes de la banda habrían soñado desde su creación, pero en mi opinión no han conseguido nada reseñable con ello.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Cerrando este álbum tenemos <b>Que se joda el viento</b>, la mayor declaración de amor de todo el disco. Un medio tiempo que suena como las olas que rompen, que suena a querer volver a esa playa que tenía cantos de sirena irresistibles. El broche de oro perfecto para cuadrar el círculo de esta historia. Una frase como "Y báñate en mis ojos, que se joda el mar" está al alcance de muy pocos. Son esas frases que te hipnotizan y te noquean, esas sentencias que se marcan como si fueran acero al rojo vivo. <br />
<br />
Y es que este grupo consigue hacer que nos sintamos en medio del océano sin ningún tipo de salvación, y que aún así queramos perdernos todavía más en la marea embravecida que convierte cada nota en una puñalada y nos atraviesa para siempre.</div>
Anonymousnoreply@blogger.com3tag:blogger.com,1999:blog-951302503354448812.post-26449050407416017092016-07-17T12:50:00.002+02:002018-11-30T13:27:44.382+01:00Las mejores canciones para la playa<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
<div style="text-align: center;">
<img alt="Resultado de imagen de playa" height="480" src="https://farm9.static.flickr.com/8182/8064255237_b94bf7a294_b.jpg" width="640" /></div>
<br />
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El verano ha llegado. Lo podemos notar al sentirnos famosos cada vez que salimos a la calle y descubrimos una estampida de japoneses cámara en mano apuntando hacia todos lados; en la abundancia de cinturones anchos y cruasanes con piernas; en que las suscripciones a gimnasios han aumentado un 500%; y, por supuesto, en las ansiadas vacaciones. Aunque yo no sea uno de los afortunados que está disfrutando de ellas en este mismo momento, sé que son las grandes protagonistas de esta estación. Pero, ¿qué es el verano sin playa? </div>
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<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
La playa. Sí, la playa es la representación terrenal, física, palpable y arenosa de las vacaciones de verano. Tostar el cuerpo, jugar a las palas, luchar contra medusas o empequeñecerse con la inmensidad del mar son algunos de los ingredientes que hacen de la playa la receta ideal para disfrutar de las vacaciones. Y para cada uno de esos momentos he seleccionado una canción. Porque hacer una buena banda sonora es fundamental para poder exprimir al máximo tu parcela playera.</div>
<br />
<div style="text-align: center;">
<iframe allowtransparency="true" frameborder="0" height="380" src="https://embed.spotify.com/?uri=spotify%3Auser%3A74minutos%3Aplaylist%3A0ycCVSnptzquCKzMwj53qA" width="300"></iframe>
</div>
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<b><u><br /></u></b>
<b><u><br /></u></b>
<b><u>1. Tierra - Xoel López</u></b></div>
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<br /></div>
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La primera frase de esta canción lo dice todo: "<b>Yo soñaba cada día poder alcanzar la playa</b>". Exacto. A todos vosotros os ha pasado esto: es la canción que se engarza con esos momentos de ansiedad en los que las vacaciones parecen estar a años luz. En este precioso medio tiempo que nos regala el gallego se nos muestra su lado más sensible, más introspectivo y nos cuenta cómo funcionan sus recuerdos, sus creaciones, sus experiencias vitales.<br />
<br />
Alcanzar la playa en esta canción significa alcanzar la vida, la que se nos escapa en cada respiración, en cada minuto que gastamos sin querer. Y nada mejor para conseguir ese objetivo que un baño refrescante en verano. No sufráis, que ya llegamos.<br />
<br />
<div style="text-align: center;">
<b><u>2. Summer - Sum 41</u></b></div>
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<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<b>Esta canción sólo encaja en un viaje hacia la playa en coche, con las ventanillas bajadas y sin casi ver por la acción de esos vientos huracanados</b>. Al más puro estilo californiano (aunque son canadienses) <b>Sum 41</b> nos regala una pista que nos transporta directamente a una escena de <i>American Pie </i>donde todo son fiestas, alcohol y arena.<br />
<br />
No hay preocupaciones aquí, sólo ganas de disfrutar al máximo de cada segundo del viaje. Porque el viaje es mucho más que un medio, en en sí mismo un fin.<br />
<br />
<div style="text-align: center;">
<u><b>3. Wouldn't It Be Nice - The Beach Boys</b></u></div>
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<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Cuando por fin llegamos hasta nuestro querido destino podemos divisar tres situaciones que nos llevarán a estados de ánimo distintos: para el primero de ellos esta canción de los chicos de la playa por excelencia es la ideal. Y este momento no es otro que cuando ves la bandera verde izada en lo alto del puesto de socorrismo. <b>Te imaginas entonces la playa como una piscina de temperatura ideal y oleaje suave en la que puedes nadar sin peligro, hacer tirabuzones cual delfín y zambullirte con los ojos abiertos hasta que te sangren las pupilas.</b></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Esta obra maestra del grandísimo disco de los chicos playeros <i>Pet Sounds</i> es la melodía que mejor puede ejemplificar la felicidad, <b>la felicidad producida por un relajante día en la playa. </b>Un día en el que todo sale bien, por supuesto. Ese día en el que los camareros te sonríen, el agua está "buenísima" (como solemos decir) y el mundo en general, es feliz. Esto a mí sólo me pasa con una persona, pero igual a vosotros os puede encajar de muy diferentes formas.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
<u><b>4. Frozen - Madonna</b></u><br />
<u><b><br /></b></u></div>
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Amarillo. Ese color que no te dice nada. No es malo, pero tampoco es bueno. <b>Como comerte un yogur natural sin azúcar: lo puedes engullir, pero no esperes ningún placer en ello</b>. Eso es lo que representa realmente la bandera amarilla: la indeterminación más absoluta. Porque vamos a ver, ¿qué quiere decir una bandera amarilla? ¿Que el agua está bien pero puede que venga una ola gigante de cinco metros y te arrastre a las profundidades? ¿O bien que el agua es un volcán en erupción que no ataca a las personas?<br />
<br />
Nunca he entendido esta bandera. Vendrá el listo que diga "que el agua está revuelta". Claro, y los huevos también y no por eso dejamos de comerlos. El caso, que me lío, es que esta situación te deja completamente helado, frío, sin esperanzas ni diversión. Y eso es lo que obtenemos en la canción de Madonna, una de sus composiciones más oscuras (y para mí, más maduras) en la que juega con ambientes góticos, creando una atmósfera vampiresca y revuelta, como el mar esos días.<br />
<br />
<div style="text-align: center;">
<b><u>5. Blood and Thunder - Mastodon</u></b></div>
<div style="text-align: center;">
<b><u><br /></u></b></div>
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Si existiera el premio para el grupo de música con el nombre mejor escogido, sin duda Mastodon habría ganado todas las ediciones. Porque aunque los mastodontes no fueran más grandes que un elefante actual, su nombre evoca a seres vivos gigantescos, capaces de arrasar con una ciudad en cuestión de segundos, de aplastar a sus enemigos con sus poderosas patas, de ser una fuerza de la naturaleza incontrolable. Como la música de estos chicos.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
No podía elegir sino este corte de su pieza maestra <i>Leviathan</i> para representar ese momento cuando ves la bandera roja al llegar a la playa. Porque este disco conceptual nos narra la historia que Herman Melville logró plasmar en su más famoso libro: <i>Moby Dick</i>. La bandera roja es esa ballena blanca que no nos deja avanzar, que nos roba nuestros sueños y nos deja indefensos contra la naturaleza. El increíble <i>riff</i> de guitarra que abre esta canción sin duda representan las aguas turbulentas que nos esperan en ese día nefasto; las medusas que van a picarnos por todo el cuerpo haciendo que un "ajetreado" socorrista tenga que aplicarnos loción antipicaduras; <b>es la rabia contenida de toda la gente que se ha levantado a las siete de la mañana para coger buen sitio en la orilla de la playa y una ola enfurecida les ha mojado los bocadillos de tortilla que llevaban preparados de casa.</b></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
<b><u>6. Also Sprach Zarathustra, Op.30 Prelude - Richard Strauss</u></b></div>
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<b><u><br /></u></b></div>
<div style="text-align: justify;">
Ya hemos llegado a la playa y hemos visto la bandera que determinará nuestro futuro más próximo. Y llega el momento que todos los padres esperan: <b>el momento en el que pueden demostrar que la saben clavar.</b> Esto es más que conseguir una sombra, es una conquista, un paso pequeño para la familia, pero muy grande para la hombría. Es la hora de hundir la sombrilla en la arena y mostrarla al mundo cual bandera izada.</div>
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<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Pero este proceso no es tan simple. Strauss nos acompañará a través de este viaje con la canción que ya utilizó Stanley Kubrick (y tantos otros) en su famosísima <i>2001: Una odisea en el espacio. </i>Una pieza que resume perfectamente la magnitud de esta lucha contra los elementos. Como decía, el proceso requiere de varias etapas:</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
1. Visualización y elección del objetivo.</div>
<div style="text-align: justify;">
2. Acercamiento y reconocimiento de la zona.</div>
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3. Preparación del terreno.</div>
<div style="text-align: justify;">
4. Discusión entre generales sobre la mejor estrategia de abordar el enfrentamiento.</div>
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5. Discusión finalizada con un: "Tú déjame a mí, que ya verás".</div>
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6. Fase intermedia.</div>
<div style="text-align: justify;">
7. Primer intento (fallido) de excavación. El terreno es demasiado blando.</div>
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8. Segundo intento. Éxito.</div>
<div style="text-align: justify;">
9. Montaje del aparato.</div>
<div style="text-align: justify;">
10. Regocijo del general segundo.</div>
<div style="text-align: justify;">
11. Hora de relajación.</div>
<div style="text-align: justify;">
12. Vuelo e incrustación en el ojo de un civil.</div>
<div style="text-align: justify;">
13. Fin de la operación por orden de la general.</div>
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<br /></div>
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Parece que Strauss estuviera pensando en todo este proceso para realizar una de sus obras más conocidas, porque encaja a la perfección con todas las secuencias. Y es que las sombrillas requieren de un auténtico Zarathustra para su perfecta colocación.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
<b><u>7. Asteroid - Kyuss</u></b></div>
<div style="text-align: center;">
<b><u><br /></u></b></div>
<div style="text-align: justify;">
Y si a Mastodon tendrían que darle el premio por elegir el mejor nombre de grupo, a Kyuss se lo tendrían que dar por elegir el mejor nombre de canción. No he escuchado nada nunca que representara también lo que se está intentando decir con la música. Y es que este vuelo de alondra que los reyes del <i>stoner</i> se marcaron con <i>Asteroid</i> es algo sublime. Puedo imaginar en cada uno de sus compases a ese asteroide vagando por el espacio, chocándose con planetas, destrozando satélites y llegando a la tierra para abrasarnos a todos en una inmensa bola de fuego.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Lo mismo que sentimos cuando estamos tumbados en la playa y <b>un sol que al principio parecía agradable empieza a hincarnos los dientes y va traspasando nuestra piel poco a poco hasta que podemos notar como nuestro hígado se está asando a fuego lento.</b> Los golpes que la canción reproduce encajan a la perfección con las ráfagas que el sol nos dispara, así como los momentos de calma que nos ofrecen las esporádicas nubes tienen su representación en los pasajes más relajados de la pista. Y estos chicos saben de lo que hablan si hablamos de sol, porque el desierto los ha curtido en mil batallas.<br />
<br />
<div style="text-align: center;">
<b><u>8. Wish You Were Here - Pink Floyd</u></b></div>
<div style="text-align: justify;">
<b><u><br /></u></b></div>
<div style="text-align: justify;">
De verdad, si nunca habéis escuchado esta canción en la playa vuestra vida no está completa. Para mí es un momento que todo el mundo debería experimentar al menos una vez en la vida. Pink Floyd llegó a mi vida de una manera casi anecdótica, pero desde entonces no se ha ido nunca. Hará unos diez años retransmitieron por televisión el concierto <i>Live 8</i>, que organizó Bob Geldof para intentar reducir la deuda de los países africanos impuesta por el G8. Pues bien, en esta serie de conciertos simultáneos que se produjeron en todo el planeta actuó Pink Floyd. Tras 24 años separados daban la oportunidad de ver de nuevo a su formación clásica en directo por una buena causa.<br />
<br />
Y allí estaba yo, viendo el concierto de Pink Floyd por la tele, con unos 15 años. Ya los conocía anteriormente sin rastro del más mínimo entusiasmo. Pero esa noche pasó algo. Y ese algo fue <i>Wish You Were Here</i>. <b>Cuando terminó esta canción yo estaba en otro mundo, en estado de trance. </b>Me había transportado, me había hecho pasar a otro estado. Desde ese momento supe porqué Pink Floyd había sido y sigue siendo uno de los grupos más grandes de la historia.<br />
<br />
Por eso tenéis que escucharla en la playa. Cuando empiecen a sonar los primeros acordes de la guitarra acústica y os quedéis mirando la inmensidad del mar desde vuestra toalla, os lo aseguro, os dejará atónitos. <b>No volveréis a ver la playa de la misma manera</b>.<br />
<br />
<div style="text-align: center;">
<b><u>9. POWER - Kanye West</u></b></div>
<div style="text-align: justify;">
<b><u><br /></u></b></div>
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Una vez hemos hecho todo el proceso para asentarnos en la playa viene el momento playero por excelencia: jugar a la palas. Las palas son ese juego de raqueta en el que dependiendo de la pelota que tengas las reglas varían. Esto se produce por la incertidumbre de si la pelota botará en la arena de la orilla o no. Por otro lado, las normas también varían dependiendo del lugar donde juegues, ya que si el torneo se produce en la arena normal no hay posibilidad de rebote. Y también dependen de con quien juegues, porque no es lo mismo jugar con tus amigos que con tu novia/o o con tu familia. Así que, en definitiva, las palas son un juego sin ley.</div>
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Pero lo importante de este pasatiempo es la emoción. Es un momento en el que nos creemos Nadal vs Federer. <b>Para los revolcones por la arena, para los lanzamientos en plancha a por la pelota, para los golpes con efecto que van a parar a esamujerquellevabaunratomirandoosjugarporquesabíaquealfinalleibaisadaryhatenidotodalarazónperoaúnasícogelapelotayteladevuelve, </b>esta canción es perfecta. Porque Kanye West es un experto en hacer canciones cargadas de adrenalina y testosterona, como buen provocador que es. Y este corte de su magnífico álbum <i>My Beautiful Dark Twisted Fantasy</i> es la canción perfecta para encontrar motivación donde no la hay. Un tema que te sube el ánimo a lo más arriba para que en tu golpe final puedas enviar la pelota a las profundidades del océano (vamos, al fondo del vaso de esa señora).</div>
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<b><u>10. Fight For Us - Sepalcure</u></b></div>
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<b><u><br /></u></b></div>
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Y llegó la noche. Y con ella llegan todos los placeres que nos da la playa sin nuestra estrella incandescente favorita. Llegan los paseos nocturnos por la playa, llega la pasión amorosa rebozados en arena de algunos, llega la sana ayuda de otros llevando las cosas de los apasionados amantes a un lugar más seguro (su casa, normalmente), y llegan las fiestas playeras. Bien sea en un chiringuito o en un club de moda, los cócteles en la playa son algo fundamental. Y este corte electrónico cercano al <i>tribal dub</i> me encandiló la primera vez que lo escuché. Si alguien de cualquier club del mundo me preguntara qué música poner en sus noches, este tema sería uno de los elegidos.</div>
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Y es que es elegante a la vez que divertido. Es relajante a la vez que animado. Es una combinación perfecta para una noche tranquila después de una jornada intensa, un broche de oro ideal para cerrar nuestro perfecto día en el mar.</div>
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<b><u>Canción Extra. Reanimator - John Zorn</u></b></div>
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Pensabais que el día ya había acabado ¿verdad? Que sólo os quedaba tumbaros en la cama y dormir, ¿no? Pues estáis muy equivocados, porque mientras estaba sonando Kyuss, Pink Floyd o Kanye West algo no cesaba de trabajar; ese algo era el sol. Y ahora tumbarte en la cama es como si te estuvieran metiendo a un horno de fundido de metales. Tu cuerpo está experimentado más o menos lo que podemos escuchar en esta canción de Zorn: el caos absoluto. Se quiere rebelar contra ti, quiere hacer un motín contra tu cerebro por idiota, por dejar que tu piel se ponga igual que el programa de Antonio García Ferreras.</div>
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Tu cuerpo está pidiendo a gritos una reanimación, como dice el título del tema, porque ese color no es algo normal. Y mientras empiezas a notar como se queja subiendo tu temperatura corporal a tal extremo que podrías ponerte tu propio puesto de perritos calientes sin necesidad de carrito, tú estás ahí como todos los años intentando calmarlo con <i>Aftersun</i> en cantidades industriales, aún sabiendo que eso es lo mismo que poner el antimosquitos de enchufe. Pero esta vez al menos tienes una banda sonora con el que acompañar tu sufrimiento.</div>
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Anonymousnoreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-951302503354448812.post-25344577278296391452016-06-05T09:50:00.000+02:002018-11-30T13:26:04.617+01:00American Idiot - Green Day<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
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<img alt="Resultado de imagen de american idiot" src="https://images-na.ssl-images-amazon.com/images/I/61HZsw4F5VL._SY355_.jpg" /></div>
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Corría el año 2009 y Green Day acababa de publicar su disco <i>21st Century Breakdown. </i>Venían a España a presentarlo y, cómo no, Barcelona y Madrid fueron los destinos elegidos. Todavía con dieciocho añitos me fui con mis amigos hasta Barcelona para presenciar a uno de los grupos más importantes de nuestras vidas. Tras muchas horas de cola (y de inexplicables vueltas por la ciudad condal) conseguimos entrar al Palau Sant Jordi y se desató el <i>armageddon</i>. Los que estábamos allí éramos más que simples <i>fans</i>, estábamos forjando la historia de una amistad, y pareció que todos lo entendieran. Pero vayamos unos cuántos años atrás porque este concierto no fue especial simplemente porque los chicos californianos vinieran a España. Muchas cosas ocurrieron antes de este concierto.</div>
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Comencé a tocar la batería, para desgracia de mi familia y vecinos, a la edad de catorce años. Aparte del placer de ejercer una tortura auditiva a la gente cercana, descubrí que me apasionaba ese instrumento. El siguiente paso, por supuesto, era tener un grupo. Al principio nos juntamos unos amigos y simplemente quedábamos para aprender a tocar. Nada demasiado difícil, nada demasiado interesante. Pero fui aprendiendo.</div>
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Poco después, el bajista de ese grupo y yo partimos hacia otras propuestas que nos satisficieran más, ya que deseábamos algo más de velocidad musical. Es por eso que creamos junto a otros dos amigos otro grupo, de nombre <i>Slip Out </i>(no me preguntéis por qué). Nuestras influencias básicas eran todo el <i>hardcore californiano o melódico</i>: <b>Blink 182, Sum 41, Offspring, Bad Religion, Simple Plan</b>...pero, por encima de cualquier otro, <b>Green Day</b>.</div>
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Green Day era nuestro grupo de referencia y <i>Basket Case</i> nuestra canción de cabecera. Empezábamos y acabábamos los ensayos con ella. Uno de los guitarristas se podía pasar horas tocando simplemente el comienzo de <i>Time of your Life,</i> el bajista repitiendo una y otra vez los compases de <i>She, </i>y nuestro otro guitarrista no paró hasta aprenderse <i>Jesus of Suburbia</i>. Para mi LA canción era <i>Basket Case</i> y su frenético inicio. Claro, cuando nosotros empezamos el grupo, Green Day estaba en su momento más álgido en diez años, y todo ocurrió por este disco.</div>
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Desde su descomunal y paradigmático <i>Dookie, </i>Green Day había presentado trabajos de fortuna de crítica y público muy desigual. Ahí tenemos su disco inmediatamente posterior, <i>Insomniac</i>, del que sólo podría destacar <i>Brain Stew/Jaded</i>. Un disco demasiado oscuro y poco cohesionado, que mostraba a un grupo que se había desinflado tras el éxito de su anterior disco. Tras dos años de espera vería la luz <i>Nimrod</i>, un disco mucho más trabajado que al anterior, que explora más caminos de los ya abiertos por <i>Dookie, </i>con canciones como la citada <i>Time of Your Life</i> o la filosófica <i>Redundant</i>, así como también encontramos temas con el sello de la banda, como <i>Nice Guys Finish Last</i>.</div>
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Nos sorprendieron a todos con <i>Warning</i>, un disco con esencia folk y que para mí está injustamente infravalorado ya que contiene alguna de sus gemas en bruto más valiosas. Más tarde escuchamos <i>Shenanigans, </i>un álbum de piezas sobrantes de otros discos que tiene un interés más bien nulo. Pero, desde <i>Dookie, </i>Green Day no había conseguido lanzar un disco redondo, un álbum que gustara la crítica y al público por igual.</div>
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Y entonces llegó <i>American Idiot</i>. Y <i>Green Day </i>volvieron a ser lo que eran siendo algo completamente distinto. La llamada "primera ópera <i>punk</i> de la historia", es todo lo que Green Day había hecho hasta la fecha concentrado y licuado para todos los paladares. Sin todos los pasos, carreras, tropiezos y caídas desde el <i>Dookie, American Idiot </i>nunca hubiera existido. También fue el disco que nos unió como grupo para siempre.<br />
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El disco cuenta la historia de <i>Jesus of Suburbia, </i>un personaje creado por Billie Joe Armstrong, cantante y guitarrista de la banda. Este personaje cuenta las miserias de una civilización que se está yendo poco a poco hacia la autodestrucción, al igual que él. La primera canción, que da título al disco, es una rápida y furiosa visión de la sociedad americana por parte de este personaje. Una sociedad que no piensa por ella misma, que está controlada en cada rincón de su mente y a la que sus mandatarios dominan a voluntad. Y es aquí donde ya vemos que <i>Green Day </i>ha vuelto. Las guitarras afiladas, la batería (a cargo de Tré Cool) a máxima velocidad y el bajo (Mike Dirnt) machacándonos los oídos. Pero la voz de Billie Joe tiene ese toque alegre que siempre les ha caracterizado. Sí, ya podemos decir que esto <i>es</i> Green Day.</div>
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Pero, de repente, algo ocurre. ¿Una canción de 9 minutos? Estos no son los chicos de <i>Dookie</i>. En esta canción se nos presenta al protagonista de la historia, que tiene el mismo nombre que la pista: <i>Jesus of Suburbia. </i>Y, para aquellos que no crean capaces a este grupo de hacer una canción de larga duración con sentido les invito a escuchar una de mis canciones favoritas, y, sin duda, la mejor de todo su repertorio. Era una imprescindible en todas nuestras sesiones de ensayo y no es para menos. Una canción con un comienzo totalmente épico que va pasando por diferentes tempos y estilos, con una banda pletórica y un Billie Joe extraordinario como <i>frontman</i>. Vemos un tono mucho más maduro en esta canción, que busca de verdad contar una historia a través de la música y no sólo una base para soltar lo que se necesite con palabras.<br />
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Aquí <i>Jesus of Suburbia</i> se presenta y podemos observarlo pasando por diferentes estados de ánimo, por diferentes etapas de su vida. Por ello nos encontramos con una conjunción musical extraordinaria, que puede ir desde el más típico <i>hardcore melódico</i>, hasta baladas, pasando por partes <i>rockera </i>e incluso <i>pop</i> al más puro estilo Beach Boys. <i>Jesus</i> finalmente, nos dice que huyó de su hogar porque este no existía.<br />
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Una de las canciones más populares de la banda es la que viene a continuación: <i>Holiday</i>. Un claro canto anti-belicista. Una guitarra circular da paso al alegato que Billie Joe tiene preparado. En el momento de la creación del disco, la administración Bush estaba en pleno apogeo en su batalla iraquí y la banda nos presenta una feroz crítica contra esto. Con esta canción comprobamos que, aunque veamos que <i>Green Day </i>han vuelto, la velocidad ya no va a ser el <i>tótem </i>sobre el que se asiente su nueva era.<br />
<br />
Llegamos así a <i>Boulevard of Broken Dreams</i>, una balada donde la banda presenta su lado más triste y decepcionado con el mundo. Esta canción es algo que no hubiéramos podido ver tras una madurez musical que se fue consolidando poco a poco. Guitarras acústicas, ritmos pausados, efectos electrónicos...Elementos que nunca habíamos encontrado en el repertorio del grupo, pero que añaden vitalidad a su música, aunque esta sea taciturna y oscura.</div>
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Una batería que el guitarrista quería aprender a toda costa abre la siguiente canción, <i>Are we the Waiting</i>. Fueron muchos ensayos enseñando este extraño patrón de batería pero al final consiguió tocarlo y hasta me la quitaba para practicar. De nuevo, nos encontramos con una canción que poco o nada tiene que ver con la anterior trayectoria de la banda, pero que encaja perfectamente en el disco. Unas melodías muy cuidadas dan paso a una de las canciones de mayor velocidad de la historia de <i>Green Day</i>. Una pista muy <i>ramoniana</i> que nos presenta a otro personaje de la historia: <i>St Jimmy, </i>caótico y autodestructivo. Se puede pensar que simplemente es una parte de la difícil personalidad de <i>Jesus</i> o que es un personaje aparte que enseña nuevas experiencias al protagonista y que más tarde este se haga pasa por aquel. Yo me quedo con la segunda opción.<br />
<br />
Y es que aquí es donde descubre la <i>novocaína</i>, una droga que intenta aliviar su depresión y su alineamiento del mundo. <i>Give me Novocaine </i>se convierte así en el punto de inflexión del disco, donde el protagonista entra a una puerta por la que antes no había pasado y de ahí esos cambios musicales tan bruscos entre sus zonas calmadas, que bien podrían tratarse de una canción hawaiana, y sus arrebatos rabiosos que crean un muro sónico infranqueable. Pero, como siempre, todo cambia con la llegada de un amor inesperado. Y eso representa <i>She's a Rebel</i>, una canción que vuelve a los orígenes de la banda para presentar a ella: <i>Whatsername</i>. Una perfecta rebelde, un icono de verdadera resistencia, de la cual el protagonista queda profundamente enamorado.<br />
<br />
¿No os había dicho que Green Day habían crecido y que habían alcanzado su madurez musical en este disco? Pues bien, <i>Extraordinary Girl</i> es otra prueba de ello. Una intro totalmente árabe da paso a una canción que mantendrá este toque oriental durante todo su recorrido, como si de <i><a href="https://www.youtube.com/watch?v=Ag58k2elaYs">Tomorrow Never Knows </a></i>se tratara. El estribillo actúa como una cascada del río que nos había transportado de forma oriental hasta él. Conocemos algo más de esta chica en esta canción, que nos muestra su lado más sensible, mientras el protagonista sigue cayendo en una espiral sin retorno.<br />
<br />
Ella, intentando alejarse (y alejarle) de ese impulso autodestructivo, le envía una carta en la que le dice que lo abandona para siempre. Además le hace ver que él no es <i>Jesus of Suburbia, </i>ni tampoco <i>St Jimmy</i>. Una auténtica carta bomba <i>(Letterbomb</i>). Esta canción establece un vínculo metamusical con otra de las canciones de este disco en su intro, ya que nos muestra en su intro una parte de lo más tarde será un trozo de <i>Homecoming</i>. Musicalmente creo que es un corte perfecto de rabia sistematizada. De potencia con control.<br />
<br />
Y qué decir de una de sus canciones más emblemáticas. <i>Wake me up When Setember Ends</i> es todo sentimiento. Es una canción en la que vemos el corazón de Billie Joe puesto en una bandeja, para que todos veamos sus cicatrices. Una canción que el cantante escribió por la trágica muerte de su padre cuando él tenía sólo 10 años y no quería otra cosa que esto fuera un sueño, que septiembre acabara ya que este fue el mes en el que pasó. Un arpegio ya mítico es la introducción a una de las canciones más emotivas de la historia de la banda, en la que poco a poco la intensidad se va haciendo más fuerte y asistimos a un final apoteósico donde la emoción está servida.<br />
<br />
La penúltima canción del disco, <i>Homecoming,</i> es otra de las grandes sorpresas. Y es que por si no habíamos tenido suficiente con <i>Jesus of Suburbia</i>, ¡aquí nos encontramos con otra canción de 9 minutos! Musicalmente no tienen nada que ver una con otra, esta es mucho más rockera, más directa y quizá más desconecta que aquella, pero con puntos álgidos que sondan delicia. La canción nos cuenta la historia del protagonista abandonando su papel como <i>St Jimmy</i>, volviendo a su casa e intentando rehacer los pedazos.<br />
<br />
Por último nos encontramos con <i>Whatsername</i>, donde se nos confiesa que sigue enamorado de esa chica que lo ha abandonado y que nunca volverá a ver. Intenta por todos los medios olvidarla aunque sabe que no lo conseguirá, así que seguirá su vida con ese sentimiento clavado para siempre. Es una de mis favoritas del disco, aunque es de las menos reconocidas públicamente, gracias a su estilo directo pero calmado, con un Billie Joe totalmente sereno, lo que nos muestra el paso del protagonista a un estado fuera de la autodestrucción.<br />
<br />
Y ahí estábamos nosotros, cinco años después de la publicación de este gran disco, a punto de presenciar al grupo que había creado las canciones que nos habían obsesionado una y otra vez en las sesiones de ensayo. Apenas nos podíamos mover gracias a la aglomeración de gente, apenas siquiera respirar, pero la magia no se rompió en ningún momento. En ese momento todo lo que habíamos vivido se condensó en dos horas de concierto. Todas las noches tocando en sitios que nunca volverán a abrir, las carreras por habernos dejado algo antes del concierto, los robos de material, los ensayos a las tantas, las roturas de cuerda en los conciertos (incluso del bajo), los viajes a ciudades desconocidas junto a posibles psicópatas en potencia...Todas las experiencias vividas eclosionaron en aquel concierto, pero sobre todo, se acumulan en este disco. Y por eso siempre tendrá un sitio de honor entre mi colección.</div>
<br />Anonymousnoreply@blogger.com2tag:blogger.com,1999:blog-951302503354448812.post-61927896220826945712016-05-17T11:18:00.000+02:002018-11-30T13:19:59.886+01:0010 canciones que te cambiarán la vida<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
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<img alt="Resultado de imagen de lacrimosa tree of life" height="360" src="https://i.vimeocdn.com/video/316380632_1280x720.jpg" width="640" /></div>
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Lo más probable cuando escuchamos música es que la sintamos más como un entretenimiento, como algo que hacer mientras no hacemos nada. Quizá no sintamos que podemos extraer nada más que unos buenos acordes y una letra pegadiza. Las diez canciones que traigo hoy vienen a refutar esta planteamiento, porque la música esconde tanta filosofía como cualquier capítulo de <i>Ser y Tiempo</i>.</div>
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<br />
Son diez canciones que impactaron a mi cerebro, más allá de a mi corazón. La música parece un arte más de pulsiones, de sentimientos encontrados en el momento justo, pero también pueden provocar una profunda reflexión. <b>¿Qué hacer cuando tu libertad es nula? ¿O cuando tu vida está pasando delante de tus ojos sin que tú tengas muy claro lo que ocurre?</b> Estas y muchas otras son las preguntas que lanzan los 10 títulos de mi lista. </div>
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El orden de las canciones es estrictamente cronológico, ya que no pienso que ninguna sea mejor que otra, cada una tiene su significado e historia propios.<br />
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<b><u>1. Masters of War - Bob Dylan (1963)</u></b></div>
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No existe mejor alegato contra la violencia de los que mandan que el que Dylan realizó en este torrente de palabras. No sólo es una de sus mejores composiciones, sino que además tiene algunas de las frases más lapidarias (nunca mejor dicho) de todo su repertorio.<br />
En el instante de la composición, Dylan no era más que un adolescente, la gran promesa del <i>folk</i> americano. Y esta canción refleja su asombro ante el mundo, su horror ante lo que había descubierto sobre la existencia. El mismo asombro que podemos sentir nosotros al ver una guerra por primera vez.<br />
Porque, si lo pensamos bien, <b>¿para qué sirven las guerras?</b> Para que los poderosos sigan siéndolo, para acabar con gente inocente, para mandar a jóvenes a un sufrimiento indecible, para hacer nuestra vida peor de lo que ya es. Y el ritmo repetitivo y sombrío de su guitarra no hace más que incrementar esta sensación. Su voz nasal se vuelve oscura y fría mientras pronuncia las palabras que todos querríamos decir alguna vez a estos hombres de cemento. No puedo elegir una frase de esta canción, porque me la quedaría entera, pero sí es cierto que el final es la parte donde Dylan se muestra más despiadado:<br />
<blockquote class="tr_bq">
<div style="text-align: center;">
And I hope that you die / Y espero que muráis</div>
<div style="text-align: center;">
And your death’ll come soon / Y que vuestra muerte venga pronto I will follow your casket / Seguiré vuestro ataúd In the pale afternoon / En el pálido anochecer And I’ll watch while you’re lowered / Y observaré como os entierran Down to your deathbed / En vuestro lecho de muerte</div>
<div style="text-align: center;">
<b>And I’ll stand o’er your grave / Y me quedaré de pie en vuestra tumba</b></div>
<div style="text-align: center;">
<b>’Til I’m sure that you’re dead / Hasta que esté seguro de que estáis muertos</b></div>
</blockquote>
</div>
</div>
El autor se convierte aquí en un Señor de la Guerra pero del lado contrario, ya que estas palabras podrían entrar dentro del discurso de cualquier mandamás de los que habla. Y se convierte en uno de ellos para devolverles de su propia medicina. Lo peor de esta canción es que sigue teniendo la misma vigencia que cuando la compuso Dylan hace más de cincuenta años.<br />
<br />
Dylan encierra en su canción la pregunta fundamental <b>¿Por qué la violencia está permitida si se ordena desde arriba, pero condenada si surge desde abajo? </b><br />
<b><br /></b>
<br />
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<b><u>2. Nowhere Man - The Beatles (1965)</u></b></div>
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<b><br /></b></div>
<div style="text-align: justify;">
¿Qué les pasó a <i>The Beatles</i> en el 65? Después de haber cosechado éxitos por todo el mundo con canciones de amor para adolescentes, algo cambió en ellos. Muchos dicen que la influencia de Bob Dylan en su viaje por Estados Unidos fue crucial para un grado mayor de madurez en las letras de los Liverpool. La verdad, no me extrañaría. Pero ojo, aquí los chicos <i>más famosos que Jesucristo</i> llegaron a un nivel de composición altísimo.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<i>Nowhere Man</i>, ya lo dice el título, es una canción sobre un hombre sin lugar, sin tierra, sin vida. Un ser humano que ha venido a este mundo y no sabe muy bien a qué. Es un ser arrojado al mundo, un <i>dasein</i> como diría Heidegger. Todo el libro de Ser y Tiempo de este controvertido autor alemán está condensado en la canción de un grupo de adolescentes ingleses. Heidegger debe estar revolviéndose en su tumba.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Pero fuera de bromas, no es tan descabellada esta afirmación. Heidegger nos hablaba de un ser que venía arrojado al mundo, y que no sabía qué era, ni porque estaba allí. Y en realidad, nosotros somos ese ser. Pensamos en nuestro origen más allá de la semilla que nuestros padres elaboran y no obtenemos respuesta. Pensamos en nuestro destino final más allá de la vida y tampoco la obtenemos, Pero si pensamos en nuestro paso por el mundo de los vivos (signifique eso lo que signifique) y el sentido de nuestra existencia ¡tampoco obtenemos respuesta! Porque si alguien puede decirme porque vivimos de verdad que le recompenso con creces. </div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Y esta canción es un reflejo fiel de esta filosofía más existencialista. Pero allí donde Heidegger se preguntaba "¿Qué es Ser?" <i>The Beatles</i> no preguntan. Saben que no existe respuesta para eso y deciden otorgar el mayor de los poderes a este <i>Nowhere Man</i> que todos somos. De ahí su melodía vocal alegre y su música animada. Es un canto a la vida sin búsqueda de sentido, ya que no lo tiene.</div>
<br />
<div style="text-align: center;">
<blockquote class="tr_bq">
Doesn't have a point of view / No tiene un punto de vista<br />
Knows not where he's going to / No sabe hacia donde va<br />
<b>Isn't he a bit like you and me? / ¿No es un poco como tú y como yo?</b><br />
Nowhere Man, please listen / Nowhere Man, escucha por favor<br />
You don't know what you're missing / No sabes lo que te estás perdiendo<br />
<b>Nowhere Man, the world is at your command / Nowhere Man, el mundo está a tus pies</b></blockquote>
</div>
<div style="text-align: center;">
<b><br /></b></div>
<div style="text-align: center;">
<b><u>3. Desde el jergón - Los Enemigos (1990)</u></b></div>
<div style="text-align: center;">
<b><br /></b></div>
<div style="text-align: justify;">
<i>La sangre aún me hierve</i>... Sí, a todos nos ha pasado eso. A cualquier le ha hervido la sangre por alguna razón, pero seguramente esta razón estuviera muy relacionada con la que Josele Santiago y sus chicos exponen en esta canción. Desde el <i>rock</i> callejero más cuidado que se ha escuchado nunca <i>Los Enemigos</i> nos cuentan la historia de alguien que está en la cárcel. De alguien a quien le han privado de su libertad, de su amor, de su vida. Y que, por tanto, reniega del mundo,<br />
<br />
A <i>priori</i> podéis pensar que esta historia y la vuestra no se parecen en nada. Pero eso sería un error. Una cárcel no tiene porque tener barrotes, y la ausencia de libertad la podemos sentir en nuestra propia casa. Cualquier acción de otro que te incomode o te enfade es un acto contra tu libertad. <i>Sartre</i> decía que la libertad de uno mismo termina donde empieza la del otro, pero entonces yo podría ampliar mi libertad para que la de los demás terminara antes, o viceversa. La libertad no puede medirse a través de unos parámetros establecidos, y ese es el gran problema de las cárceles. ¿Cómo se puede pagar con tiempo de libertad por un crimen? ¿Y si ese crimen no se cometió? ¿Cómo devolver esa libertad?<br />
<blockquote class="tr_bq" style="text-align: center;">
A este lado de la puerta<br />
llegaban tus cartas ya abiertas.<br />
<b>Yo las necesito tanto </b>en el jergón, Y no llegan<br />
Y sin ellas dime,<br />
<b>dime qué me queda.</b><br />
Sigo hablando con las nubes<br />
Ellas me enseñan lo que tuve.<br />
<b>Y esto que no me sube</b><br />
Desde el jergón os maldigo<br />
<b>porque Dios se pasó, </b><b>se pasó conmigo</b>.</blockquote>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Dentro de su cerco el protagonista tiene su último reducto de libertad en las cartas que le han sido arrebatadas poco a poco. Sin ellas su libertad está perdida, ya que es la única luz al final del túnel. Por ello mira a las nubes desde su cautiverio y busca una forma de huir de todo eso: esta forma son las drogas. Porque todo aquel capaz de soñar durante 12 horas al día con la vida que le gustaría tener al final creerá que la tiene y olvidará su desastrosa vida "real". Gracias a las drogas es más fácil acercarse a esto. Pero como vemos finalmente, ni siquiera las drogas son capaces de aliviar su condena. Porque su condena ya no es algo terrenal, sino más bien espiritual, algo que sólo un Dios vengativo podría consentir.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
<b><u>4. I See a Darkness - Johnny Cash (2000)</u></b></div>
<div style="text-align: center;">
<b><br /></b></div>
<div style="text-align: justify;">
Entramos en el nuevo milenio con una canción sobre el tema fundamental de cada vida humana: la muerte. Sé que la canción no es de Johnny Cash, sino de Will Oldham (Bonnie "Prince" Billy), pero la versión de Cash me parece más adecuada para el tema que trata. </div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Durante sus últimos años de vida el mayor cantante de country de todos los tiempos lanzó seis álbumes que deberían constituir los discos de cabecera de cualquier melómano: los discos de la saga americana. Estos álbumes consiguieron un relanzamiento de la carrera de Cash al adaptar canciones de otros a su estilo de tren frenético, amén de conciliar al country con la música más comercial. El tema que nos ocupa pertenece al tercer disco de esta serie: <i>Solitary Man</i>.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Esta canción no es simplemente una descripción de la muerte, o del horror que nos supone. <b>Es más bien un intento de salvación. Un intento de huida frente a la muerte, aunque sepamos que sea imposible.</b> Y es que el amor es esa energía que hace parecer posible que seamos inmortales. Hacer que la oscuridad brille.</div>
<blockquote class="tr_bq" style="text-align: center;">
And that I see a darkness. /Y veo una oscuridad<br />
Did you know how much I love you? / ¿sabías cuanto te quiero?<br />
<b>Is a hope that somehow you, / Sólo espero que de alguna manera tú</b><b>Can save me from this darkness. / Puedas salvarme de esta oscuridad</b></blockquote>
<div style="text-align: center;">
<b><br /></b></div>
<div style="text-align: center;">
<b><u>5. I'm Waiting for my Real Life to Begin - Colin Hay (2001)</u></b><br />
<div style="text-align: justify;">
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
No lo puedo negar, conocí esta canción por una de mis series favoritas: <a href="https://www.youtube.com/watch?v=GcsrnT7Tv1o"><i>Scrubs</i></a>. Y, aunque en el momento (trágico) en el que vi el capítulo me gustó, no fue hasta más tarde cuando la canción comenzó a filtrarse en mis pensamientos. Y es que el tedio por la rutina diaria es algo sobre lo que siempre he reflexionado.</div>
</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Todos estamos esperando nuestra vida real para empezar otra vez. Todos pensamos en algún momento que nuestra vida no tiene mucho sentido, que no se valora lo que hacemos o que simplemente estamos en el lugar equivocado y en el tiempo erróneo. Esa forma de depresión que se forma alrededor del aburrimiento por la vida es expresada de manera brillante en esta canción:<br />
<blockquote class="tr_bq" style="text-align: center;">
When I awoke today suddenly nothing happened / Cuando hoy desperté, de repente no pasó nada</blockquote>
</div>
<div style="text-align: justify;">
Esa sensación de vacío, de saber que no estás en tu lugar es lo que este autor quiere expresar. <b>Pero da un camino a la esperanza: buscar y cumplir los sueños de tu vida real.</b></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
<b><u>6. El aire de la calle - Los Delinqüentes (2001)</u></b></div>
<div style="text-align: justify;">
<b><br /></b></div>
<div style="text-align: justify;">
No todo iban a ser reflexiones filosóficas sobre el vacío de la existencia. <b>También hay lugar para la felicidad, y esta canción la representa en su plenitud</b>. Porque la felicidad no es aquella meta que debemos buscar cada día; la felicidad está donde la encuentres, y puedes encontrarla tanto en una piedra del camino como en la montaña de oro más impresionante del mundo. Para Los Delinqüentes <b>la felicidad no consiste en hacer y conseguir cosas sino en disfrutar de cada cosa que hagas aunque no la consigas.</b></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Esta canción tiene una frase que siempre crea un efecto positivo en mí y es la que mejor resume la filosofía de estos amantes de la vida: </div>
<blockquote class="tr_bq" style="text-align: center;">
Yo nunca lloro porque vivo en carnavales</blockquote>
<div style="text-align: center;">
<b><u>7. Stand By - Extremoduro</u></b></div>
<div style="text-align: center;">
<b><u><br /></u></b></div>
<div style="text-align: justify;">
Ya hemos hablado en este blog de la <a href="http://www.74minutos.com/2016/02/un-beso-y-una-flor-nino-bravo.html">ausencia</a> y de la <a href="http://www.74minutos.com/2016/03/el-sitio-de-mi-recreo.html">memoria</a> en otras entradas. Y también hemos hablado de <a href="http://www.74minutos.com/2012/06/la-ley-innata.html">Extremoduro</a>. Si juntábamos todas estas cosas en una canción no podía salir nada que no fuera bueno. Y es que Robe Iniesta tiene un don para hablar de aquello pasado, de aquello que siempre estará con nosotros, aunque nunca mas vuelva a estarlo. Esta <i>power-ballad</i> nos regala una <b>historia de ausencia de la persona más importante de su vida, sin la cual esta ya no tiene sentido.</b> No hace falta hablar más de este tema, ya lo hacen excepcionalmente Extremoduro en la canción que me enganchó a ellos.</div>
<blockquote class="tr_bq" style="text-align: center;">
Bebe rubia la cerveza pa'a acordarse de su pelo.</blockquote>
<div style="text-align: center;">
<b><u>8. Common People - William Shatner</u></b></div>
<div style="text-align: center;">
<b><u><br /></u></b>
<br />
<div style="text-align: justify;">
Sí, lo sé, otro <i>cover. </i>Pero este no lo podía evitar. Mientras que la versión original de <i>Pulp</i> nunca ha sido de mi agrado la de Shatner es sublime. Capta perfectamente el mensaje que la canción quiere expresar y la transmite de una manera enérgica y potente. </div>
<div style="text-align: justify;">
Con esta canción podemos comprender la visión de aquellos que nunca han tenido una vida "común". Esto quiere decir que nunca han tenido que ir al supermercado, que no han visto como todo su <b>esfuerzo diario no se recompensa con nada, que no han tenido la sensación de que su vida jamás tendrá importancia ni significado en la historia</b>.<br />
Aunque sea una sátira de los que tienen el dinero y el poder, también es un tratado sobre los que no tienen estas dos cosas, es decir, sobre la mayoría. <b>Y es un tratado que resulta alentador para nosotros, ya que nos concede un poder sobre los de arriba: conocer mejor la vida.</b></div>
<blockquote class="tr_bq" style="text-align: center;">
You will never understand / Nunca entenderás<br />
How it feels to live your life / Lo que se siente al vivir tu vida<br />
With no meaning or control / Sin sentido ni control<br />
And with nowhere left to go / Y sin ningún sitio más al que ir</blockquote>
</div>
<div style="text-align: center;">
<b><u>9. Lacrimosa - Zgnibiew Preisner</u></b></div>
<div style="text-align: justify;">
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
Cuando Preisner compuso esta obra en honor de su amigo, el director de cine Krzystof Kiéslowski, buscaba algo que representara su tristeza al saber que una persona muy importante de su vida se había marchado para no volver. Y, aunque en un primer lugar este objetivo se cumple con creces, consiguió mucho más. No por nada Terrence Malick la eligió como banda sonora de <a href="https://www.youtube.com/watch?v=JmnYqKl1LzE">su escena de la creación del universo en su película <i>El árbol de la vida</i></a>. </div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<b>Al escuchar esta pieza me sucede algo muy curioso: siento que entiendo la vida.</b> Siento que todo en el universo forma un rompecabezas y que sólo yo conozco la situación de cada uno de sus elementos. Tal vez sea por Malick, Tal vez sea por Kiéslowski. Tal vez por Preisner. Pero lo cierto es que la belleza de la obra hace que vuelva a confiar por momentos en el ser humano.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<div style="text-align: center;">
<u><b>10. Little Talks - Of Monsters and Men</b></u></div>
<u><b><br /></b></u>
Y por último una canción de lo más perturbadora. Su ritmo, su melodía, sus instrumentos...todo en esta canción suena alegre, suena feliz. Suena a que la historia que cuenta es algo divertido. Nada más lejos de la realidad. <b>Lo que esta obra nos está explicando es el terrible viaje de una persona hacia la locura</b>, mientras que la otra persona que está a su lado poco a poco siente que la va perdiendo.<br />
<br />
Quizá para hacerla más perturbadora se introdujo este sonido alegre, para transmitir esa locura que iba consumiendo la mente de la protagonista mientras ella no se daba cuenta de su caída. Esa enfermedad que hemos venido a llamar locura no es sino otra cosa que el hecho de no ver las cosas como el común de los mortales. Pero realmente esto no quiere decir que su mente funcione de manera errónea, solo funciona diferente. El problema aparece cuando no se puede acceder a sus pensamientos, a su lógica, ya que sería como estar en dos universos paralelos e intentar hablar.<br />
<br />
La lucha que el protagonista mantiene por traer de vuelta a su amada es lo que todos intentaríamos: intentar que su cerebro vuelva a actuar como el nuestro y así volver a ser un solo ser. Aunque en esta ocasión parece que es demasiado tarde.<br />
<blockquote class="tr_bq">
<div style="text-align: center;">
There's an old voice in my head that's holding me back / Hay una voz anciana en mi cabeza que me sujeta</div>
<div style="text-align: center;">
Well tell her that I miss our little talks / Dile que echo de menos nuestras charlas</div>
<div style="text-align: center;">
<b>Soon it will be over and buried with our past / Pronto todo eso habrá desaparecido y está enterrado con nuestro pasado</b></div>
<div style="text-align: center;">
We used to play outside when we were young / Solíamos jugar fuera cuando éramos jóvenes</div>
<div style="text-align: center;">
And full of life and full of love. / Llenos de vida y de amor.</div>
</blockquote>
</div>
</div>
</div>
Anonymousnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-951302503354448812.post-55316622866761241512016-04-02T18:10:00.000+02:002018-11-30T13:22:48.598+01:00Crooner - Bertín Osborne (o el perfecto manual de cómo cantar en la ducha)<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
<div style="text-align: justify;">
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
<div style="text-align: center;">
</div>
<div style="text-align: center;">
<img alt="Resultado de imagen de crooner bertin" src="https://images-na.ssl-images-amazon.com/images/I/71ZHRQAI3cL._SY355_.jpg" /></div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
Estás en tu habitación tranquilamente. Te miras al espejo y piensas en lo guapo que eres y cómo has seducido a millones de mujeres sólo con tu presencia. Empiezas a desvestirte sin prisa, deleitándote con tu sobrenatural cuerpo. Vas hacia el baño, recorriendo una casa de ensueño realizada por los mejores diseñadores de interiores. Entras para prepararte una relajante ducha, pero no sin antes poner algo de música para amenizar el ritual de la limpieza corporal. La canción, interpretada por Frank Sinatra, resuena por todo el habitáculo y tú te introduces en la ducha tarareándola. Progresivamente te vas viniendo arriba y te pones a imitar a Sinatra dejándote la garganta en el intento. <b>Y, de repente, una <i>big band</i> de 17 músicos irrumpe en tu momento de <i>relax</i> y pone música en directo a tu vaporosa imitación.</b></div>
<div style="text-align: justify;">
<b><br /></b></div>
<div style="text-align: justify;">
Algo parecido es lo que le tuvo que pasar a Bertín Osborne cuando grabó este disco. El hombre del momento, que tiene más trabajos que toda la población española y que cada semana ha estado en las casas de millones de personas gracias a su programa de colegueo <i>En la tuya o en la mía</i>, se ha lanzado a la aventura de volver atrás en el tiempo para convertirse en un <i>crooner</i> al más puro estilo <i>old school</i>. Y aunque recursos no le faltan (la <i>big band</i> es una de las más demandadas de nuestro país: <i>The Bob Sands Big Band;</i> la publicidad es brutal -sea en su programa u otros a los que le invitan-; y hasta ha adaptado alguno de los temas a español) el resultado es el mismo que el descrito en el primer párrafo. El intérprete podías ser tú cantando en la ducha, o yo, o tu padre. Hasta tu gato.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Y, contrariamente a mi visión sobre este disco, sus acólitos son numerosos. No faltan los aduladores que creen que este <i style="color: #333333; font-family: Raleway, Arial, sans-serif; font-size: 16px; line-height: 26px; text-align: left;"><a href="http://www.laguiago.com/noticias-de-musica/bertin-osborne-convertido-en-crooner-en-su-nuevo-disco/">‘Crooner’ saca lo mejor de Bertín, en la que probablemente sea la mejor interpretación vocal de su carrera</a>.</i> Espero que esta afirmación sea como decir que <i>Kiko Rivera</i> ha hecho la mejor interpretación vocal de su carrera. Asimismo, nos encontramos con que el disco ya ha conseguido la distinción de <i>disco de oro</i> por sus ventas. Y ojo, tampoco le hace falta a este hombre que le lluevan los cumplidos, porque ya se los hace él mismo, afirmando exactamente lo mismo que sus <i>groupies</i> que esta es la <a href="http://www.efe.com/efe/espana/gente/bertin-osborne-crooner-es-sin-duda-la-mejor-interpretacion-vocal-de-mi-vida/10007-2764376"><i>mejor interpretación vocal de su vida</i>.</a> Me reafirmo en lo dicho anteriormente.<br />
<br />
Si Frank Domínguez nos enseñó con <i><a href="https://www.youtube.com/watch?v=_D4GLQ3vOhg">Tu me acostumbraste</a></i> que el amor es algo que puede cambiar hasta nuestra forma de ser, <a href="https://play.spotify.com/track/1ohmmL4zaDBt5JgvEapptI">lo que hace Bertín</a> aquí nos enseñaría a desenamorarte de esa persona para siempre. Una interpretación básicamente hablada con unos <i>vibratos </i>muy extraños al final de cada fraseo para simular que está cantando algo. La sensación que deja esta técnica es como la de estar escuchando a alguien que se le ha atragantado una naranja entera. Seguiríamos con <i><a href="https://www.google.es/url?sa=t&rct=j&q=&esrc=s&source=video&cd=2&cad=rja&uact=8&ved=0ahUKEwj43cPVwu_LAhUEAxoKHafkDw4QtwIIHzAB&url=https%3A%2F%2Fwww.youtube.com%2Fwatch%3Fv%3DR1j1RRWcYSg&usg=AFQjCNFmYy3b3qi5scp-uWzp9zyGYyhJrw&sig2=P9vUSN0-IzYQAE7QpyvLGQ&bvm=bv.118443451,d.d2s">Can't take my eyes off you</a></i>, un clásico de las canciones de amor. Con Frankie Valli sentíamos que estaba hablando a su pareja y la felicidad que desprendía era causa directamente proporcional del amor hacia ella. <a href="https://play.spotify.com/track/59AEJzkdmbj0axQfu9FaLv">Con Bertín lo que sentimos</a> es que se está cantando a sí mismo.<br />
<br />
Sí, Bertín es un aventurero, un explorador y se atreve con todo. <a href="https://play.spotify.com/track/59AEJzkdmbj0axQfu9FaLv">No contento con versionar esta preciosa canción</a> de<i> Eric Clapton, </i>también la ha adaptado al castellano. Impresionante. La podía haber hecho ranchera también. En fin, creo que no hace falta ni comentarlas. Aunque eso sí, con la letra en español me he reído mucho.<br />
<br />
Y llegamos al cénit del disco. Bertín se pone en la piel del cantante americano más conocido de todos los tiempos, <i>Frank Sinatra</i>. No le llamaban "La Voz" porque transmitiera los mensajes de Dios a los mortales, sino porque cantaba como si del ser supremo se tratase. Cuando comienza <i><a href="https://play.spotify.com/track/59AEJzkdmbj0axQfu9FaLv">Fly me to the moon</a> </i>y la voz de Sinatra entra en acción vemos como su potencia traspasa la música que lo acompaña. Y sí, sé que la canción no es de Sinatra ni fue el primer intérprete de ésta, pero una vez la cantó él las demás versiones quedaron obsoletas. Atraviesa los vientos de su <i>Big Band</i> hasta llegar a la luna y regresar habiéndote enseñado las estrellas por el camino. <a href="https://play.spotify.com/track/3dEVcCRsQfuAuKLifjDdPI">Cuando comienza la versión de Bertín</a> al único sitio que consigue transportarnos es a Albacete como mucho. No atraviesa nada, más bien se estampa con los vientos y vuelve ese <i>vibrato</i> con el que no demuestra más que que la voz que tiene es más limitada que una autovía a 50.<br />
<br />
Y hasta aquí llega mi análisis, porque os juro que lo he intentado, pero no he podido seguir escuchando nada más. Con la última canción ya he quedado bastante traumatizado. Creo que si la Inquisición hubiera tenido este disco lo habría utilizado en sus sesiones de interrogatorio. Yo, por mi parte, voy a ir a la ducha a cantar <i>Like a Rolling Stone</i>, a ver si tengo la misma suerte que nuestro protagonista y aparece Bob Dylan a cantarla conmigo.<br />
<br /></div>
Anonymousnoreply@blogger.com2tag:blogger.com,1999:blog-951302503354448812.post-49695199022398700422016-03-28T17:55:00.000+02:002018-11-30T13:28:48.979+01:00El sitio de mi recreo. Antonio Vega, Bergman y la memoria<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
<div style="text-align: justify;">
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
<br /></div>
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<br />
<div style="text-align: justify;">
<div style="text-align: center;">
<img alt="Resultado de imagen de fresas salvajes" height="374" src="https://filasiete.com/wp-content/uploads/2017/02/fresassalvajes.jpg" width="640" /></div>
<br />
Los recuerdos son lo que nos hace humanos. Son
momentos de vida que nos convierten en personas. Lo que nos hace escapar
de la muerte por un segundo y creer que nuestra existencia es infinita. Porque
no hay mayor espejismo que la vida, que el engaño de olvidar momentáneamente en
la muerte.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<b>Heidegger</b> nos habló de algo que
existía y que había nacido para la muerte: un <i>ser-para-la-muerte</i>.
Indefectiblemente, se refería a nosotros, a su propia especie. Un ser arrojado
al mundo que poco entendía de su existencia. Según <b>Borges</b>, la raza
humana es la única que tiene conciencia de su destino final, por lo que puede
disfrutar la vida con mayor deseo y placer, aunque también con miedo y
nostalgia. Las demás no tendrían conciencia de su mortalidad, por lo que al
llegar el momento del final les sería totalmente indiferente. No sabrían qué
ocurre, simplemente ocurriría.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<b>Cuando cae el telón</b> que oculta ese engaño
que nos hacemos durante toda nuestra existencia, cuando la muerte está tan
cerca que es imposible no sentirla, es cuando surgen obras que nos muestran
algo que era imposible observar, que nos enseñan algo de la verdad de la que
evitamos hablar. Y los recuerdos son algo vital dentro de estas piezas, ya que
ellos son la balsa que nos mantiene a flote en este embravecido mar.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Desde sus comienzos, <b>Antonio Vega </b>fue un artista con una tremenda
sensibilidad. Sus canciones (que pronto se convirtieron en himnos
generacionales del movimiento sociocultural que más influenció en la sociedad
española: la <i>Movida Madrileña)</i> no son simples <i>singles</i> que
tararear, esconden un bagaje mucho más profundo y una capacidad innata
de transportarnos a otro mundo. Esto lo consigue gracias a ese toque
intimista que brinda a sus melodías y a la aparente simplicidad de sus
composiciones. Son canciones que parecen estar desnudas, mostrando lo más
profundo del artista que las canta. Desde su voz, quebrada y frágil, hasta lo
minimalista de su música, con unos arreglos que podrían haber sido sacados del <i>folk</i> más
primario (de ese que practicaban y eran amos <b>Lead Belly</b> o <b>Woody
Guthrie</b>) pasando por su propia persona, siempre consumido y atormentado,
siempre al borde del abismo, debido principalmente a su universo particular de
drogas. Todo en la obra de Antonio Vega nos hace pensar en un mundo aparte,
donde el mar es la quietud y la calma, donde es posible relajarse tumbado al
sol y disfrutar de un paseo por un campo repleto de trigo, pero sabiendo que
nada de eso hará mejorar nuestras vidas, porque<b> la existencia es tan frágil como
la voz de un narrador en el clímax de su novela.</b></div>
<br />
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aunque mucho de la obra de este artista sea así, hay una canción que
sobresale por encima de cualquier otra de su repertorio. Estoy hablando,
por supuesto, de <i>El sitio de mi Recreo</i>.<br />
<div>
<div style="text-align: justify;">
<br />
<div style="text-align: center;">
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El "recreo" es una palabra que <b>nos transporta inevitablemente a la infancia.</b> A algo bueno de ese período, a ese momento en el que te reunías con tus amigos fuera de clase, fuera de la autoridad, fuera de la vigilancia. A ese lugar que siempre simbolizará la libertad. A ese lugar al que todos en algún momento nos gustaría volver.<span style="color: purple;"> <span style="color: black;">Como un gran campo de</span></span> <a href="http://www.filmaffinity.com/es/film924464.html">Fresas Salvajes</a>. Porque no nos engañemos: la experiencia que nos muestra el sueco <b>Ingmar Bergman</b> en esta película sobre el profesor Borg no es sino el antecedente más claro y significativo de la canción de <b>Vega</b>. Las dos obras nos hablan desde una posición muy parecida de algo muy similar: se nos habla de aquello que ya no está pero que debería volver; de los momentos más felices de nuestra vida donde no existían las preocupaciones de la rutina. Se nos habla de ese momento en el que no hace falta buscarle un significado a la vida. Y también de ese recreo como el único refugio contra el final más temido. La búsqueda de este lugar no es sino un intento de volver al punto de partida, al instante en el que éramos como los animales de <b>Borges</b> y no sentíamos miedo a la muerte.<br />
<br />
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Pero eso no es todo, <b>se nos habla del recreo de nuestra vida</b>. Y
aunque en un primer momento esto pueda parecer solamente un punto exacto de nuestra existencia, poco a poco ambas obras van evolucionando hasta
una persona. Una persona que es, o hubiera sido, nuestro recreo. Ambas hablan
con nostalgia de ella, quizá fuera porque el recreo se podría haber alargado
más, o quizá porque no se aprovechó lo suficiente. El centro de todo esto es que
gracias a esa persona carecía de importancia buscarle un sentido a la vida,
porque ella ya se lo daba.<br />
<br />
Y las similitudes no son baladíes. Estoy convencido que Vega vio esta
película, porque parece que compuso la banda sonora para la misma. Tenemos unos
arpegios de guitarra tan simples como bellos. En la película de <b>Bergman</b>
(contrariamente a lo que solía hacer en sus películas, como <i>El Séptimo Sello
o La hora del lobo</i>), nos encontramos con imágenes que intentan transmitir
la vida tal cual la vivimos y la recordamos, lo que hace que cualquiera pueda
verse identificado en ellas, esté interesado en reflexiones filosóficas o no.
Los artistas aquí no intentan imponer su visión sobre el mundo, no están
formulando preguntas sobre la existencia; <b>están intentando huir de su
mortalidad.</b><br />
<br />
Por esta búsqueda es por la que <b>nos encontramos con dos obras despojadas
de todo artificio</b>, de cualquier cosa que pudiera entorpecer el desarrollo
de la historia, de la ofrenda a la que estamos asistiendo. Vemos como <b>Vega</b>
apenas tiene más instrumentación que su guitarra durante toda la canción, con
un tímido piano central que ofrece una bifurcación del mismo camino y unos
efectos de sintetizador que aportan el añadido onírico que busca la canción en
su senda introspectiva. Mientras que <b>Bergman</b> nos da poco más que sueños
del profesor <b>Borg</b> para saber de sus angustias y el escenario de su
infancia, los demás personajes no son más que representaciones de todas las
facetas del protagonista, así como de todo lo que ha ido perdiendo o que
todavía anhela.<br />
<br />
Esto es así porque así son las cosas en la infancia: todo aquello a lo
que más tarde damos valor no es sino una regla social dentro del contrato al
que estamos sometidos los adultos. Lo realmente importante está ahí y eso es lo
que busca <b>Vega</b>, y también es lo que busca el profesor Borg. Y se observa
arrepentimiento en los ojos de <b>Borg</b> y en la voz de Vega. Arrepentimiento
por no haber disfrutado más de su recreo cuando el final parece estar tan
próximo, por no haber sujetado con fuerza ese instante o a esa persona que
simbolizaba el hogar. <b>El hogar en el que estar cuando cae el telón.</b><br />
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</div>
<div style="text-align: justify;">
<div style="text-align: left;">
</div>
<div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-vW-jUio2sxc/Xy_XTS0I7mI/AAAAAAAAL-I/Y_VRmULahUEdWrcuV6HKgvDAm7gU6_HyQCLcBGAsYHQ/s299/images.jpeg" imageanchor="1" style="display: block; padding: 1em 0px; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="169" data-original-width="299" height="330" src="https://1.bp.blogspot.com/-vW-jUio2sxc/Xy_XTS0I7mI/AAAAAAAAL-I/Y_VRmULahUEdWrcuV6HKgvDAm7gU6_HyQCLcBGAsYHQ/w585-h330/images.jpeg" width="585" /></a></div><div style="text-align: center;"><br /></div>
Cuando se habla de Nino Bravo siempre aparecen expresiones del tipo: "una de las mejores voces de la música española", "artista inigualable" o "pérdida irreparable para nuestra música". Pero esa condición tan especial del artista no viene solo dada por los hechos que acompañan a estas afirmaciones. No voy a hablar de cómo ha cantado o si ha dejado un legado irreprochable en la música hasta su trágica desaparición o no. Hoy quiero hacer algo más que eso y es descubrir porqué los jóvenes de ahora recuerdan a este prodigioso cantante con un afecto y un cariño que ningún artista de su generación ha podido igualar.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
</div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="text-align: justify;">Podríamos pensar que su muerte temprana ayudó en este terreno, pero en realidad lo único que esto despertó fue su carrera comercial aún más de lo que había conseguido en vida. Se sucedieron los homenajes, los duetos póstumos y las reediciones, fueran estas con material inédito o no. La más reciente, <a href="https://open.spotify.com/album/0tdA2Hk8f8FLhbn1ei4VJR"><i>Nino Bravo en Libertad</i> </a>bajo la producción de Guille Milkyway de </span><span style="text-align: justify;"><b>La Casa Azul</b></span><span style="text-align: justify;"> no es sino una muestra más de cómo<b> el poder magnético de este artista sigue muy presente en las nuevas generaciones.</b></span><br />
<span style="text-align: justify;"><br /></span></div>
<div style="color: black; letter-spacing: normal; margin: 0px; text-align: left; text-indent: 0px; text-transform: none; white-space: normal; word-spacing: 0px;">
</div>
<div style="text-align: justify;">
Podríamos pensar también que su característica voz contribuyó a hacer crecer su leyenda. Pero esto sería más bien un dato residual, ya que encontraríamos voces similares como la de <b><a href="https://open.spotify.com/track/4rx9mlV9S1kHsQ6J3S5Ctd">Francisco</a></b> en el ámbito nacional o la de <b><a href="https://open.spotify.com/track/5eiuzABXvaa64Inj5FRqSo">Tom Jones</a></b> en el internacional, que aunque siguieron un camino diferente, podrían haber cosechado ese mismo sentimiento gracias a su torrente vocal. Pero no lo hicieron, o al menos no de una forma tan profunda.<br />
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Quizá <b>su vida fuera del escenario fuese la que conquistó al público.</b> Fue un hombre de origen humilde, que creció en el mundo de la música con poca ayuda ajena. Gracias a su voz, su carrera tuvo un ascenso considerable, llegando a estar cerca de ganar algunos concursos importantes (aunque nunca llegó a hacerlo). Vendió discos en vida, pero su gran éxito vino después de la muerte. Nunca abandonó su Valencia natal para trasladarse a la capital, lo que le habría dado la llave a nuevas puertas. Él no deseaba dejar su tierra, ni a los suyos. Se casó joven, y su familia era un pilar fundamental en su vida, no pasaba mucho tiempo fuera. El conjunto de todo esto desemboca en un tremendo amor de nuestros antepasados por este artista. Y de aquí parte la clave del sentimiento que se ha desarrollado en las nuevas generaciones hacia el cantante.<br />
<br />
<b>La obra de Nino Bravo, intencionadamente o no, trata en su mayor parte de la ausencia.</b> Sus temas más conocidos y recordados llevan implícita y explícitamente este mensaje. <i><a href="https://open.spotify.com/track/4OttJE7ma0EoguZ4EDUiOo">Cartas amarillas</a></i> habla de la ausencia de la persona amada y la búsqueda incesante de algún recuerdo suyo para traerlo de vuelta. <i><a href="https://open.spotify.com/track/1uAjXdRxH2PBCKGSWPagGJ">Libre</a></i> habla de la ausencia misma de libertad (basada en el primer hombre que intentó cruzar el Muro de Berlín, Peter Fechter), que se puede encontrar tras una alambrada o en la propia mente de cada persona. Según esta canción, la liberación solo se consigue tras la muerte, tras el derrame sobre el pecho del protagonista de "flores carmesí", ya que en esta no existe ninguna cadena más. <i><a href="https://open.spotify.com/track/2H6pXO5yKat03sbr1ERzZv">Noelia</a></i> no es sino la incesante búsqueda de aquello que se fue para no volver. <i><a href="https://open.spotify.com/track/5jLC2SDvgaYLYw2JapQ3s0">Esa será mi casa</a></i> es el canto del que no dejará su hogar aunque le tenga que decir adiós. Y su canción más recordada, <i><a href="https://open.spotify.com/track/5IU4JO2cpa0wPK8oQWFfCr">Un beso y una flor</a> </i>es<i> </i>una burla a la muerte y a su intención de romper el amor que les une. Es la muerte un simple viaje en el que el único equipaje que necesita es "un beso y una flor, un te quiero, una caricia y un adiós". Nino Bravo promete a su amada que volverá a su lado cultivando una esperanza que más tarde, nosotros traduciremos en nuestros seres queridos.<br />
<br />
Gracias a los mensajes de estas canciones podemos rememorar momentos que nos transportan con esa persona que hoy está ausente. Podemos "vivir pensando en sus sonrisas". Volvemos una y otra vez a esos instantes que marcaron nuestra vida en cierto momento gracias a quien todavía nos regala "besos y flores". En mi caso, escuchar estas canciones me lleva a cantar por el pasillo de mi casa intentando imitar la voz de Nino Bravo. A monedas de 100 pesetas y caramelos de Pictolín; a aprender a jugar al tute y pasar tardes enteras entre los visillos de una estufa de mesa; a <i>cassettes</i> que rebobinar para volver a escuchar <i><a href="https://open.spotify.com/track/7BSkfzDR4Bk4vumjEKukYp">América América</a></i>; a cortar la comida con navaja y a latas de atún para almorzar.<br />
<br />
Hoy, con cada una de las notas de sus canciones, aletean en mi recuerdo estos momentos congelados por la ausencia.</div>
Anonymousnoreply@blogger.com8tag:blogger.com,1999:blog-951302503354448812.post-37545649572102102782016-02-08T18:43:00.001+01:002018-11-30T13:29:30.836+01:00El ruido y la furia. Historia mínima del Death Metal en 10 canciones<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/9/98/Morbid_Angel_live_in_2006.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="426" src="https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/9/98/Morbid_Angel_live_in_2006.jpg" width="640" /></a></div>
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Algunos de vosotros quizá hayáis llegado aquí pensando en que esta entrada versaría sobre <b>William Faulkner.</b> Lamento decepcionaros, pero no encontraréis nada sobre su obra ni su figura aquí. Al menos no literalmente. Porque aunque posiblemente no le hubiera gustado este género musical, la temática de éste y la de <b>Faulkner</b> tienen mucha relación. Retrató mejor que nadie las pasiones humanas más bajas y horribles en su amplio escenario del sur americano. Influyó en muchísimas obras que vendrían después y estoy convencido que sus libros y su temática han sido los preferidos por muchos de los grupos de los que vamos a hablar aquí.<br />
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Para la mayoría de vosotros -como para mí al principio- el <i>death metal</i> significará ruido. Ruido que tu cabeza no puede soportar. Algo tan indescriptiblemente inhumano que parece hecho por bestias. Esa voz gutural que machaca las entrañas, esa batería a la velocidad de la luz, con <i>beats</i> que podría realizar sólo un pulpo con dotes musicales. Esas guitarras tan aceradas que podrían solidificarse en una espada. Esos bajos que dejarían en calzoncillos a <b>Barry White</b>...</div>
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Entiendo el esceptiscismo con esta música, esa repulsión que provoca normalmente, pero este género va más allá. Hay que verlo como una montaña. Como si una montaña gigante viniera hacia ti y no tuvieras escapatoria. Como si un oceáno entero quisiera tragarte entre sus aguas y luego vomitarte en una isla desierta con escasos recursos para sobrevivir. Como si la tierra se abriera y tú cayeras tan hondo que dejaras de ver la luz del sol. Todo esto es el <i>Death Metal</i> y mucho más.<br />
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Es difícil expresar las emociones y los sentimientos humanos. Es lo que ha tratado de hacer el arte desde que existe. Las primeras pinturas rupestres ya ejercían ese enigmático poder sobre los que las observaban, ya fuera infligiendo miedo a través de extrañas criaturas o intentando establecer una conexión con algo que estuviera más allá de la vida. Y la furia, el horror, el odio, la frustración o el resentimiento son también emociones humanas. Y muy importantes.<br />
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Pero dentro de la música estas emociones habían pasado desapercibidas. Era más rentable expresar el amor o la tristeza, porque es mucho más sencillo sentirse identificado con estas emociones que con algo que finalmente hará recordar cosas que te pondrán furioso, que te horrizarán hasta límites insospechados o te asquearán más allá de la razón. O que te harán recordar que vas a morir, cosa todavía menos deseable para cualquier ser humano.<br />
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Y, como si propio nombre indica, este género trata sobre la muerte. Se basa en ella para existir y la define de formas muy violentas por lo general. Los grandes grupos del género siempre han intentado recrear la muerte y todo lo que la rodea de manera que se banalice en gran medida. Hablar de como tus entrañas se van consumiendo por gusanos es bastante gráfico, pero también, de alguna manera, divertido. Se ve a la muerte como un proceso más, algo que está ahí y que no podremos evitar, pero a la vez algo que no tendríamos que temer tanto.<br />
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Es cierto, este género no es fácilmente digerible. Machacará tus sesos sin compasión, pero no lo hace porque sí. Para recrear todas las emociones y los sentimientos que quiere expresar no podría hacerlo de otra manera. La poesía también se puede escuchar en sus sonidos atonales y disonantes. La sensación que produce es algo parecido a leer a <b>Paul Celan</b>: se quedará marcado a fuego en tu memoria como algo terrible, pero también necesario.<br />
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Aunque sienta este género así, he de reconocer que no es algo que escuche habitualmente. Se necesita un estado de ánimo particular para que entre de la manera adecuada, no se puede poner de fondo, no se puede escuchar sin más. Tienes que estar en posesión de un espíritu amable para hacerlo, ya que sino es posible que nunca más vuelvas a intentar escuchar una canción de este controvertido género. Y eso sería un error.<br />
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Aquí tenéis una lista de Spotify con las diez canciones en cuestión. No son todas, no están todos, pero sí los necesarios.<br />
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<iframe allowtransparency="true" frameborder="0" height="100" src="https://embed.spotify.com/?uri=spotify%3Auser%3A74minutos%3Aplaylist%3A0ggYksGx2UPumJUDOUve1w" width="600"></iframe>
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<b><u>Black Magic - Slayer</u></b></div>
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No podría empezar a hablar del <i>Death Metal</i> sin mencionar a <b>Slayer.</b> Hace mucho tiempo leí una entrevista a un cantante de una banda de <i>death</i> (no me acuerdo muy bien de cuál, pero apostaría a que era <b>Malevolent Creation</b>) en la cual decía que la primera banda que escuchó del género fue <b>Slayer</b>. Que le había impactado e influenciado la maldad que se percibía en su música y que fue la primera que escuchó que consiguió eso. Creo que este cantante -para mí ahora mismo desconocido- tenía mucha razón. <b>Slayer</b> elevó el <i>thrash </i>a un nuevo nivel de rapidez, de brutalidad y de poder. Fueron los cimientos de esta música tremebunda. La muestra está extraída de su primer álbum <i>Show no Mercy, </i>de 1983.<br />
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Como anécdota y ejemplo de influencia en el posterior desarrollo del género, <a href="https://www.youtube.com/watch?v=XYbWEFmeMa4">aquí podemos ver y escuchar a <b>Death</b></a> tocando este tema.<br />
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<b><u>Seven Churches - Possesed</u></b></div>
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No es fácil describir a los padrinos del género. Una mezcla de <i>thrash, black</i> y letras infernales. A partir del minuto 1:20 podemos encontrar una aceleración que mira muy de cerca a Slayer, pero <b>Possesed</b> consiguieron algo más. Aparte de que el nombre de <i>death metal</i> aparecería por su primera maqueta homónima, la malévola voz de Jeff Becerra consigue transportarnos a ese mundo de crueldad y maldad, a ese lado también humano que el género vendría a representar durante toda su trayectoria. No es una canción pulida, es un sonido sucio y poco cuidado, pero no hace falta que sea nada más. Es una amenaza. Esto son los inicios del estilo, una canción que muchos que vendrán después tendrían para siempre en su memoria.<br />
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<b><u>Lack of Comprehension - </u></b><b><u>Death</u></b></div>
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Y si <b>Possesed</b> fueron los que vieron nacer a la criatura, <b>Death</b> fueron los que hicieron que esta creciera y se convirtiera en adulta. Estos dos grupos, como Cervantes y Shakespeare, elaboraron dos formas muy diferentes de cocinar el estilo y, por ello, separaron los caminos que más tarde se convertirían en senderos a seguir y ampliar. Los discípulos de <b>Possesed</b> quizá sean más numerosos (aquellos que recogieron el testigo de la agresividad y la brutalidad sin mayores pretensiones), pero los de <b>Death </b>no son menos acérrimos. Hemos visto como la agresividad de <b>Possesed</b> se basaba principalmente en guitarras afiladas, sección rítmica a la velocidad de la luz y una voz que parecía sangrar en cada estrofa. Buscaban más una música amenazante que captadora de emociones. Pero <b>Death</b> fue más allá. <i>Lack of Comprehension </i>es la mejor muestra de ello. La técnica se convirtió en algo fundamental para tocar música con esta potencia. El conjunto era algo tan compacto como una apisonadora. Este grupo fue algo más que un simple escalón en la evolución del género. Gracias a ellos se pudo llegar a niveles de sofisticación que no podrían haberse ni siquiera pensado para algo tan brutal. La voz de Schuldiner ya no es esa que parecía cantarle a Satán. Su voz parece la de alguien que ha venido de entre los muertos para contarnos todo lo malo que existe en el mundo. Y para ello se acompaña de un muro de sonido que habría asustado a <b>Phil Spector</b>. Ni siquiera el aire puede traspasar la intrincada tela que tejen Schuldiner y sus chicos. El sentimiento que desprende esta música ya no es tanto terror como furia. Pero una furia que no se dirige contra el oyente. Furia contra la humanidad y contra todo lo que nos hace ser malvados. Las letras también se alejan bastante de lo que vendrá a ser el tópico en el género, ya que tratan de ser bastante más instrospectivas, sin hablar de violencia descarnada gratuitamente. La madurez había llegado.<br />
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<u><b>Liege of Inveracity - Suffocation</b></u></div>
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Y de repente, nació un hermano pequeño. Un hermano que ganaría en maldad y brutalidad al anterior y se lo comería poco más tarde. Este hermano vino de la mano de <b>Suffocation. </b>En <i>Liege of Inveracity</i> nos encontramos una música más extrema si cabe que la anterior. Aquí la voz ya se ha convertido en algo que nada tiene que ver con algo humano. Se transforma en algo más parecido a un monstruo marino que sale de las profundidades de su guarida. Frank Mullen fue el encargado de llevarse la medalla de pionero en este ejercicio vocal y su papel es indiscutible. He de confesar que el primer grupo que escuché en mi vida de este género fue <b>Suffocation</b>. Y lo hice con su álbum de reaparición <i>Souls to Deny</i>. Me dejó completamente en shock. No me gustaba, pero había algo que me atraía, que me enganchaba a escuchar la canción una y otra vez. Inmediatamente, asocié <i>death metal</i> con <b>Suffocation</b>. Esto hacía que ninguna de las demás bandas que escuchaba del género encajaran en mi perfil, amén de resultarme bastante planas. Cuando me adentré más en este mundo, descubrí que este hermano pequeño que habían creado se llamaba <i>brutal death metal</i> y que no todo el <i>death metal</i> era así. Me abrió un mundo de posibilidades. Pero <b>Suffocation</b> siempre siguieron ahí, y esto fue gracias a su cantante. La voz que consigue Mullen es algo totalmente indescriptible, es algo tan extremadamente brutal que no tiene sentido que suene a la vez tan limpia, tan poco rasposa o rugosa. Es algo así como si a un tenor le brotaran oscuros ríos a través de su garganta.<br />
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Pero este grupo no fue sólo pionero en el subgénero del <i>brutal</i>, también lo fue en el <i>Slam</i>. Y esto fue debido a un corte que podemos escuchar en el minuto 2:50 de la canción integrante de la lista. Ese <i>break</i> dejaría marcados a generaciones posteriores para desarrollar otros estilos con giros y diferentes ritmos que diferían de los clásicos. Asimismo, <b>Suffocation</b> desarrollaron la vertiente más técnica de <b>Death</b> transformándola y convirtiéndola en algo más extremo y potente. Se abría el camino para el <i>death metal</i> más técnico y poderoso.<br />
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<b><u>I Cum Blood - Cannibal Corpse</u></b></div>
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Y ese camino lo siguieron <b>Cannibal Corpse</b> de forma insana. Recogiendo el testigo de la amenaza y la brutalidad más blasfema de <b>Possesed</b>, los chicos de Búfalo llevaron el género al extremo más salvaje de la música. El gemelo siniestro y retorcido del <i>brutal death metal</i> había venido y no pensaba irse sin luchar hasta su muerte (bueno, más bien hasta la tuya). Esta canción me da escalofríos cada vez que leo la enfermiza letra. Al igual que me ocurre con las historias del Marqués de Sade, las de Chris Barnes son indeciblemente insanas. Pero estas no intentan buscar una justificación teórica como las del gran Marqués, sino que es algo enfermizo porque sí. Porque existe, porque es algo que ocurre todos los días. Y porque alguien debía plasmarlo de una forma artística y darle una salida. No he escuchado nada tan amenazante como la voz de Chris Barnes, sobre todo en la canción de muestra: <i>I Cum Blood</i>. Parece que la música intente pegarte a cada paso, como si tú estuvieras corriendo por unas callas completamente desiertas y detrás de ti alguien te persiguiera con la indefectible intención de causarte el mayor de los males. Y que poco a poco se va acercando más y más, mientras tú desfalleces debido a la presión que está ejerciendo esta presencia sobre tu persona. Y al final, siempre te atrapa.<br />
Nunca he escuchado nada igual, y creo que esto es la máxima expresión de lo que el <i>brutal</i> es.<br />
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<b><u>Heartwork - Carcass</u></b></div>
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La obra de <b>Carcass</b> dentro del metal debería tener un lugar de honor, algo así como patrimonio de la Humanidad por la UNESCO. Inventores y propulsores en su anterior obra del <i>grindcore</i>, no quisieron quedarse y estancarse en un estilo determinado, evolucionando hacia sonidos más depurados y melódicos. Nace así el <i>death metal melódico</i> que más tarde harían famosos otros grupos como <b>Arch Enemy, In Flames o Children of Bodom</b> con mayor o menor acierto. <b>Carcass</b> aquí descarga de una forma espectacular sobre el oyente con una serie de sonidos que muestran claramente que no han perdido su brutalidad, pero al mismo tiempo encontramos elementos más propios de otros estilos. Asimismo escuchamos un sonido más amplio, más libre, no tan saturado como los anteriores que hemos comentado. Mientras que la música de CC o <b>Suffocation</b> ejercía un poder asfixiante sobre el oyente a través de su densidad, <b>Carcass</b> abre el espacio y muestra por ejemplo unos solos de guitarra que bien podían realizarse en bandas como <b>Journey</b>, pero que al momento se convierten en balas silbando por el campo de batalla. Su legado es incontable ahora mismo y sin ellos la escena hubiera sido mucho menos colorida.<br />
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<b><u>The Leper Affinity - Opeth</u></b></div>
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Y qué decir de los <b>Dream Theater</b> del metal más extremo. Genios indiscutibles de la técnica, continuaron el sendero abierto por <b>Death</b> y lo ampliaron como todavía nadie ha hecho en este estilo. Unos músicos increíbles decidieron unirse y hacer de su pasión por la música extrema y por sonoridades muy dispares algo que tuviera sentido. Todo estaba permitido y la mezcla no pudo resultar mejor. Abrieron las posibilidades al mundo de la música más extrema para que tuvieran cabida tanto voces guturales y baterías a velocidad de la luz con pasajes jazzísticos o medios tiempos con voces "limpias". Adaptaron el oído del oyente extremo a otros mundos sónicos y lo transportaron, sin que se diera cuenta a lo más alejado que quería escuchar en ese momento. Como muestra, lo que nos encontramos en esta canción a partir del minuto cuatro, más propio de una canción <i>folk</i> que de cualquier rama del metal. Con ellos nacía el <i>death metal progresivo</i> y nunca más se iría.</div>
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<u><b>Sacrifice Unto Sebek - Nile</b></u></div>
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¿Y qué pasa si mezclamos elementos de <b>Suffocation</b>, <b>Opeth</b> y la mitología del Antiguo Egipto, añadiendo algunos de los músicos más rápidos del planeta? Que tenemos a <b>Nile</b>. La técnica más extrema había llegado. No había sitio aquí para la improvisación o los errores. Nos encontramos ante una de las bandas más precisas y calculadoras del planeta y pese a ello, no pierden un ápice de su brutalidad. Suenan más limpios que CC o <b>Suffocation</b> pero como escucharéis, su propuesta no está muy alejada en cuanto a potencia. Vale la pena <a href="https://www.youtube.com/watch?v=GSsq3E2gN-Q">ver a George Kollias tocando la batería de esta canción</a> para darse cuenta de la bestialidad que estos músicos con capaces de realizar. Su innovador estilo y sus letras inspiradas en la mitología egipcia dejaron la puerta abierta a otras temáticas que podrían adaptarse perfectamente al estilo.<br />
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<b><u>As I Wither - In Vain</u></b></div>
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Un grupo con una trayectoria más bien reciente (este era su primer disco de larga duración, en 2007), pero que concentra tantos elementos de los que hemos hablado tan bien que parecen unos robots creados para tal fin. Recogen el testigo del progresivo, del brutal, del black/death y de la técnica más sobrecogedora. Son el nieto perfecto. El comienzo de esta canción ya lo muestra todo. Una batería que podía hacer las veces de una ametralladora de guerra y que no da un sólo segundo de respiro, una guitarras increíblemente coordinadas y lacerantes, que muestran originalidad sin perder la esencia de la tradición...Y tras tres minutos de incansable y brutal paliza sonora el ambiente se torna más oscuro, más vikingo si se quiere para que una voz que emerge como un canto hacia los dioses nos deleita sobre una base que podría formar parte del repertorio de <b>Manowar</b> (o eso quisieran). Tras ese momento de respiro la descarga final traerá todo consigo, para que cuando acabe la canción no quede ni un pedacito de ti intacto. Un escalón más que el género ha subido con éxito.</div>
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<b><u>Vicarious Redemption - Cult of Luna</u></b></div>
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Sí. Ya. Esto es <i>post metal</i>. O metal atmosférico. Bueno, en cierta manera no lo puedo negar. Crea una atmósfera de manera excelente. Y también es algo que ha venido en la última ola del metal. Por lo que podríamos considerar a este grupo como <i>post metal</i> y como metal atmosférico. Pero eso sería un error. Porque la atmósfera que esta canción está creando tiene más que ver con el <i>death metal</i> que con cualquier otra música. Se respira maldad y tensión por todas sus vertientes. Se respira suspense. Esta canción a mi me transporta a un planeta lejano. Un planeta en el que acabara de aterrizar sin compañía de nadie y unos crueles seres nativos estuvieran acechándome de forma sigilosa, mientras poco a poco me acorralan sin que llegue a verlos en ningún momento. Y justo cuando mi terror es el mayo de mi vida, consigo verlos y mi vida se detiene. Si esto lo inspira una canción, esa canción encaja perfectamente en el <i>death metal</i>, estoy convencido.</div>
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Y hasta aquí llega mi lista y mi pequeña introducción a este género tan infravalorado. Sé que no están todos, sé que para muchas la lista será incompleta o tenga fallos, pero creo que es una lista muy recomendable para sumergirse en el difícil e intrincado mundo del <i>death metal</i> sin salir salpicado de sangre y vísceras por todos lados.</div>
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Jorge Carriónhttp://www.blogger.com/profile/14814966440922975069noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-951302503354448812.post-13291961355150030792016-01-23T22:07:00.000+01:002018-11-30T13:29:14.802+01:00¿Cuál es el grupo más peligroso de la historia?<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://c1.staticflickr.com/9/8423/7735486830_7cb17f3e96_b.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="480" src="https://c1.staticflickr.com/9/8423/7735486830_7cb17f3e96_b.jpg" width="640" /></a></div>
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Lo primero que habría que saber de esta pregunta es el "quién". ¿Para quién es peligroso? ¿Quién puede temer lo que llegue a hacer un grupo? Es difícil de responder, pero es más fácil si lo vemos con ejemplos:</div>
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<b>Sex Pistols</b>: clase media y alta británica, gobierno, instituciones, empresas...</div>
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<b>Mayhem</b>: iglesias católicas, personas con ganas de vivir...</div>
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<b>Gemeliers</b>: humanidad...</div>
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Se podrían clasificar muchísimos grupos de esta manera y, contrariamente a mí, de forma seria. Pero hay un grupo que está por encima de todos. Un grupo por encima del bien y el mal. Un grupo del que pronunciar su nombre en vano es sacrilegio. <b>Un grupo más conocido que Jesucristo</b>. Exacto, hablamos de los <i>Beatles</i>.</div>
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Es fácil entender porque los <i>Beatles</i> han llegado a ejercer este poder sobrenatural sobre la música contemporánea. Definieron un nuevo concepto de música pop, la transformaron de un simple entretenimiento para masas a un arte, un arte que las masas podían entender. Y que les gustaba. Pero debido a su carácter mítico dejaron atrás un legado muy difícil de superar. <b>Así se convirtieron en el grupo más peligroso de la historia.</b></div>
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<b>Año 1965</b>. El grupo ha alcanzado cotas de popularidad nunca antes vistas en todo el planeta. Eran algo parecido a lo que <i>Dethklok</i> representa en la serie <b>Metalocalypse</b>, un grupo que podría ser la tercera potencia económica mundial. Pero hasta ese momento (salvo en algunas ocasiones contadas) los <i>Beatles</i> eran un grupo convencional, no habían roto ninguna barrera musical. Un grupo pop que había encadilado a medio planeta. Podían haberse quedado en eso y los recordaríamos ahora como lo hacemos por ejemplo con <b>Michael Jackson</b>: unos artistas con mucho talento que habían dado en el clavo en el aspecto comercial de su música.</div>
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Pero algo cambió en ellos, no se quedaron quietos a disfrutar de su éxito y continuaron su racha. Saltaron al vacío. Con red, pero al vacío. Publicaron <a href="https://play.spotify.com/album/3OdI6e43crvyAHhaqpxSyz"><i>Rubber Soul</i></a>, un disco con una eclecticidad que volaba muy por encima de sus discos anteriores: utilizaron sitares, <i>tempos</i> poco comunes, arreglos de cuerda, letras más introspectivas y oscuras (muy influenciadas por su recién estrenada relación con <b>Bob Dylan</b>). Elementos que distanciaban mucho este disco de su música más ligera anterior.</div>
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Pero lo mejor aún estaba por llegar. No contentos con este increíble salto cualitativo, al año siguiente publicaron <a href="https://play.spotify.com/album/0PYyrqs9NXtxPhf0CZkq2L"><i>Revolver</i></a>, el disco que definió su nuevo rumbo de manera más certera y clara. Podemos encontrar pop barroco en la primera canción pop grabada exclusivamente por instrumentos de cuerda (no guitarras o bajo) <i>Eleanor Rigby</i>, la psicodelia más absoluta en <i>Tomorrow Never Knows, é</i>pica y romanticismo en <i>Here, there and everywhere</i> o su lado más infantil en <i>Yellow Submarine</i>. El grupo había evolucionado y parecía que nada iba a pararles. Su experimentación no tenía límites y todo lo que hacían era pedir más y más en el estudio, aunque menos en las giras.</div>
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Los conciertos acabaron cansándoles. En 1966, el furor que provocaban allá donde fueran y las continuas giras y presentaciones que concertaban finalmente les pudieron, y se rindieron. Se rindieron en el hecho de girar, pero no de componer. Se encerraron en un estudio durante 129 días y acabaron grabando algo que no se hubiera podido reproducir jamás en directo. Las técnicas de estudio que se utilizaron para su siguiente álbum fueron algo que no se había visto nunca, los ingenieros de sonido tenían que inventar los servicios que los artistas demandaban al momento, ya que siempre querían más. Lo único parecido en el aspecto de producción había sido <a href="https://play.spotify.com/album/2gBTCun1Y7e73YgTfSapiS"><i>Pet Sounds</i></a> de <b>The Beach Boys</b>, pero en su intento de superarlo saltaron muy por encima. Debido a su aversión a las giras y al nombre de los <i>Beatles</i> y todo lo que este representaba para ellos, decidieron que este álbum no llevaría su nombre, lo harían sus <i>alter egos</i>, los <a href="https://play.spotify.com/album/1PULmKbHeOqlkIwcDMNwD4"><i>Sgt Peppers</i></a>. Les dio más libertad de composición, creyeron de verdad que eran otras personas, alguien anónimo que podía lanzarse al mar con los tiburones y que los tiburones no le reconocieran. Y funcionó.</div>
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Musicalmente hablando, los <i>Beatles</i> estaban a años luz de cualquier grupo de la época. No era tan difícil para ellos, tenían todas las comodidades que el dinero a expuertas y la fama concede a la hora de componer y grabar: tiempo y recursos casi ilimitados. Metidos en sus identidades falsas, diseñaron el álbum como si de un concierto en vivo se tratara, sin pausas ni cortes entre canciones, algo inédito en la época. Utilizaron pistas para montar las canciones de manera impensable, una orquesta les acompañó en la que para mí es la mejor de sus grabaciones (<i><a href="https://play.spotify.com/track/3ZFBeIyP41HhnALjxWy1pR">A day in the Life</a>)</i> sólo para crear ese sonido atonal que caracteriza a la pieza y que la corta en los diferentes momentos del día que narra. Y, por encima de todo, crearon el disco conceptual. Algo que se populizaría en las décadas siguientes en todo el planeta. Un disco que contenía una unidad completa dentro de su sonido, una lógica recorría sus canciones de principio a fin, haciendo que no se pudiera concebir el álbum sin alguna pieza. El disco era orgánico. Consiguieron hacer de la grabación de música en estudio un arte.</div>
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Y ese arte transformó el panorama musical para siempre. Hay que pensar que todo lo que en ese disco se grabó en el momento actual lo puede hacer casi cualquiera con un buen ordenador y unos cuantos programas de edición, pero hace cincuenta años de esto. La revolución fue total. Estos tres discos de los <i>Beatles</i> son esenciales para entender la música contemporánea de los últimos cincuenta años. La influencia que han tenido se puede notar en casi cualquier estilo, en casi cualquier artista.<br />
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Si repasamos las listas que se han creado a lo largo de los años y que comenté brevemente en una entrada anterior (<a href="http://www.74minutos.com/2015/12/10000-canciones-antes-de-nacer.html"><i>10.000 canciones que escuchar antes de nacer</i></a>) del tipo <i>Los mejores discos de la historia</i> podemos observar que los <i>Beatles</i> en general y estos tres discos en particular ocupan posiciones siempre dentro del top 10. La lista de <i>Rolling Stones</i> sobre los <a href="http://www.rollingstone.com/music/lists/500-greatest-albums-of-all-time-20120531/the-beatles-rubber-soul-20120524"><i>500 mejores discos de la historia</i></a> coloca a <i>Sgt. Pepper </i>como número 1, a <i>Revolver </i>como número 3 y a <i>Rubber Soul</i> como número 5. La muy alternativa NME <a href="http://www.nme.com/photos/the-500-greatest-albums-of-all-time-100-1/324644">publicó una lista con las mismas condiciones</a> y encontramos a <i>Revolver</i> en segunda posición. Podríamos seguir así sucesivamente.<br />
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¿Qué representa esto? Representa la supremacía que ejercieron y ejercen sobre el panorama musical del pop/rock. No es sólo que ellos plasmaran lo que iba a ser la música posterior, sino que otros se encargaron de que eso pasará positivamente. El hecho de que se les cite tantas veces como el grupo más importante de la historia, que sus discos sean recordados y alabados como el paradigma del <i>rock</i> hace que todo lo diferente a ellos sea minusvalorado de una manera sangrante. Analicemos a los componentes: son cuatro hombres, blancos, ingleses<i> </i>y jóvenes.<br />
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La peligrosidad de los <i>Beatles</i> no reside en su capacidad de movilización colectiva contra el sistema. Eran un elemento más del sistema que poco a poco se fue extendiendo a cualquier ámbito. No, su peligrosidad se cimentaba -y todavía lo hace- en la cualidad de establecer un canon musical que se ha reproducido hasta nuestros días. El hecho de que ese canon lo hayan establecido (entre otros, claro) cuatro jóvenes blancos ingleses hace que ese canon crezca asimismo con esos elementos detrás. Toda aquella música tocada por mujeres, por negros o chinos, por ancianos sin un pasado musical exitoso o fuera del circuito de la lengua anglosajona tienen muy difícil instalarse en ese canon que es el dominante en todo el planeta.<br />
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Y con esto no quiero decir que dejéis de escuchar a los <i>Beatles</i> inmediatamente, a mí me encantan y los seguiré escuchando siempre, pero sí quiero advertir, ya que desde la crítica musical se debe tener mucho cuidado con las idolatrías. Muchas veces se debe romper con el pasado para entender y apreciar música que poco o nada tiene que ver con el canon que más conocemos. Y que es igual o más importante.<br />
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Anonymousnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-951302503354448812.post-62378971575730096452016-01-18T19:52:00.001+01:002018-11-30T13:32:45.546+01:00Tener o no tener. Searching for Sugar Man<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
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<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://3.bp.blogspot.com/-Rs6nG8bSX_o/Vpf6uxv-zGI/AAAAAAAAAbk/r0xT0wewHpg/s1600/sugar-man-si3.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="400" src="https://3.bp.blogspot.com/-Rs6nG8bSX_o/Vpf6uxv-zGI/AAAAAAAAAbk/r0xT0wewHpg/s400/sugar-man-si3.jpg" width="292" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Fuente: <a class="irc_hl irc_hol i3724" data-noload="" data-ved="0ahUKEwjxoaLHh6rKAhWDHA8KHd7AARgQjB0IBg" href="https://vomitandocine.wordpress.com/2013/04/26/viva-rodriguez/" jsaction="mousedown:irc.rl;keydown:irc.rlk" style="-webkit-tap-highlight-color: rgba(255, 255, 255, 0.2); background-color: #f1f1f1; color: #7d7d7d; cursor: pointer; font-family: arial, sans-serif; font-size: 13px; line-height: 16px; text-align: start; text-decoration: none;"><span class="irc_ho" dir="ltr" style="margin-right: -2px; overflow: hidden; padding-right: 2px; text-overflow: ellipsis; unicode-bidi: -webkit-isolate;">vomitandocine.wordpress.com</span></a></td></tr>
</tbody></table>
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Vaya por delante que yo, como la mayoría de los ciudadanos del lugar donde habita este hombre, tampoco conocía a Sixto Rodríguez. Nunca había oído hablar de él y mucho menos había escuchado una de sus canciones. Uno de los dos puntos positivos que le veo a este documental es que sirve como introducción al mundo artístico de Rodriguez, que resulta ser muy interesante, con unas letras profundas, con fuerte carácter político y activista. Asimismo, en la parte musical muestra la mezcla de culturas que corren por su sangre, integrando elementos sónicos difíciles de mezclar, con un resultado excelente. </div>
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La película de Malik Bendjelloul cuenta una historia excepcional sobre este cantautor, un hombre que publicó dos discos en los setenta, que fueron un fracaso absoluto en su propio país (EEUU), pero que, de algún modo, llegaron a Sudáfrica, donde a través del boca a boca se convirtieron en éxitos de ventas. Y él en una trágica leyenda, ya que se corrió el rumor que había muerto en el escenario poco después del lanzamiento de los discos. Las historias más rocambolescas se habían escuchado, hasta aquella en la que se inmolaba en el escenario para su último adiós.</div>
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Y, aunque la historia es algo excepcional, no ocupa más de lo que os he explicado. Bueno, si tienes un vocabulario más amplio y un talento para la escritura mayor que el mío puede llegar a ser algo más largo, como <a href="http://www.revistaarcadia.com/impresa/cine/articulo/sugarman/30958">este artículo de Revista Arcadia</a>. Pero poco más. Ese artículo me parece mejor explicado y más interesante que la película. Me aburrió (algo tremendamente sangrante para una historia tan fantástica como la de este artista). Me pareció una película muy engañosa, muy tramposa con el espectador. Y con un objetivo que el propio Rodriguez detestará.</div>
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Puede que muchos de vosotros penséis que el cine trata de eso; al fin y al cabo las películas nos están mostrando una ficción que debemos creernos y hacernos partícipes para así tener interés en lo que cuentan. O, al menos, contarnos una historia tan sublime que nos dé igual si es cierta o no. <br />
Totalmente de acuerdo, pero esto es un documental. Los documentales son diferentes, son todo lo contrario, o deberían serlo. Deberían mostrar la realidad mas cruda, lo que no se nos quiere decir, aquello que está fuera de cualquier convención formal cinematográfica. Y puede que este hombre sea tal y como se nos muestra, pero yo no me lo creo. No me creo que un hombre que ya en 1979 (dato que obvian completamente en la película) sabía de su éxito en Sudáfrica no buscara los medios para acceder a él. Y no me lo creo por la forma en que se ha realizado la película.<br />
<br />
Quizá Rodriguez no quería ir a Sudáfrica porque continuaba el <i>apartheid</i> y hasta que no se levantó ese sistema se negaba a ir. O quizá era más feliz siendo un obrero más que lleva una vida humilde y austera y la fama era algo que no quería en ningún momento. O simplemente veía tantas <i>montañas mágicas plateadas </i>que ni siquiera sabía donde estaba Sudáfrica. Cualquiera de estas conjeturas puede ser cierta, porque en la película nadie se encarga de explicarnos lo contrario. Sólo se encargan de decirnos lo malos que son en las discográficas, en EEUU y que Sixto era un Calimero humano. Ojo, que no defenderé aquí a las discográficas ni al sistema americano, pero algo falla en la película, esos vacíos dejan demasiado a la imaginación.<br />
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<b>Mientras que los primeros 30 minutos de la película tienen un ritmo excelente,</b> con unas entrevistas adecuadas e interesantes (siguiendo ese rastro que Rodriguez fue dejando, como un juego de detectives musical), a partir de ese momento todo se viene abajo. Entramos en el terreno del fenómeno <i>fan</i> más absoluto y me parece que en realidad estoy viendo una película sobre Justin Bieber realizada por aquellas que ahora mismo son adolescentes, pero dentro de 20 o 30 años (me imagino una película donde las que en ese momento serán mujeres adultas cuenten como fueron las pioneras al descubrir al niño dorado en <i>YouTube, </i>como nadie más de su alrededor les comprendía, como fueron encontrando a otras <i>believers</i>, y como confiaron en todo momento en su ídolo...). Puede que yo me esté fijando demasiado en otros documentales con mayor acierto que este -bajo mi punto de vista, evidentemente- como <em>Don't Look Back </em>o <em>20.000 días en la tierra</em>, y que esté navegando entre mareas misteriosas, que poco habrán llamado la atención. Pero, para mí, la profundidad que adquieren aquellos documentales en la obra de sus respectivos representados (Bob Dylan y Nick Cave) deja bastante en evidencia la superficialidad con la que se trata la obra de Rodriguez.<br />
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Siento que sé mucho más de los <i>fans</i> de Rodriguez que de cómo éste componía, de qué le inspiraba, de porque cree que fracasaron sus discos en su propia tierra, de sus influencias, de cómo le ha afectado el tiempo pasado sin grabar ni realizar conciertos a la hora de volver a la carretera, de si quiere grabar más discos, de dónde y cómo aprendió a tocar la guitarra, de por qué la relación con las discográficas y él era tan atroz, de por qué tocaba de espaldas al público en sus comienzos...La mayoría de explicaciones vienen de círculos tan alejados a él que es casi imposible que supieran responder a alguna de estas preguntas.</div>
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Con el material que habían obtenido podían haber montado algo similar a un documental confesionario como lo fue aquel <i>Some Kind of Monster</i> de Metallica. Todos hubiéramos ganado, ya que, aunque en aquel se podía ver las intimidades más escondidas de los miembros de la banda, también se mostraba por completo el proceso de creación y composición de un disco, los demonios que acechan en este, las trabas que se deben superar para estar unidos como grupo durante tantos años, etc. Pero aquí no, aquí se habla de un hombre que grabó dos discos y los escuchamos como banda sonora (qué menos), pero no se sabe cómo se grabaron, como se crearon o que sintió mientras los hacía o después de hacerlos. Se sabe que llegaron a Sudáfrica, aunque no se sabe cómo y que se expandieron más allá de lo imaginable a través de una sociedad cerrada y reaccionaria, que estaba abriendo las puertas de su mente de manera progresiva.</div>
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Se sabe que influyó en muchos de los artistas que iniciaron el movimiento <i>anti-apartheid</i> musical, pero no se sabe de qué manera influyó, sólo que tenía frases que en ese momento fueron prohibidas y eran muy provocativas para la época. Bien, puede que fueran provocativas, pero también tenía esas letras Dylan o The Doors y no fueron el fenómeno en el que Sixto se transformó en ese país. ¿Por qué? A la película eso no le interesa, solamente le interesa que allí triunfó de manera desorbitada y que no tuvo reconocimiento por ello.<br />
<br />
Y que en su país fracasó. <b>La banalización que esto supone de la figura de Rodriguez como artista me parece sangrante.</b> Se transforma en un objeto de consumo más, en una camiseta de los <em>Sex Pistols</em> vendida en Zara. Es decir, tenemos un artista que ayuda a configurar y transformar una de las sociedades más cerradas del planeta, tenemos su música, pero sólo nos vamos a preocupar del éxito y del fracaso de su obra. No de la creación, no de sus canciones. Vamos a ver a Rodriguez en términos numéricos, en formato venta. Dejamos atrás los símbolos, el valor añadido de su discos, todo el valor de la música para pasar al valor del dinero. <b>Tener o no tener.</b><br />
Para mí este es el gran error de la película, ya que transforma algo con un fuerte valor simbólico en un artículo de compra, en algo reificado. Es algo así como si vais a una tienda de vinos y pedís consejo para comprar una buena botella, seguiría algo así:<br />
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<blockquote class="tr_bq">
-Este es un vino excelente.<br />
-¿Sí? ¿Por qué?<br />
-Porque se vende mucho.<br />
-Ajá, ¿pero el vino está bueno?<br />
-No lo sé, pero se vende mucho.<br />
-Entiendo. ¿Está el encargado?</blockquote>
<br />
Esto es exactamente igual, aunque lo apliquemos en términos negativos ("porque no vende nada"). Tenemos un artista que consiguió algo increíble y sólo se nos muestra el alto precio que pagó por ser como era, por no estar en los círculos adecuados. El alto precio que pagó Rodriguez durante toda su vida es el que se encargan de mostrar los realizadores de la película. <b>Pero no nos muestran porque pagar ese coste tan elevado valió la pena.</b></div>
Anonymousnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-951302503354448812.post-59294595275967776172015-12-13T11:38:00.000+01:002018-11-30T13:32:52.481+01:0010.000 canciones que escuchar antes de nacer<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
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<a href="http://1.bp.blogspot.com/-RRlLvitVhIs/VmsnVJLJgMI/AAAAAAAAAaM/gUhWlJOroWo/s1600/records-978813_1920.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img alt="No se ha cargado la imagen de 10.000 canciones que escuchar antes de nacer" border="0" height="424" src="https://1.bp.blogspot.com/-RRlLvitVhIs/VmsnVJLJgMI/AAAAAAAAAaM/gUhWlJOroWo/s640/records-978813_1920.jpg" title="Imagen de 10.000 canciones que escuchar antes de nacer" width="640" /></a></div>
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Esta entrada es muy especial. Lo primero que tengo que hacer es dar las gracias. Daros las gracias a todos por haber superado ya las <b>10.000 visitas</b>. De hecho, ya he superado las 11.000, lo que todavía me parece increíble. Esto lo he estado preparando desde hace mucho tiempo. Ya me puse a ello cuando estaba cerca de las diez mil, pero como me ha llevado más de lo que esperaba, al final habéis llegado a superar las 11.000.</div>
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<iframe allowtransparency="true" frameborder="0" height="100" src="https://embed.spotify.com/?uri=spotify%3Auser%3A74minutos%3Aplaylist%3A5rLzrLQoXVzF5PuTDyqceW&" width="400"></iframe>
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Bueno, después de las debidas presentaciones, podemos ir al tema. <a href="https://open.spotify.com/user/74minutos/playlist/5rLzrLQoXVzF5PuTDyqceW" target="_blank">He creado una lista en Spotify</a> que acompañará la lectura de esta entrada (y prácticamente de todas las que vayas a leer en tu vida). <b>Una lista de 10.000 canciones </b>que intenta recoger todos los hitos musicales de los últimos 60 años. ¿Por qué 60 años? Porque sí, la verdad. Coincide con el nacimiento y expansión de uno de los movimientos musicales que más ha aportado en el último siglo, el <i>rock and roll</i>, pero la elección de la fecha no se debe especialmente a este hecho, ya que otros muchos movimientos de igual importancia han acontecido en el pasado siglo y no he elegido esa fecha como inicio. Digamos que no me podía remontar más atrás en el tiempo (aunque hay algún guiño) por la incomensurabilidad y las dimensiones épicas que hubiera adquirido la lista, ni tampoco podía acercarme demasiado, ya que hubiera dejado muchas cosas en el tintero.<br />
<br />
Las listas, por definición, son poco objetivas y poco equilibradas. Denotan las obsesiones y flaquezas del que la realiza y muchas veces, son creadoras de ciertos esquemas y patrones que no dejan de repetirse. Sobretodo si estas listas tienen un orden jerárquico. Cuando se leen listas del tipo "Las 100 mejores hamacas para tumbarte al sol y no quemarte mientras escuchas death metal" esconden mucho más que informarte sobre las mejores hamacas de la historia. Crean un cánon sobre las hamacas que será muy difícil de romper y que afectará a generaciones futuras. En la música es lo mismo. Y además, el hecho de elegir un disco u otro, de una canción u otra está muy influenciado por aquellas pasiones adolescentes que rompieron los esquemas del crítico. Dos artículos que todo el mundo que esté algo interesado en la música debería leer tratan estos temas: mientras que uno (el creado por los sociólogos Ralf von Appen y André Doehring con el genial título de "<b><a href="http://journals.cambridge.org/action/displayAbstract?fromPage=online&aid=407624" target="_blank">Nevermind the Beatles, here's Exile 61 and Nico</a></b>") observa y analiza el canon internacional en la música pop/rock, el otro lo hace con el canon español y está realizado por tres sociólogos españoles: Javier Noya, Fernán del Val y C. Martín Pérez Colmán, bajo el título de <b>"<a href="http://www.reis.cis.es/REIS/jsp/REIS.jsp?opcion=articulo&ktitulo=2413&autor=JAVIER+NOYA%2C+FERN%C1N+DEL+VAL%2C+C.+MART%CDN+P%C9REZ-COLMAN" target="_blank">¿Autonomía, sumisión o hibridación sonora? La construcción del canon estético del pop-rock español"</a>. </b><br />
<br />
En ambos artículos<b> </b>lo que nos encontramos es un canon creado con muchas de las listas del tipo "los 100 mejores..." y el resultado es muy parecido. Siempre se encuentra una época predominante, un estilo predominante, incluso una raza y un género predominante. Esto lo produce el canon. En el internacional, el artículo de Appen y Doehring nos dice que se valora muchísimo más la época de los 60 por encima de cualquier otra, no tanto por su producción como por su inaculación por parte de la juventud que más tarde se conviertirían en los principales valedores de la crítica musical. <b>Dylan</b> rompió las reglas musicales, pero también lo hizo <b>Fats Domino </b>quince años antes y nadie lo recuerda como el gran estandarte de la música popular. También el <i>Kind of Blue</i> de <b>Miles Davis</b> configuró de una manera totalmente distinta el <i>jazz</i> y su influencia todavía perdura, pero no en el canon. No de la misma manera que <b>Lou Reed,</b> que <b>Dylan</b>, que <b>Nirvana,</b> que <b>Beatles</b> o <b>Rolling Stones</b>...¿no notáis nada parecido entre ellos? Exacto. A parte de su carácter innovador, todos ellos estaban en el bando correcto: no eran mujeres, no eran negros, ni eran viejos cuando triunfaron. Aparte de todo esto, la juventud de esa época, maravillada con los inventos de los<b> Beatles</b>, con la nueva prosa de <b>Dylan</b> o con la irreverencia bluesiana de los <b>Rolling Stones</b> sería la que más tarde ocuparía los puestos de responsabilidad en la crítica musical. Y esa influencia, aunque nunca más volvieran a escribir cuando se hicieran mayores se volvería mesiánica, se enquistaría como un ancla al oceáno, creando el punto de partida en el que todos los nuevos grupos e intérpretes deberían fijarse para agradar a los nuevos críticos que llegaran.<br />
<br />
No es de extrañar por tanto que dentro de la parte española los artistas que más valore la crítica tengan también los mismos elementos comunes: <b>Santiago Auserón, Joan Manuel Serrat y Camarón de la Isla</b> son los triunfadores por goleada. Y esto lo consiguen gracias a la introducción de elementos propios y nacionales al canon internacional del <i>pop/rock</i>. Es decir, dentro de los elementos básicos de este género (instrumentos, tempos, duración...) se introducen algunos ajenos a este (flamenco, ritmos afrocaribeños...) haciendo que sea una música "propia" pero siguiendo las directrices que el canon internacional impone.<br />
<br />
Y ¿quien puede no admirar a <b>Serrat, a Auserón, a Dylan o</b> a los<b> Beatles</b>? Yo lo hago, no lo puedo evitar. El canon entró en mí mucho antes de poder estudiar sociología y no hablemos ya de antes de aplicar lo estudiado al campo de la música. Y no es malo, ojo. Yo he descubierto música increíble gracias a listas como las que hemos descrito. Pero eso no quita que gracias a la hipervaloración de estos grupos legendarios se oculten, se invisibilicen, otros igualmente grandes.<br />
<br />
Este es el <i>leitmotiv</i> de mi lista, descubrir a los ocultos y redescubrir a los gigantes. Hay muchísimos discos, algunos conocidísimos, otros que sólo tuvieron su momento de gloria en un período determinado y cayeron en el olvido después, otros totalmente desconocidos para la gran mayoría. También mi lista es sectaria, se nota qué géneros son los que más he escuchado y cuáles son los que menos practico. No lo voy a negar, quizá todo aquello que tiene que ver con el <i>metal</i> esté sobredimensionado, mientras que otros estilos como el <i>rap</i> no tengan la misma representación, pero he intentado que esto no pase. Pero es una lista personal, limitada a los conocimientos que esa persona pueda contener y, en mi caso, mis conocimientos en <i>metal</i> son mayores y mejores que en <i>rap. </i>Esto hace que pueda valorar un disco como <i>Reign in Blood </i>de <b>Slayer</b> como algo de la misma importancia como por ejemplo <i>Straight Outta Compton</i> de <b>N.W.A</b>, cuando esto para muchos será un sacrilegio. Pero un disco tan perfecto que llevó al <i>thrash metal</i> al cénit de lo que podía llegar a ser no podía no estar en una lista como esta.<br />
<br />
Pero ya digo, hay de todo. Creo que la representación de la música negra es mucho mayor de lo que suele ser en estas listas y no por nada ésta se abre con cuatro músicos que cambiaron la música popular para siempre: <b>Robert Johnson, Lead Belly, Ike Turner y Fats Domino</b>. El primero fue el guitarrista que más ha influido en todos los grupos que vinieron detrás de él, desde el <i>bluesy</i> purista hasta el <i>guitar hero</i> más metalero. <b>Lead Belly</b> fue un hombre complicado. Sus grabaciones en la cárcel pasaron algo desapercibidas hasta que alguien vio el talento que este hombre había dejado plasmado y su personaje adquirió mucha más importancia. Sin él, el <i>folk</i> de los años sesenta o el rock de los setenta no hubiera sido el mismo. Escuchad <i>Black Betty</i> de este señor, a ver si os suena. Tampoco el <i>folk</i> hubiera sido igual sin <b>Woody Guthrie</b>, y no por nada está en este <i>top five</i> tan negro. El ídolo del <b>Dylan</b> adolescente fue un concienzudo cantautor protesta que compuso uno de los himnos americanos más conocidos: <i>This Land is Your Land.</i> Volviendo al tema negro, nos encontramos con dos hombres muy diferentes, <b>Fats Domino y Ike Turner</b>, pero que aportaron su granito de arena al mismo género: <i>el rock and roll</i>. Las dos canciones de estos artistas que se incluyen en la lista son, sin duda alguna, las primeras representaciones de <i>rock and roll</i> de la historia. Me parece que conocer los orígenes y otorgar el merecido mérito a sus creadores es esencial aquí.<br />
<br />
La representación femenina es algo que he intentado que estuviera equilibrado de igual forma, pero resulta casi imposible. La proporción hombre-mujer en el campo de la música es completamente desigual, con una clara desventaja para las intérpretes femeninas. Pero aún así la representación es mayor que en una lista normal.<br />
<br />
¿Y los estilos? Como ya he comentado antes quizá haya más heavy metal que dance, por ejemplo, pero no en demasía. Están representados todos los géneros con sus grandes padrinos y también con sus pequeños reproductores. Está el <i>rock </i>de <b>Elvis</b>, pero también el de <b>Springsteen</b> o la <b>CCR</b>, el <i>funk</i> de <b>James Brown o Sly Stone</b> pero también el de <b>O'Funkillo</b> (que también hay representación española, por supuesto). Quizá un día tengas mucha rabia acumulada con el mundo y te apetezca escuchar <b>Cannibal Corpse o Death</b>, o quizá tengas ganas de relajarte por un día agotador y pensar en lo bonito y maravilloso que es el mundo y pongas a <b>Joni Mitchell o a Sam Cooke</b>. Quizá prefieras irte por caminos menos convencionales y busques lo diferente escuchando <i>Requiem for my Friend</i> de <b>Preisner</b>, dedicado a su amigo y director de cine <b>Kieslowski</b>. Un disco maravilloso donde la música clásica deja de ser clásica por momentos. O a lo mejor estés buscando algo todavía más original e innovador, como el <i>Stimmung</i> de <b>Stockhausen. </b>Un viaje a los sonidos de nuestros ancestros más remotos, algo realmente apasionante. Quizá te apetezca bailar con <b>Madonna</b> o romperte el cuello con <b>Metallica</b>. Emocionarte con <b>Serrat</b> o volver a los ochenta de la mano de <b>Radio Futura</b>. Sentir el desgarro de una generación con el <i>Gimme Shelter</i> de los <b>Rolling Stones</b> o buscar cómo otra generación queda tocada y marcada por <b>Nirvana</b>. Descubrir por qué un grupo tan -en principio- extraño como <b>Joy Division</b> supuso tal revolución en el mundo de la música popular. Que la furia de <b>Sex Pistols</b> recorra tu cuerpo o que la grandilocuencia de <b>Queen</b> te haga sentir como un estadio. Puede que quieras moverte con <b>Skrillex</b> o quedarte más quieto que nunca gracias a <b>Leonard Cohen</b>. Sé que faltan los <b>Beatles</b>, pero eso es culpa de Spotify. Ya sabéis que su discografía es algo imprescindible, así que escuchadla donde mejor os venga.<br />
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Puede ser todo, cualquier combinación es posible, porque esta lista pretende ser una especie de <i>Quijote</i> de las listas, algo que rompa desde dentro su propio sentido y su propia identidad. Podéis hacerlo como queráis, evidentemente, pero mi consejo es que la escuchéis de arriba a abajo (puede que os lleve algún tiempo...), ya que así veréis las distintas evoluciones de los diferentes estilos que la música popular ha ido desarrollando en las últimas décadas. Aquí no hay canciones mejores o peores. Aquí hay música que te gusta más o menos, y eso es maravilloso. En cualquier caso ni con 10.000 canciones basta para abarcar todo panorama musical, pero si llegáis a escuchar esta lista completa habréis descubierto tanto que será <b>como si hubierais vuelto a nacer</b>.</div>
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PD: Si a alguien se le hace muy cuesta arriba la lista completa, en mi cuenta de Spotify, <a href="https://open.spotify.com/user/74minutos" target="_blank">74minutos</a>, se pueden seguir la misma lista pero dividida en años, desde 1955 hasta el 2012. Jorge Carriónhttp://www.blogger.com/profile/14814966440922975069noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-951302503354448812.post-5622471440360746642015-07-20T19:47:00.000+02:002018-11-30T13:33:23.126+01:00The Earth Is not a Cold Dead Place - Explosions in the Sky<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
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<a href="http://2.bp.blogspot.com/-TAWcXwrnCqw/Va00uDKV4SI/AAAAAAAAAYo/n0Eoxuo3oE4/s1600/4232399714_d8de1af0e2_o.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="400" src="https://2.bp.blogspot.com/-TAWcXwrnCqw/Va00uDKV4SI/AAAAAAAAAYo/n0Eoxuo3oE4/s400/4232399714_d8de1af0e2_o.jpg" width="400" /></a></div>
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La música está en todos los aspectos de nuestra vida. Está en los bares, en los hoteles, por la calle, en la televisión, en las películas, en los coches, en los trenes, en los ascensores, en las salas de espera, incluso en los libros hay música. Es algo fabuloso que la música se haya instalado por derecho propio como el arte más universal de todos cuantos conocemos. Pero también es algo triste, ya que genera una banalización de la misma que nos lleva a ser cada vez más indiferentes a todo lo que puede transmitirnos. Y sobre todo si hablamos de música instrumental. Este estilo siempre se relega a un segundo plano, como algo secundario, para escuchar "sólo de fondo". Espero que este post pueda ayudar de alguna manera a cambiar esta percepción.</div>
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Cualquier disco de los que he comentado aquí, entre muchísimos otros, merece una escucha pausada. Nada de estar haciendo otra cosa mientras se escucha, porque sólo oíremos. Quizá puedan hacer eso fans de Abraham Mateo, Justin Bieber y compañía, pero no nosotros. Nosotros queremos escuchar. Debemos escuchar. Y con <i>Explosions in the Sky</i> pasa algo tremendamente fascinante. Si llegas a hacerlo, sentirás como van contruyendo la historia que ellos quieren contar, sin decirte absolutamente nada, simplemente con notas, acordes y ritmos.</div>
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En este disco de 2003 no encontraremos palabras más allá de su portada y los títulos de las canciones. Pero quizá transmita más de lo que podrían haberlo hecho éstas. La música, como todo arte que odiaba el Tirano de Platón, permite expresar emociones, experiencias, sentimientos que se escapan de nuestro vocabulario cotidiano, para los que jamás encontraríamos palabras con las que construir su significado. Permite escapar de la cárcel que es muchas veces el lenguaje.Y gracias a grupos como éste nos podemos sentir un poco más libres.</div>
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Para seguir el álbum os dejo<a href="https://open.spotify.com/album/2UvgHoF8RAxomkWHGVpiqF"> el enlace a Spotify </a>del mismo y así disfrutarlo plenamente. El primer corte del álbum empieza con una guitarra aguda y mínima, un bombo que hace las veces de pulsaciones humanas y un bajo que acompaña perfectamente a esta estructura musical viviente. Este tema se llama <i>First Breath After Coma</i> y los títulos en este grupo no son casualidad. No son un fragmento de la letra de la canción que queda moderno al extraerlo. Son lo más parecido a una explicación que vamos a encontrar y merece la pena deternerse un poco en ellos. En este primer tema se presentan las emociones, las sensaciones, los caminos electrizantes que recorrerían el cuerpo de la persona que se muestra desde el primer estímulo del dedo meñique de su pie hasta la posterior apertura de ojos después de un largo período fuera de sí mismo/a.</div>
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Las imágenes que va desarrollando la música a través de sus nueve minutos y medio son espectaculares y no hay ni un sonido que desentone con la escena que nos ocupa. Tal y como yo lo veo estas imágenes se desarrollan de la siguiente manera:</div>
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Tras la introducción de las guitarras y una batería a ritmo pausado podemos escuchar como ésta última va creciendo a través de un ritmo de marcha en la caja, que sin duda llega para representar como las extremidades van cogiendo fuerza, como va notando la sangre fluyendo otra vez a través de su cuerpo como un torrente vivo, como un caudal sinuoso y abundante. Vemos como va creciendo ese hormigueo por todo el cuerpo, esa sensación por la cual sus músculos dejarán de ser meros trozos de carne y volverán a recobrar su habitual flexibilidad y fuerza. El ritmo de las guitarras crea una atmósfera fascinante, como si de una habitación cerrada se tratara, como si estuviéramos observando a esa persona recostada sobre la cama de un hospital y asistiéramos a todo el proceso como espectadores privilegiados.</div>
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Sobre el minuto 4:30 encontramos un parón y una vuelta a un ritmo mucho más calamado. Aquí podemos observar que se ha cambiado de imagen. Ahora ya no se mantiene la atención sobre los músculos, sino sobre los órganos, sobre todo el proceso interno del cuerpo. Esa batería tan potente que utiliza sólo el bombo, la caja y el <i>crash</i> para su cometido no es sino un efecto para simbolizar como el corazón va adquiriendo mayor potencia y cada vez se encamina más y más a volver a ser esa fuente de vida principal para esta persona.</div>
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Y a partir del minuto ocho nos encontramos con el momento álgido de la historia y de la canción. Una distorsión muy potente da paso a la confusión de la persona, a la extrañeza con la que va a recibir el mundo cuando abra los ojos y a la vez, para simbolizar cómo la luz va penetrando sus párpados hasta que éstos consigan abrirse y, de un salto, consiga su <i>primer aliento tras el coma</i>.</div>
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<i>The Only Moment We Were Alone</i> sigue a este corte enlazando el final de este con su inicio. El título es triste y apesadumbrado. Podemos suponer que se trata de la persona que ha conseguido superar ese coma. Yo me imagino gracias a la composición de la banda que esta persona esperaba encontrarse con otra cuando sus ojos se abrieran. Con la persona que era especial en su vida anterior. Pero, al no ver a esta persona en el momento que lo necesitaba su mente debilitada juega con su voluntad y lo transporta a ese momento mágico que vivieron una vez. La imagen musical que crean me dice que el escenario para ese instante de felicidad de la persona protagonista no es otro que una playa, un puerto, algo relacionado con el mar, donde estas personas se sentaron juntos y disfrutaron de la luz del atardecer, y uno del otro.</div>
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La intensidad que se manifiesta a partir del minuto 6:46 se puede entender como un momento de cólera de la otra persona, que llevaría a una posterior pelea con su correspondiente separación, representada por la rabiosa quietud y calma que siguen al pasaje rabioso. Como si de un ojo de la tormenta se tratara, tras esa calma llega la absoluta destrucción de la persona protagonista, ya que se encuentra totalmente vacío y la desesperación se apodera de su ser. La potencia que reina en los posteriores dos minutos son una muestra absoluta de ello.</div>
<div style="text-align: justify;">
Sumida en la depresión y en la tristeza esta persona está completamente destrozada. <i>Six Days at the Bottom of the Ocean</i> es el tema que se encarga de mostrárnoslo. Encontrarse como si estuviera en el fondo del oceáno es sin duda la metáfora que han querido utilizar para reflejar la pérdida que ha hecho que su vida no tenga sentido aún después de haber casi resucitado. Las imágenes que se crean en mi mente gracias a la melodía que crea la banda son las de esa persona vagabundeando por las calles desiertas, de noche, en busca de algo con lo que aliviar el dolor que le deshace por dentro. Mientras la desesperación crece en él, también lo hace la rabia y la intensidad del tema va creciendo exponencialmente a través de las cortantes guitarras y la contudente sección rítmica. El final del tema, con esa mezcla de sonidos tristes y alegres nos deja en duda de qué pasará con el protagonista, ya que la locura se está apoderando de él poco a poco, pero quizás haya alguna esperanza.</div>
<div style="text-align: justify;">
La historia continúa con <i>Memorial</i>, una clara invitación a la tragedia (un memorial es normalmente un monumento commeorativo a los caídos en batalla). El tema comienza a través de un sonido agudo y permanente que nos sigue a través de varios pasajes del tema. Me recuerda a algunas canciones de <i>Tool</i> en este comienzo tan pausado, como de espera. El bajo adquiere una gran importancia en el sonido que define este corte y lo vamos a tener presente durante todo el tema. Parece que la persona protagonista se ha sumido en una profunda tristeza y es imposible que salga de ella. Cada vez cae más abajo y el fonde se le queda corto en su recorrido. Su vida, después de haberla recuperado, está prácticamente vacía y parece que casi preferiría haber seguido en su coma. Las distintas fases de desesperación, ira, pesimismo y nihilismo se manifiestan en esta canción. Al final de ella nos encontramos con toda la confusión que la mente del protagonista soporta, una mezcla de distorsión y sonidos sincopados se apodera del tema, haciendo que un muro de sonido se aproxime hacia nosotros con toda la intención de dañarnos de la misma manera (o al menos hacernos ver esa manera) en la que el protagonista lo está. Y cuando todo parece perdido, cuando el <i>memorial</i> parece listo para construirse algo ocurre.</div>
<div style="text-align: justify;">
Y lo que ocurre es la calma. Pero no la calma tensa que hace que esperes lo peor, sino la calma, la trnaquilidad, la paz, llega al protagonista. <i>Your Hand in Mine</i> me parece el tema más bello de todo el disco y sin duda es porque intentan transmitir esa belleza. La calma llega porque su amor aparece, porque vuelve a tener sentido la vida que ha recuperado gracias a esa persona especial que le toma de la mano y lo conduce a las puertas de la felicidad. Las imágenes que yo puedo ver son las de un prado verde y los dos protagonistas de espaldas pero esta vez no contemplan el atardecer, sino el amanecer, porque lo que van a construir es un nuevo comienzo, dejando atrás el sombrío final que la puesta de sol les había legado. La alegría que la persona protagonista siente se refleja en todos los aspectos musicales de la canción, siendo el final uno de los momentos más emotivos de todo el disco.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<b>Miembros:</b></div>
<div style="text-align: justify;">
Munaf Rayani: guitarra</div>
<div style="text-align: justify;">
Mark Smith: guitarra.</div>
<div style="text-align: justify;">
Michael James: bajo y guitarras </div>
<div style="text-align: justify;">
Chris Hrask: batería y percusión. </div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
Jorge Carriónhttp://www.blogger.com/profile/14814966440922975069noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-951302503354448812.post-29721959183842644862015-07-14T21:54:00.001+02:002018-11-30T13:33:39.179+01:00Mi Pequeña Historia - Andrés Suárez<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://4.bp.blogspot.com/-FhD_cEhPAyo/VZwHXC4TY4I/AAAAAAAAAYU/6ewMynJ_BqE/s1600/20150707_185525.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="188" src="https://4.bp.blogspot.com/-FhD_cEhPAyo/VZwHXC4TY4I/AAAAAAAAAYU/6ewMynJ_BqE/s640/20150707_185525.jpg" width="640" /></a></div>
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<br />
<div style="text-align: justify;">
</div>
<div class="separator" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: large;"><span style="font-family: "times" , "times new roman" , serif;">Ya que no creo que deba separarse
un disco de otro en el caso de este cantautor, aprovecharé que acaba de sacar
una nueva obra para analizar su <i>pequeña historia</i> a través de la mía. </span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: large;"><span style="font-family: "times" , "times new roman" , serif;">Andrés
ha crecido mucho en los últimos años, pasando de ser un artista marginal que
tocaba en bares con un cubata en la mano, a llenar el <i>Palau de la
Música</i> de Valencia el mes pasado. El cubata continua, eso sí. Y me alegro
mucho de ambas cosas.</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: large;"><span style="font-family: "times" , "times new roman" , serif;">Me
acuerdo cuando hace algunos años fui a verlo a la <i>Sala Matisse</i> y
éramos unos 40. Nos sabíamos todas las canciones aunque estéticamente no
impactaba tanto. Pero claro, este éxito masivo tiene sus inconvenientes.
Mientras que en el primero conseguir el disco firmado y charlar con él fue
cuestión de minutos, el mes pasado se convirtió en una tarea hercúlea. Y es que
ya tiene sus propias <i>groupies</i>, ya tiene sus fans incondicionales y
la avalancha al salir fue inevitable. Y como ya he dicho, me alegro. Me alegro
de que consiga el reconocimiento que se merece porque este artista para mí es
algo increíblemente especial. Y lo es por una parte porque como en el caso de
Extremoduro, al principio no me gustó. Y por otra, porque tengo que agradecer
el haber escuchado una de las voces más bellas y con mayor sentimiento en
español a la persona más importante de mi vida. Y aquí esto se va a poner algo
lacrimógeno, aviso. Porque ella, de nombre Gemma,
la persona que cuida cual tesoro un disco que Andrés le firmó diciéndole que
nunca le faltara salitre, es la ola que me abraza todos los días. Mi Ley
Innata, como ya publiqué una vez. Ella es el elemento que falta en todas las
imágenes que he expuesto antes. </span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: large;"><span style="font-family: "times" , "times new roman" , serif;">Nunca
habría llegado a <i>Maneras de Romper una Ola</i> sin ella, nunca
habría estado en la Sala Matisse cantando <i>Lo Malo está en el
Aire</i> a pleno plumón, y, por supuesto, nunca habría contemplado uno de
los conciertos más emotivos de mi vida en el <i>Palau de la Música </i>hace
unos días<i>. </i>Ella siempre está ahí.</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: large;"><span style="font-family: "times" , "times new roman" , serif;">Pero
retrocedamos un poco. En 2008, <i>Maneras de Romper una Ola </i>sale
a la luz. Y, como ya he dicho, no me gustó en absoluto. Una producción
horrible, unos músicos que parecían mercenarios sin ganas, un cantautor que
intentaba utilizar una banda pero sin mucho éxito... Pero a ella le encantó.
Pasa. Muchas veces pasa. Ella tiene esa sensibilidad poética de la que yo
carezco, a través de la cual me he podido acercar a muchas más obras
artísticas. Yo soy más narrativo, con un lirismo nulo. Nunca podría escribir
poesía, no tengo esa imaginación, esa capacidad de pensar el mundo a través de
otro mundo, yo sólo veo el que existe. Pero ella sí, y vio algo en Andrés, así
que tuve que acercarme, aunque escéptico. A veces creo que fue el mar. El mar
es tan especial para ella que un cantante como Andrés le tenía que gustar por
fuerza.</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: large;"><span style="font-family: "times" , "times new roman" , serif;"><i>Piedras
y charcos (EP)</i> de
2010 me acercó más a la orilla, pero seguía sin bañarme. Empezaba a sentir esa
sensibilidad tan particular que tiene Andrés para hablar del amor (o del
desamor), pero no terminaba de emocionarme. Sin duda fue el hecho de que otra
vez no nos encontrábamos con una buena producción, aparte del hecho de que se
tratara de un EP. Cosas de melómano heavy, nada que objetar ya a la música.</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: large;"><span style="font-family: "times" , "times new roman" , serif;">Había <i>algo
más</i> en este cantante, y llegó: <i>Benijo</i>. <a href="https://www.youtube.com/watch?v=2B9WPBs6Pj8">Pero <i>Benijo </i>en
directo</a>, que evidentemente, ella me mostró. Esa intensidad, esa pasión
cantando, esa manera de dejarse la piel y de llegar a tocar a la gente con la
voz fue algo que me acercó mucho más a él. Y mientras me adentraba en su música
me adentraba en su mar. Ella seguía escuchándolo, claro. Llegó 2011 y
surgió <i>Cuando vuelva la marea</i>. De una manera inexplicable sentí que
este disco me había unido a ella para siempre. Sentí como si me clavaran una
rosa directamente en el corazón. </span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: large;"><span style="font-family: "times" , "times new roman" , serif;">La
antes mencionada <a href="https://www.youtube.com/watch?v=xLRN4c0xO5E"><i>Lo
malo está en el aire</i></a> fue el primer paso mar adentro. Todo estaba
mucho más cuidado, los músicos sí que sabían lo que la voz del cantante podía
hacer. En una analogía <i>heavy</i> recuerdo que Tony Iommi de <i>Black
Sabbath</i> decía que mientras Ozzy Osbourne acompañaba con su voz
el <i>riff</i> de guitarra, Ronnie James Dio lo traspasaba. Y eso es
lo que hacía él en este disco, la voz era una flecha entre la música que la
acompañaba. Y los instrumentistas lo sabían. </span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: large;"><span style="font-family: "times" , "times new roman" , serif;">Lo
único que puedo decir de este disco es que ella me hizo sentir la poesía (y no
solo esta, toda en general), y con ello entendí que nada sería más importante
en mi vida, porque si ella podía hacer que un nihilista desencantado, un
empírico sin sensibilidad, viera la belleza del mundo cuando se reflejaba en su
ser, podría hacer cualquier cosa. Y yo con ella. Los dos juntos. Porque <i>no
existe dolor compartiendo mundo</i>.</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: large;"><span style="font-family: "times" , "times new roman" , serif;">No
digo que el disco sea perfecto, tiene sus puntos flojos (<a href="https://www.youtube.com/watch?v=gPar-YmAldo"><i>A media estrella</i></a> se
queda sin fuelle pese a ser de las más movidas; <a href="https://www.youtube.com/watch?v=AffyVnAj6jI"><i>Más de un 36</i></a> quizá
es demasiado comercial; <a href="https://www.youtube.com/watch?v=luekHkWCaoo"><i>Benijo</i></a>
aunque sigue siendo increíble pierde algo de fuerza con respecto a su versión acústica
de directo), pero en general es un disco excelente. En él, Andrés cumple uno de
sus sueños al cantar con uno de sus ídolos desde la infancia, el cantautor
cubano Pablo Milanés y la canción (<a href="https://www.youtube.com/watch?v=lnXe37BB32I"><i>Perdón por los bailes</i></a>)
es un gran acierto ya que le va como un guante a este último al incorporar
ciertos ritmos latinos, destacando ese dueto vocal a partir del min. 5:00
casi <i>a capella</i>.</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: large;"><span style="font-family: "times" , "times new roman" , serif;">Para
mí está lleno de clásicos de su repertorio, como <span style="color: blue;"><a href="https://www.youtube.com/watch?v=z9VCi1SSzi4"><i>Hay algo más</i></a></span>,
de la que pude descubrir (gracias a los monólogos de concierto típicos de
Andrés) que se trataba de una canción dedicada a ese café que tanto ha hecho
por grandes cantautores de este país, el <i>Libertad </i>madrileño; <span style="color: blue;"><a href="https://www.youtube.com/watch?v=K3eKVFC-VyU"><i>No
te quiero tanto</i></a></span>, creo que una de sus canciones más queridas, que
nunca falta en concierto y que regrabó para este disco; <span style="color: blue;"><a href="https://www.youtube.com/watch?v=mj35sUJs1O4"><i>Imagínanos</i></a></span>,
con una preciosa melodía al piano que me transporta a ese mundo imaginario del
que nos habla; <a href="https://www.youtube.com/watch?v=OLrojSxHhmA"><i>No
me queda un abril para ti</i></a>, un caso aparte, en la que ese toque celta
que tiene la canción y el gran ritmo que crean los músicos para la misma me
parece sublime; <a href="https://www.youtube.com/watch?v=Qxw7ILpsijo"><i>Piedras
y charcos</i></a>, una bellísima canción con una carga emocional
asombrosa, grabada de nuevo para este disco; sin olvidar el tema extra, <a href="https://www.youtube.com/watch?v=K2uxhJCK9TI"><i>Tengo 26</i></a>, que
grabó en el último momento y que para mí es extraordinariamente expresiva. No
es fácil transmitir a los demás las experiencias propias, pero Andrés en esta
canción lo hace con gran sutileza. La emoción con la que canta es imposible
conseguirla sin vivencias personales que la respalden. Y sin esa sensibilidad
tan a flor de piel de la que gente como yo carecemos.</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: large;"><span style="font-family: "times" , "times new roman" , serif;">Con
este disco me llené de arena y sal. Después de él fuimos de la mano a ver cómo
lo presentaba en directo en la <i>Sala Matisse</i>, y todavía me gustó
más. Andrés es un artista de directo, los discos (como él mismo reconoce) no le
permiten ver las reacciones de la gente al escuchar sus canciones, acercarse al
público…Y se nota. Allí estábamos nosotros viéndolo y disfrutando de su
concierto cuasi privado y sobre todo, disfrutando de nuestra historia. Una
unión invisible se forja a través de pequeños lazos de medida infinitesimal.
Son tantos que se convierten en algo tan resistente como el acero. Esa noche y
ese disco para mí fueron, son y serán dos de esos lazos microscópicos tan
importantes.</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: large;"><span style="font-family: "times" , "times new roman" , serif;">Como
ya he dicho, Andrés es un artista de directo, y por ese motivo su siguiente
disco fue algo muy original: presentó sus nuevas canciones en un concierto
grabado. Este disco se tituló <i>Moraima</i> y para mí es su mejor
disco hasta la fecha. Pocos artistas se atreven a presentar su nuevo material
en un álbum de concierto, muchas cosas pueden salir mal. Pero este es
inigualable. Cualquier disco del mundo que contuviera una canción como <i><a href="https://www.youtube.com/watch?v=Rj02LmHe20Y">Rosa y Manuel</a>,</i> ya
sería uno de los grandes, pero es que encima el resto de canciones tienen un
gran nivel de composición, con unos músicos de capacidad técnica apabullante,
perfectamente combinados entre sí, y una producción brillante a cargo de
Alfonso Pérez y Peter Walsh.</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: large;"><span style="font-family: "times" , "times new roman" , serif;">Andrés
maduró musicalmente de una manera exponencial con <i>Moraima</i>. La ilusión
con la que ella recibió este disco también maduró en mí, haciéndome más
partícipe de todo. Y es que contiene cortes tremendos. La citada <i>Rosa y
Manuel</i>, que trata sobre el amor entre su abuelo (que padecía alzhéimer) y
su abuela, es indescriptible. Ya no solo musicalmente sino líricamente, la
sensibilidad con la que se trata, la delicadeza de mostrar el amor más puro de
la manera más bella que se ha creado me emociona sobremanera. Cada vez que la
escucho me viene a la mente la película de Michael Haneke, <i>Amor</i>, que
trata un tema muy parecido aunque la crudeza de este director hace que no sea
tan lírica sino más tensa. Eso sí, el sentimiento de poder volver a creer en la
humanidad es el mismo. Y la única manera posible es a través del amor. Eso lo
podemos ver en muchas películas actuales (<i>Amor, Interstellar, La Gran
Belleza, El Árbol de la Vida…</i>): la única salvación del ser humano viene de
la mano del amor. Es la única fuerza capaz de superar las reglas del tiempo y
del espacio, lo que da sentido a todas las vidas.</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: large;"><span style="font-family: "times" , "times new roman" , serif;">Y
esto es lo que muestran tanto Andrés con su canción como Haneke con su
película: el amor es lo más puro que puede crear el ser humano. Quieren mostrar
otro sentimiento muy diferente del de las típicas comedias románticas. Se trata
de ver cómo la persona que ha sido el amor de tu vida, con la que has
compartido absolutamente todo, la que sabe los secretos que te aterran, la que
ha hecho de tu vida algo completo o incompleto, se va degenerando poco a poco y
no puedes hacer nada para evitarlo. No recuerda quién es ni quién eres. Pasar
esto siendo la persona que puede recordar debe ser una de las situaciones más
devastadoras de cualquier vida (no puedo imaginar cómo debe ser para el que
olvida). Y a su vez, no creo que exista mayor prueba de amor que quedarse a su
lado en todo momento, acompañando su viaje de la manera menos dolorosa posible,
aunque ni siquiera sepa que lo estás haciendo. Lo que me cubre de agua y sal no
sólo es la historia que cuentan estas obras, sino imaginarme que lo mismo me
llegara a pasar a mí: porque sé que fuera cual fuera el caso, haríamos lo
mismo.</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: large;"><span style="font-family: "times" , "times new roman" , serif;">Os
recomiendo escuchar todo el disco entero y sin pausas, porque merece la pena.
Si podéis verlo mientras lo oís, todavía mejor.</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: large;"><span style="font-family: "times" , "times new roman" , serif;">Y así
llegamos a la ascensión, al olimpo popular de nuestro artista. Nunca ha dejado de
reconocer sus influencias (Extremoduro, Sabina, Quique González, Antonio Vega,
Damien Rice…) y siempre se han dejado notar en la música, aunque el estilo es
cada vez más propio. Suena en las radios, lo anuncian en Spotify, <i>Números
Cardinales</i> se conoce en casi todos los puntos del mismos nombre… En
definitiva, ya no se trataba de aquel cantautor que hacía pases semi-privados
en salas de poca audiencia, ahora ya era todo un cantante popular.</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: large;"><span style="font-family: "times" , "times new roman" , serif;">Pero
sigue con sus canciones. El desamor como eje central de su obra no ha
desaparecido, aunque vemos que va superando el odio iracundo hacia su ex. Ahora
es más bien un desprecio cosificado. Ya llegamos con esto a <i>Mi pequeña
historia</i>, su pequeña historia. Podéis imaginaros lo que supuso la
noticia de un nuevo disco de Andrés para ella y de que la gira empezaba aquí,
donde nosotros vivíamos... ¡y cerca de su cumpleaños! No podía hacerle otro
regalo. Ya no íbamos a una sala donde la gente habla mientras el músico toca,
ahora íbamos a un templo donde grandísimos artistas de nuestro tiempo habían
mostrado su potencial. Y le tocaba el turno a Andrés. </span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: large;"><span style="font-family: "times" , "times new roman" , serif;">El
disco no había salido aún a la venta pero ya se lo sabía entero. Sabía que ella
iba a disfrutar muchísimo del concierto y con eso yo era feliz. Fue un
concierto excelente, con grandes músicos en el escenario. La presentación de
las nuevas canciones estuvo muy bien escogida, intercalando temas más clásicos.
Al principio Andrés estaba algo nervioso, se le notaba el respeto al lugar y
que prefería la cercanía al público que te ofrece una sala o un bar. Pero ya se
irá acostumbrando, ahora ya no puede ir a salas porque reventarían, es su
tiempo de estadios, es un nuevo maestro. </span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: large;"><span style="font-family: "times" , "times new roman" , serif;">En
ese concierto pudimos disfrutar de grandes canciones. Del disco tengo que
destacar por encima de cualquier otra <i><a href="https://www.youtube.com/watch?v=z1J-npLwRrk">Clasificados</a>. </i>Andrés
aquí se sale de su registro más conocido y decide jugar el partido en suelo más
inestable. Hablar de un tema tan delicado como son los desahucios a través de
una pareja en la que ella es el motor, el optimismo, la fuerza de los dos, me
parece una genialidad. Dibuja un corte magistral, tocado con la característica
sensibilidad de Andrés, que hace que algo tan crudo vuelva a llenarse de
sentimiento para todos los que lo escuchen. Y cuando duele, el sentimiento es
mucho más poderoso que las críticas más exacerbadas. </span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: large;"><span style="font-family: "times" , "times new roman" , serif;">Decía
antes que la ira hacia su ex va desapareciendo. Quizá no haya que pasarse, no
se ha ido, sigue siendo Andrés, pero sí que se ha transformado. Como digo, creo
que ahora desprecio es la palabra más adecuada. Y se nota en temas como <i><a href="https://www.youtube.com/watch?v=6FN1GSfuEeE">Te di vida y media</a> o <a href="https://www.youtube.com/watch?v=FLCa9RybY9s">No saben de ti</a></i>. Dos <i>power
ballads</i> clásicas donde nuestro artista escribe una carta a esta mujer que
tanto daño le hizo, pero no la escribe para que la lea, y esta es la gran
diferencia. Al igual que Kafka con su <i>Carta al padre,</i> esto no va
dirigido a la persona a la que se escribe, esto es para uno mismo. Ese <i>adiós</i>
final en <i>Te di vida y media </i>deja claro que ya le da igual que esa mujer
escuche la canción, o que no.</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: large;"><span style="font-family: "times" , "times new roman" , serif;">En
este disco Andrés se acerca mucho más al pop. En cortes como <i><a href="https://www.youtube.com/watch?v=KGzz2qOlxVQ">Te doy media noche</a> o <a href="https://www.youtube.com/watch?v=Mabqi75u3DU">Voy avolver a quererte</a></i>
vemos un tratamiento más comercial de los temas, aunque su voz y sus letras
siguen siendo las mismas. Es lógico que vaya evolucionando hacia estos sonidos
tanto por su firma con una gran discográfica como por acercarse a sus
influencias más directas.</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: large;"><span style="font-family: "times" , "times new roman" , serif;">Algunos
cortes son reinterpretaciones con la banda que ya estaban en su repertorio, una
de las más emblemáticas es <a href="https://www.youtube.com/watch?v=vNaS6xzlH6I"><i>Si
llueve en Sevilla</i></a>, donde podemos escuchar el <i>sonido</i> de Andrés.
Para mí esta canción es característica ya del sonido del cantante. Ya tiene su
propio sello personal y esta canción es su paradigma más claro. <a href="https://www.youtube.com/watch?v=ICiDSPLhV0M"><i>Dublin</i></a> es otro de
los temas que ya había tocado<i> </i>en otras ocasiones en directo y aquí la
encontramos con los arreglos que un bandón como el que le acompaña es capaz de
realizar. Un medio tiempo muy sutil que deja todo el protagonismo a la voz y
que, como siempre, consigue contarnos una historia (de amor, claro) y
emocionarnos sólo con el vibrar de su voz.</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: large;"><span style="font-family: "times" , "times new roman" , serif;">Un
registro más cercano al <i>rock</i> que tanto le gusta a Andrés lo encontramos
en <a href="https://www.youtube.com/watch?v=lSW5bCW8jIw"><i>Luz de Pregonda</i></a>,
y quizá por ello es de mis favoritas. Está claro que la voz de este cantante
nos remite más a paisajes líricos y para crear el paisaje que los acompañe es
mejor utilizar medios tiempos o baladas, pero aún así, el tema es muy grande,
con unas guitarras a lo U2 que son el campo perfecto donde sembrar la
sensibilidad con la que nos ataca la voz.</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: large;"><span style="font-family: "times" , "times new roman" , serif;"><a href="https://www.youtube.com/watch?v=9ABpZbJCYOw"><i>Pequeña historia de
Marina</i></a> tiene un toque muy cubano en la voz, por veces utiliza las
técnicas de fraseo de Milanés. Canción de amor más clásica, balada lenta donde
la protagonista es la voz. Algo parecida es <a href="https://www.youtube.com/watch?v=WFHlI51Rfjk"><i>Una noche de verano</i></a>,
aunque ésta aumente el ritmo al final para mostrar el énfasis de la letra.
Tiene una sonoridad algo más de café, con el piano y una batería <i>jazzística</i>
acompañando a la voz. Aquí Andrés tiene un registro vocal más bajo, con tonos
graves para expresar la tristeza tal y como el tema requiere.</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: large;"><span style="font-family: "times" , "times new roman" , serif;">Por
último, en el disco encontramos un <i>bonus track</i>, <a href="https://www.youtube.com/watch?v=7t_VI-yvA6s"><i>Te va a pasar</i></a> una
preciosa canción dedicada a una persona muy especial para Andrés (creo que a su
hermana). Una carta que a través de bellísimas imágenes arropa a esa persona en
su vida y en lo que le espera en ella. Con apenas un susurro y su guitarra,
Andrés construye un tema precioso que cualquier padre y madre querría componer
para su hija o hijo. La música que crea la canción me transporta a ciertos
parajes norteños de la geografía española y me pregunto si no se habrá
inspirado en alguna canción tradicional de esas bellas tierras para componerla.
</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: large;"><span style="font-family: "times" , "times new roman" , serif;">La
edición especial del disco, que es la que compramos, viene con otro disco que
contiene las maquetas de todas las canciones. En ellas se encuentran Andrés y
su guitarra. Es fantástico escucharlo para así ver cómo han evolucionado los
temas, pero esto tiene un riesgo. Puede pasar que las personas con una
sensibilidad poética a flor de piel se enamoren de este disco más que del otro.
Y eso es lo que le ha ocurrido a ella. A mí no, es lógico, yo necesito más para
que las canciones me lleguen (no por nada me gusta más la fase eléctrica de
Dylan que la acústica, por ejemplo), pero si realmente puedes sentir la poesía
por tus poros caerás rendido ante las maquetas del disco. A ella le ha ocurrido
porque al contrario que para mí, los instrumentos a veces no son más que obstáculos
que le impiden ver la esencia de lo que Andrés quiere transmitir con sus
canciones. Y aunque no pueda sentirlo de la misma manera que ella, sí que la
puedo entender perfectamente porque cuando la veo también me parece que la ropa
que lleva no es más que un obstáculo que me impide ver la esencia de lo más
bello de mi vida.</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: large;"><span style="font-family: "times" , "times new roman" , serif;"><br /></span></span></div>
<div align="center" style="text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><span style="font-family: "times" , "times new roman" , serif;"><b>LA
BANDA</b>:</span></span></div>
<div align="center" style="text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><span style="font-family: "times" , "times new roman" , serif;"><b>Andrés
Suárez</b>: Guitarra
acústico y voz.</span></span></div>
<div align="center" style="text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><span style="font-family: "times" , "times new roman" , serif;"><b>Alfonso
Pérez</b>: Piano, teclados y
programación, voces y dirección musical.</span></span></div>
<div align="center" style="text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><span style="font-family: "times" , "times new roman" , serif;"><b>Luismi
Baladrón</b>: Bajo y Voces.</span></span></div>
<div align="center" style="text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><span style="font-family: "times" , "times new roman" , serif;"><b>Andrés
Litwin</b>: Batería y
percusión.</span></span></div>
<div align="center" style="text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><span style="font-family: "times" , "times new roman" , serif;"><b>Jan
Ozveren</b>: Guitarras
eléctricas y acústicas, ukelele.</span></span></div>
<div align="center" style="text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><span style="font-family: "times" , "times new roman" , serif;"><b>Marino
Saiz</b>: Violín.</span></span></div>
<div align="center" style="text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><span style="font-family: "times" , "times new roman" , serif;"><b>Iván
Martín</b>: Viola.</span></span></div>
<div align="center" style="text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><span style="font-family: "times" , "times new roman" , serif;"><b>Josep
Trescoll</b>: Cello.</span></span></div>
<div align="center" style="text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><span style="font-family: "times" , "times new roman" , serif;"><b>Miquel
de la Cierva</b>: Pedal <i>steel
guitar</i> en <i>Pequeña historia de Marina</i>.</span></span></div>
<div align="center" style="text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><span style="font-family: "times" , "times new roman" , serif;"><b>Peter
Walsh</b>: Piano en <i>Voy a
volver a quererte</i>, teclados y programación en <i>Dublín</i>, <i>No saben de
ti, Una noche de verano, Luz de Pregonda</i> (piano adicional).</span></span><span style="font-size: 18pt;"> </span></div>
Jorge Carriónhttp://www.blogger.com/profile/14814966440922975069noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-951302503354448812.post-65580038188446877122015-07-06T13:08:00.001+02:002018-12-18T09:31:22.720+01:00American Pie (traducción e interpretación) - Don McLean<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://1.bp.blogspot.com/-d-8tHA2Dy88/VZpjoyQJwnI/AAAAAAAAAXY/_WS0MQvVI4g/s1600/don_mclean_american_pie_sep17.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" src="https://1.bp.blogspot.com/-d-8tHA2Dy88/VZpjoyQJwnI/AAAAAAAAAXY/_WS0MQvVI4g/s320/don_mclean_american_pie_sep17.jpg" width="320" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Mucho se ha hablado de esta
canción. Don McLean la publicó allá por 1971 en un álbum homónimo y
desde entonces se ha especulado sobre su significado tanto que es
imposible condensar todas las críticas. <b>Se la nombró "Canción del Siglo"</b>
por la Asociación de Industria Discográfica de Estados Unidos y <a href="http://www.rtve.es/noticias/20150407/manuscrito-original-cancion-american-pie-subastado-mas-millon-euros/1125380.shtml">hace pocos meses se compró el manuscrito original</a>
tomado del puño y letra del propio McLean. Para mí, más allá de su
grandioso estribillo pegadizo que encandiló y ha encadilado a gran parte
de la sociedad estadounidense, esta canción representa un amor por la
música desorbitado. Y un talento inusitado, por otro lado, ya que crear
una letra con tal juego metamusical y no morir en el intento me parece
una tarea reservada para los dioses del Olimpo. Pero para todos aquellos
que nunca hayáis oído hablar de este tema, de este cantautor
norteamericano o que simplemente queráis acercaros más a<b> una de las
canciones más emblemáticas de la cultura popular </b>aquí os voy a dejar mi
interpretación de la misma, así como una traducción para que se pueda
apreciar el tema en su totalidad (vaya por delante que ni soy traductor
ni poeta, la traducción que deje aquí dista mucho de ser perfecta, se
debe utilizar más como una guía que nunca se podrá separar de su uso de
la letra original).</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
<i>[Intro]</i><br />
A long, long time ago/Hace mucho, mucho tiempo<br />
I can still remember how that music used to make me smile/Recuerdo como aquella música me hacía sonreír<br />
And I knew if I had my chance/Y sabía que si hubiera tenido mi oportunidad<br />
That I could make those people dance/Podría haber hecho a aquella gente bailar<br />
And maybe they'd be happy for a while/y quizás hacerlos felices durante un rato<br />
<br />
But February made me shiver/Pero Febrero me hizo estremecerme<br />
With every paper I'd deliver/Con cada papel que entregaría<br />
Bad news on the doorstep/Malas noticias en el escalón<br />
I couldn't take one more step/No pude dar ni un paso más<br />
<br />
I can't remember if I cried/No puedo recordar si lloré<br />
When I read about his widowed bride/Cuando leí sobre su viuda <br />
But something touched me deep inside/Pero algo me tocó muy profundamente<br />
The day the music died/El día en que la música murió<br />
<br />
<i>[Chorus:]</i><br />
So bye, bye, Miss American Pie/Así que adiós, adiós, Miss Tarta Americana<br />
Drove my Chevy to the levee but the levee was dry/Conducí mi <i>Chevy</i> hasta el dique, pero estaba seco<br />
And them good ole boys were drinking whiskey 'n rye/Y los chicos rudos estaban bebiendo whisky y<a href="http://elgrancatador.imujer.com/3405/caracteristicas-del-whisky-de-centeno"> rye</a><br />
Singin' this'll be the day that I die/Cantando "Este será el día en que muera"<br />
This'll be the day that I die/"Este será el día en que muera"<br />
<br />
<i>[Verse 1]</i><br />
Did you write the book of love/¿Escribiste el libro del amor<br />
And do you have faith in God above/Y tienes fe en un Dios sobre nuestras cabezas<br />
If the Bible tells you so?/Si la Biblia te lo dice?<br />
Now do you believe in rock and roll?/¿Crees ahora en el rock and roll?<br />
Can music save your mortal soul?/¿Puede la música salvar tu alma mortal?<br />
And can you teach me how to dance real slow?/¿Y puedes enseñarme a bailar muy lento?<br />
<br />
Well, I know that you're in love with him/Bueno, sé que estás enamorada de él<br />
'Cause I saw you dancin' in the gym/Porque os vi bailando en el gimnasio<br />
You both kicked off your shoes/Los dos os quitásteis las zapatillas<br />
Man, I dig those rhythm and blues/Tio, me mola ese R&B<br />
<br />
I was a lonely teenage broncin' buck/Yo era un solitario adolescente y conductor desbocado<br />
With a pink carnation and a pickup truck/Con la piel rosa y una camioneta<br />
But I knew I was out of luck/Pero supe que mi suerte se esfumó<br />
The day the music died/El día en que la música murió<br />
<br />
<i>[Chorus:]</i><br />
I started singing bye, bye, Miss American Pie/Y empecé a cantar adiós, adiós, Miss Tarta Americana<br />
Drove my Chevy to the levee but the levee was dry/Conducí mi <i>Chevy</i> hasta el dique, pero estaba seco<br />
And them good ole boys were drinking whiskey 'n rye/Y los chicos rudos estaban bebiendo whisky y<a href="http://elgrancatador.imujer.com/3405/caracteristicas-del-whisky-de-centeno"> rye</a><br />
Singin' this'll be the day that I die/Cantando "Este será el día en que muera"<br />
This'll be the day that I die/"Este será el día en que muera"<br />
<br />
<i>[Verse 2]</i><br />
Now for ten years we've been on our own/Ahora llevamos diez años solos<br />
And moss grows fat on a rollin' stone/Y el musgo creció en una piedra rodante<br />
But that's not how it used to be/Pero eso no es como solía ser<br />
When the jester sang for the king and queen/Cuando el pícaro cantó para el rey y la reina<br />
In a coat he borrowed from James Dean/En un abrigo prestado de James Dean<br />
And a voice that came from you and me/Y una voz que salía de ti y de mí</div>
<div style="text-align: center;">
<br />
Oh, and while the king was looking down/Oh, y cuando el rey miraba hacia abajo<br />
The jester stole his thorny crown/El pícaro robó su corona de espinas<br />
The courtroom was adjourned/El juicio fue aplazado<br />
No verdict was returned/No hubo ningún veredicto<br />
<br />
And while Lenin read a book on Marx/Y mientras Lenin leía un libro sobre Marx<br />
The quartet practiced in the park/El cuarteto practicaba en el parque<br />
And we sang dirges in the dark/Y nosotros cantábamos llantos en la penumbra<br />
The day the music died/El día que la música murió</div>
<div style="text-align: center;">
<br />
<i>[Chorus:]</i><br />
We were singing bye, bye, Miss American Pie/Cantábamos adiós, adiós, Miss Tarta Americana<br />
Drove my Chevy to the levee but the levee was dry/Conducí mi <i>Chevy</i> hasta el dique, pero estaba seco<br />
And them good ole boys were drinking whiskey 'n rye/Y los chicos rudos estaban bebiendo whisky y<a href="http://elgrancatador.imujer.com/3405/caracteristicas-del-whisky-de-centeno"> rye</a><br />
Singin' this'll be the day that I die/Cantando "Este será el día en que muera"<br />
This'll be the day that I die/"Este será el día en que muera"<br />
<i>[Verse 3]</i><br />
Helter skelter in a summer swelter/Atropelladamente en un sofocante verano<br />
The birds flew off with a fallout shelter/Los pájaros volaban con un abrigo de caídas<br />
Eight miles high and falling fast/A ocho millas y cayendo rápidamente</div>
<div style="text-align: center;">
<br />
It landed foul on the grass/Aterriza la falta en la hierba<br />
The players tried for a forward pass/Los jugadores intentaron un pase hacia delante<br />
With the jester on the sidelines in a cast/Con el pícaro en el banquillo en un molde<br />
<br />
Now the halftime air was sweet perfume/El aire del medio tiempo trae un dulce perfume<br />
While the sergeants played a marching tune/Mientras los sargentos tocan una marcha fúnebre<br />
We all got up to dance/Todos nos levantamos a bailar<br />
Oh, but we never got the chance/Oh, pero nunca tuvimos la oportunidad<br />
<br />
'Cause the players tried to take the field/Porque los jugadores intentaron tomar el campo<br />
The marching band refused to yield/La banda fúnebre se negó a rendirse<br />
Do you recall what was revealed/¿Te das cuenta de lo que se reveló<br />
The day the music died?/ El día en que la música mrió?<br />
<br />
<i>[Chorus:]</i><br />
We started singing bye, bye, Miss American Pie/Empezamos a cantar adiós, adiós, Miss Tarta Americana<br />
Drove my Chevy to the levee but the levee was dry/Conducí mi <i>Chevy</i> hasta el dique, pero estaba seco<br />
And them good ole boys were drinking whiskey 'n rye/Y los chicos rudos estaban bebiendo whisky y<a href="http://elgrancatador.imujer.com/3405/caracteristicas-del-whisky-de-centeno"> rye</a><br />
Singin' this'll be the day that I die/Cantando "Este será el día en que muera"<br />
This'll be the day that I die/"Este será el día en que muera"<br />
<br />
<i>[Verse 4]</i><br />
Oh, and there we were all in one place/Oh, y todos estaban en el mismo sitio<br />
A generation lost in space/Una generación perdida en el espacio<br />
With no time left to start again/Sin tiempo con el que empezar de nuevo<br />
So come on, Jack be nimble, Jack be quick/Así que vamos, Jack sé ágil, Jack sé rápido<br />
Jack Flash sat on a candlestick/Jack Flash sentado en una vela<br />
'Cause fire is the devil's only friend/Porque el fuego es el único amigo del diablo<br />
<br />
Oh, and as I watched him on the stage/Oh, y mientras lo veía en el escenario<br />
My hands were clenched in fists of rage/Mis manos se cerraban en puños de ira<br />
No angel born in Hell/Ningún ángel nacido en el Infierno<br />
Could break that Satan's spell/Podría romper el hecho de Satán<br />
<br />
And as the flames climbed high into the night/ Y las llamas crecieron alto durante la noche<br />
To light the sacrificial rite/Para alumbrar el rito de sacrificio<br />
I saw Satan laughing with delight/Vi a Satan riéndose con placer<br />
The day the music died/El día en que la música murió<br />
<br />
<i>[Chorus:]</i><br />
He was singing bye, bye, Miss American Pie/Él estaba cantando adiós, adiós, Miss Tarta Americana<br />
Drove my Chevy to the levee but the levee was dry/Conducí mi <i>Chevy</i> hasta el dique, pero estaba seco<br />
And them good ole boys were drinking whiskey 'n rye/Y los chicos rudos estaban bebiendo whisky y<a href="http://elgrancatador.imujer.com/3405/caracteristicas-del-whisky-de-centeno"> rye</a><br />
Singin' this'll be the day that I die/Cantando "Este será el día en que muera"<br />
This'll be the day that I die/"Este será el día en que muera"<br />
<br />
<i>[Outro]</i><br />
I met a girl who sang the blues/Conocí a una chica que cantaba blues<br />
And I asked her for some happy news/Y le pedí buenas noticias<br />
But she just smiled and turned away/Pero ella sólo sonrió y se fue<br />
I went down to the sacred store/Fui a la tienda sagrada<br />
Where I'd heard the music years before/Donde había escuchado la música años antes<br />
But the man there said the music wouldn't play/Pero el hombre allí me dijo que la música no sonaría<br />
<br />
And in the streets, the children screamed/Y en las callas, los niños gritan<br />
The lovers cried and the poets dreamed/Los amantes lloran y los poetas sueñan<br />
But not a word was spoken/Pero no se dice ni una palabra<br />
The church bells all were broken/Las campanas de las iglesias están rotas<br />
<br />
And the three men I admire most/Y los tres hombres que más admiro<br />
The Father, Son and the Holy Ghost/El Padre, el Hijo y el Espíritu Santo, <br />
They caught the last train for the coast/Cogieron el último tren para la costa<br />
The day the music died/El día que la música murió<br />
<br />
<i>[Chorus:]</i><br />
And they were singing bye, bye, Miss American Pie/Y ellos estaban cantando diós, adiós, Miss Tarta Americana<br />
Drove my Chevy to the levee but the levee was dry/Conducí mi <i>Chevy</i> hasta el dique, pero estaba seco<br />
And them good ole boys were drinking whiskey 'n rye/Y los chicos rudos estaban bebiendo whisky y<a href="http://elgrancatador.imujer.com/3405/caracteristicas-del-whisky-de-centeno"> rye</a><br />
Singin' this'll be the day that I die/Cantando "Este será el día en que muera"<br />
This'll be the day that I die/"Este será el día en que muera"<br />
<br />
<i>[Chorus:]</i></div>
<div style="text-align: center;">
<i> </i>They were singing bye, bye, Miss American Pie/Ellos estaban cantando diós, adiós, Miss Tarta Americana<br />
Drove my Chevy to the levee but the levee was dry/Conducí mi <i>Chevy</i> hasta el dique, pero estaba seco<br />
And them good ole boys were drinking whiskey 'n rye/Y los chicos rudos estaban bebiendo whisky y<a href="http://elgrancatador.imujer.com/3405/caracteristicas-del-whisky-de-centeno"> rye</a><br />
Singin' this'll be the day that I die/Cantando "Este será el día en que muera"<br />
This'll be the day that I die/"Este será el día en que muera".</div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
La canción comienza con una clara alusión a los inicios del <i>Rock And Roll</i>,
una época que McLean admiraba y prefería a la que vivía en aquel
momento. A él le hubiera gustado participar de todo aquello, ya que los
hombres que más le influenciaron musicalmente vivieron en esa época y
<b>crearon el estilo que más tarde se convertiría en mundial</b>. Esos tres
hombres aparecen en la segunda estrofa, donde todo se vuelve más
sombrío. Cuando nos dice que "febrero le hizo estremecerse" nos está
hablando del accidente de avión que provocó la muerte de 3 artistas que
fueron piezas clave en la formación de la música que tanto gustaba a
McLean: <a href="https://www.youtube.com/watch?v=QzDzt9lGwhM&list=PLwsj24s-X3-rlF4dRIBSGAm9KFHmb3CTQ">Buddy Holly</a>, <a href="https://www.youtube.com/watch?v=Jp6j5HJ-Cok">Ritchie Valens</a> y <a href="https://www.youtube.com/watch?v=4b-by5e4saI"><i>The Big Hopper</i></a>.
El <a href="http://www.history.com/this-day-in-history/the-day-the-music-died">3 de febrero de 1959 ocurrió esta tragedia</a> y a este día se le
bautizó con el nombre del "día en que la música murió". Por ello, McLean
nos habla de las malas notícias que encontró en el escalón de la puerta
de entrada (donde habitualmente se deposita el periódico en las casas
típicas americanas) y de las lágrimas que no sabe si derramó al saber
sobre la familia de ellos.<br />
</div>
<div style="text-align: justify;">
Aquí
el autor nos habla ya de que algo le ocurrió en ese momento, algo que
le cambió muy profundamente, algo que intenta reflejar en esta canción. Y con eso llega hasta el estribillo de la
canción, donde podemos observar una variedad y una cantidad de tópicos
americanos muy numerosa. Empieza con el título de la canción, que no nos
habla de otra cosa que de la tarta americana, producto típico y casero
en aquellos lares (las habituales suelen ser de manzana o de otro tipo
de fruta). Nos dice además que condució su coche (Chevy es un diminutivo
de Chevrolet, marca americana por excelencia) hasta el dique, que
estaba seco, y de los muchachos sureños (<i>good ole boys</i> es una
expresión que se utiliza para <b>todos aquellos adolescentes con maneras
sureñas</b>, algo rudos y salvajes), que, bebiendo whisky y rye (whisky de centeno, parecido al <i>bourbon</i>), cantaban sobre el
día de su muerte (referencia aquí a la canción de Buddy Holly <a href="https://www.youtube.com/watch?v=9nrInsANB8Q"><i>That'll be the day</i></a>). El significado lírico de todas estas imágenes para mí
no es otro que presentarnos aquello americano <b>(ese <i>sueño</i> que se convirtió en pesadilla</b>), ya que en lo americano
estaba la esencia de la buena música que gustaba a McLean. Si esos
muchachos morían era porque lo americano se estaba perdiendo, se estaba
secando.<br />
</div>
<div style="text-align: justify;">
Y a partir de
aquí ya nos podemos encontrar con el juego que McLean creó a través de
los mayores hitos musicales de su generación, y que han llevado a
numerosos críticos a examinar esta canción como si de un rompecabezas se
tratara. En la primera estrofa después del estribillo nos encontramos
al autor cantando sobre el "libro del amor" en clara referencia a <b>la
generación <i>beat</i> y, sobre todo, al movimiento <i>hippie</i></b>. Les está cantando a todos aquellos artistas que influenciaron en este movimiento y que secaron las ideas que habían hecho el <i>Rock and Roll</i>
anterior la mejor música creada para este cantante. También nos habla
de la fe en Dios y la Biblia, de una forma un tanto sarcástica para acto
seguido comparar a este Dios con el <i>rock and roll</i> y preguntarse si <b>la música podría salvar nuestro alma</b> como mortales que somos.<br />
</div>
<div style="text-align: justify;">
En
la siguiente estrofa muchos críticos apuntan a un cierto resentimiento
con alguna chica con la que McLean había estado y no había salido bien,
pero para mí esto no tiene mucho sentido. Si bien es cierto que habla de
una chica que está enamorada de algún otro, no vemos ese resentimiento
sino un sentimiento de nostalgía por aquellos tiempos en los que bailar
con alguien significaba mucho más. Recuerda
como era él en aquel entonces, un adolescente desbocado al volante de
su camioneta, pero que aún así pudo entender <b>lo que significó aquel día
en la vida de la sociedad americana</b>.<br />
</div>
<div style="text-align: justify;">
Tras
el segundo estribillo McLean nos dice que ya llevan diez años sin
ayuda, sin los grandes referentes en música, y que el <b>"musgo crece en
una piedra rodante"</b>. Clara alusión a los <i>Rolling Stones</i>, que consideraba que habían matado el espíritu de una generación. Más adelante lo toca en profundidad. Con otro<i> flashback</i>
McLean nos acerca a la época en la que Elvis era el rey de la canción
popular, en la que era el Rey de las masas. Pero entonces, llegó el <i>pícaro</i> (Bob Dylan) cantando con <b>"un abrigo prestado de James Dean"</b> (por la portada del disco de Dylan <i>The Freewheelin' of Bob Dylan, ver imagen abajo)</i> para robarle su espinosa corona. Otras teorías apuntan a que el rey era el cantante <i>folk</i> Pete Seeger y la reina la también cantante <i>folk</i> Joan Baez (que tuvo su <i>affair </i>con
Dylan además), pero yo me inclino más por la imagen de Elvis ya que
este fue reemplazado por Dylan en todos los aspectos de su carrera (como
figura revolucionaria de la música, como actor, como estrella
mediática...), mientras que Seeger nunca tuvo la repercusión que Dylan o
Elvis consiguieron.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://thefaustorocksyeah.files.wordpress.com/2011/07/freewheelin-bob-dylan.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="400" src="https://thefaustorocksyeah.files.wordpress.com/2011/07/freewheelin-bob-dylan.jpg" width="400" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://ecx.images-amazon.com/images/I/719BGLk3lNL._SL1207_.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><br /></a></div>
<div style="text-align: justify;">
El cuarteto de la siguiente estrofa no son otros que los <i>Beatles</i>,
los cuales nos dice el autor que ya practicaban <b>marchas fúnebres en el
parque</b> en este momento, en una oscura broma donde aquellos ya sabrían lo
que iban a significar para la música popular y sólo estaban esperando
el momento de asesinar a todos sus predecesores desde el momento en que
la música murió.</div>
<div style="text-align: justify;">
"Helter Skelter in a summer swelter<span style="font-family: "times" , "times new roman" , serif;"><span style="font-size: small;"><span lang="en-GB">/The birds flew off with a fallout shelter / Eight miles high and falling fast"</span></span> </span>no es sino otra referencia a los <i>Beatles</i> y a su canción titulada <a href="https://www.youtube.com/watch?v=S8SImoLm_UI"><i>Helter Skelter</i></a>
del <i>White Album</i> (que sería una de las primeras canciones proto-heavys de la historia), así como al grupo <i>The Byrds</i> y su canción <i><a href="https://www.youtube.com/watch?v=HCy8EUY4pqk">Eight Miles High</a>.</i> Las dos estrofas que le siguen utilizan la metáfora de un terreno de
juego donde Dylan (<i>the jester</i>) esperaba sentado en el banquillo a que los demás jugadores se cayeran y los <i>Beatles (los sargentos,</i> en alusión a su célebre álbum <i>Sgt. Peppers Lonely Hearts Club Band</i>, que es otro gran ejemplo de intertextualidad y metamusicalidad<i>)</i> seguían tocando su fúnebre melodía. <b>La generación que aquí se muestra traía un dulce perfume</b> (de marihuana principalmente).<br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://static.stereogum.com/blogs.dir/2/files/2013/11/Sgt-Pepper.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://static.stereogum.com/blogs.dir/2/files/2013/11/Sgt-Pepper.jpg" height="386" width="400"></a></div>
</div>
<div style="text-align: justify;">
Tras
el siguiente estribillo ya encontramos el fin de esta generación que se
encontraba mirando el terreno de juego anterior. Los <i>Rolling Stones </i>organizaron
un concierto gratuito en Altamont en 1969 y contrataron como agentes de
seguridad al grupo de moteros conocido como los <i>Ángeles del Infierno</i> (<i>Hell's Angels)</i>. Mientras en el escenario los <i>Stones</i> tocaban su legendario tema <i>Sympathy for the Devil</i>
(compasión por el diablo) las cosas se empezaron a calentar entre el
público y los ángeles. Poco más tarde, durante la canción <i>Under my thumb</i> los altercados se convirtieron en
pelea y más tarde en tragedia, <b>cuando uno de los ángeles saco un
cuchillo y asesinó a uno de los asistentes, Meredith Hunter</b>.</div>
<br />
<div style="text-align: justify;">
En <a href="https://www.youtube.com/watch?v=0qTKsylrpsg">este video</a> se pueden ver las escalofríantes imágenes. McLean acusa a los <i>Stones</i> de haber secuestrado a esa generación que traía el dulce perfume y
haberla destruido con la ayuda del diablo: <br />
<div style="text-align: center;">
<blockquote class="tr_bq">
No angel born in Hell<br />
Could break that Satan's spell<br />
And as the flames climbed high into the night<br />
To light the sacrificial rite<br />
I saw Satan laughing with delight<br />
The day the music died</blockquote>
</div>
</div>
<div style="text-align: justify;">
McLean
reconstruye Altamont desde un punto de vista poético y lo hace para
hacer ver que no sólo allí ocurrió la tragedia de que murió un hombre
sino que también murió, otra vez, la música.<b> Murió el sueño de una generación</b> que creía en el amor como mecanismo de salvación, murió el movimiento que comenzó con Dylan y los <i>Beatles</i>, y todo ocurrió por la violencia que habían estado denostando durante todo ese período.<br />
Las estrofas que
acompañan al pasaje sosegado con el que cierra la canción antes de su
estribillo final nos muestran un mundo casi post-apocalíptico donde los
niños chillan, las campanas han desaparecido porque ningún sonido
parecido a la música podría sonar, donde las tiendas en las que la música
había sido su santuario habían cerrado, donde las cantantes (<i>Janis Joplin</i>) que hacían blues se habían marchado y donde la santísima Trinidad de la música <i>rock <b>había cogido su último tren hacia la costa</b></i><b>.</b><br />
<br />
Tengo que decir que aunque esta canción me encante por su profundidad poética y su demostrado amor por la música, no comparto su visión pesimista que se observa durante y tras la generación <i>hippie</i>,
ya que creo que surgieron muchas cosas excelentes. Y que me
resulta muy curioso que se critique con tanto ahínco a artistas como
Dylan o <i>Beatles</i> cuando <b>McLean utiliza el estilo musical que ellos
cultivaron unos años antes (sobre todo Dylan) para crear su obra</b>. Dejo a
vuestra elección decidir si esto es un último acto de protesta y
provocación del autor para con los artistas mencionados o si, por el
contrario, fue algo más bien accidental. </div>
<br />Jorge Carriónhttp://www.blogger.com/profile/14814966440922975069noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-951302503354448812.post-28786163025165807832015-06-29T16:31:00.000+02:002018-11-30T13:34:17.749+01:00Highway 61 Revisited - Bob Dylan<div style="text-align: justify;">
</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://4.bp.blogspot.com/-MD-F1PhB32E/UszCXACDaQI/AAAAAAAABt8/l6fKgd0ZSW8/s1600/Highway+61+Revisited+Bob+Dylan++Highway+61+Revisite.png" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="400" src="https://4.bp.blogspot.com/-MD-F1PhB32E/UszCXACDaQI/AAAAAAAABt8/l6fKgd0ZSW8/s400/Highway+61+Revisited+Bob+Dylan++Highway+61+Revisite.png" width="400" /></a></div>
<div style="text-align: justify;">
Quedan apenas 2 meses para que este disco cumpla 50 años y no creo que haya mejor ocasión para preparar una introducción a esta grandiosa obra, <i>Highway 61 Revisited</i>. Bob Dylan es un artista mundialmente conocido al que se conoce incluso sin haberle escuchado en absoluto. Es una de las marcas más grandes de la historia de la música y su nombre significa tantas cosas a la vez que es imposible clasificarlo. Quizá por ello cuando lo escuché por primera vez no me emocionó tanto como me hubiera imaginado, podría decir incluso que me decepcionó. Imaginaos: un adolescente que ha oído toda su corta vida hablar de un personaje como este de una manera mítica, que ha leído tantas alabanzas sobre sus discos y sobre su crudeza y magnitud titánicas para la música popular que casi le da miedo acercarse. Que ha visto que una canción suya es para la revista <i>Rolling Stone</i><a href="http://rollingstone.es/1-like-a-rolling-stone-bob-dylan-2/?navigate=1&list_name=lista-363&lista_link="> la mejor canción de todos los tiempos</a>. No le quedaba otro remedio que, cuando Internet llegó a su hogar y el acceso a la música fue algo más sencillo, escucharle. Y claro, ¿por dónde empezar? La tarea es prácticamente hercúlea, la discografía de Dylan es apabullante. Por ello decidí fiarme de Rolling Stone y su lista, puse a todo volumen <i>Like a Rolling Stone</i> y me dejé llevar.<br />
Lo malo es que no me llevó a ninguna parte. No noté esa sacudida de la que hablaban los críticos, no ví los cantos a la libertad y al cambio de los que tanto había oído hablar, no encontré la crudeza que Dylan siempre había representado, no escuché la mejor canción de la historia. Y entonces lo abandoné. Durante años, Dylan fue para mí un paria musical, no le dí más importancia que a cualquier cantante folk americano.</div>
<div style="text-align: justify;">
Pero no hace mucho vi una película de Dylan en el momento en que estaba componiendo las canciones con las que yo me estrellé, durante la gira británica de 1965. El extraordinario film (<i><a href="http://walrusvideo.com/bob-dylan-dont-look-back/">Don't Look Back</a> </i>de D.A. Pennebaker) sí que mostraba esa crudeza de Dylan siendo una persona casi misántropa, un ser que tenía hipnotizada a toda una generación y que esa carga quizá le vino demasiado grande. Siempre se ha hablado del compromiso político de Bob Dylan de una manera bastante grandilocuente, pero lo cierto es que hasta él mismo reconoció que no estaba interesado en ninguna lucha política, que cantaba por sus amigos, por las vivencias que tenía y por las influencias (Woody Guthrie como una de las principales) que se había ido encontrando (para profundizar más en este tema y en la época de creación y transición dylaniana de los 60' ver <a href="http://www.filmaffinity.com/es/film623821.html"><i>No Direction Home</i></a> de Martin Scorsese). Y esa bendición maldita que le sobrevino creó a una personalidad ambigua y taimada, un ser complicadísimo que puede que haya estado buscándose durante toda su vida sin llegar a encontrarse. Y al entender todo esto sobre el autor, la música entró sola. Debió ser que necesitaba lubricación, pero ahora estaba perfectamente engrasado para lo que Dylan quisiera decirme. Y me dijo muchas cosas.</div>
<div style="text-align: justify;">
Así volví a <i><a href="https://www.youtube.com/watch?v=syNLBJ_Lq9E">Like Rolling Stone</a>. </i>Para captar todo lo que esta canción significó para la música popular de nuestro siglo debería escribir hasta colapsar blogger, así que intentaré resumir mucho.<br />
Dylan venía de un disco extraño para sus seguidores (<a href="https://www.youtube.com/watch?v=c7WAoepiuCg&list=PLknidvzcLCRHT9DtzRY4XaX8Ks91m-sAt">Bringing It all Back Home</a>) con una cara completamente acústica (lo que hasta ese momento había hecho) y otra con elementos de blues (guitarra eléctrica, batería, bajo eléctrico, etc.). Fue un disco de transición. O, dicho de otra manera, Dylan había ido evolucionando hacia otro tipo de estilo. Pero mientras que <i>Bringing</i> fue una provocación a media escala, <i>Highway</i> no dejó ninguna duda. Dylan renegaba de lo que él había sido: ya no iba a volver a ser nunca más el joven abanderado del folk americano. Ya con el primero Dylan había sido criticado hasta la saciedad, le llamaban traidor allá donde iba e intentaban sabotear muchos de sus conciertos. Lo que quizá no se esperaban estos amigos de la creatividad era que todos los insultos hicieran crecer en Dylan el germen de la electricidad exponencialmente.<br />
Y es que en la figura de este artista lo único permanente es el cambio y sus ganas de provocar (no hay más que ver los numerosísimos cambios que ha hecho a todas sus canciones en los conciertos, con mayor o menor acierto). <i>Like a Rolling Stone</i> abre este disco como un cañonazo, como para dar un motivo a esos que le llamaban traidor por colgarse una guitarra eléctrica. Son 6 minutos de canción con un ritmo vertiginoso e incesante de frases cargadas de odio hacia una persona. Si bien es cierto que la cadencia de las frases se ralentiza un poco con respecto a su anterior disco (ver <i><a href="https://www.youtube.com/watch?v=c7WAoepiuCg">Subterranean Homesick Blues</a></i>), el estilo faulkneriano de sentencias tan largas como lo que le permitía su aliento (que continuaron otros artistas como <a href="https://www.youtube.com/watch?v=Z0GFRcFm-aY">R.E.M</a>. y que con toda seguridad, influenciaron en la creación del <i>rap</i>) y su don para encajarlas en cualquier lugar del paisaje musical continuaban en este disco.<br />
Una declaración de guerra abierta contra alguien (aquí se especula con muchos nombres) que cambiaría el universo de las canciones en la música pop/rock para siempre. Con ella se inauguró el rock tal y como lo conocemos, y, aunque el honor de consolidar los <i>álbumes</i> de <i>rock</i> y realizar el esquema sobre el que se tendrían que asentar hasta ahora se lo debemos ceder a los <i>Beatles</i> y a su <i>Sgt. Peppers and Lonely Hearts Club Band, </i>lo cierto es que sin este disco de Dylan hubiera sido imposible que se desarrollara todo ese potencial.<br />
Debemos ponernos en situación y contextualizar musicalmente un poco: es agosto de 1965, quedan unos cuantos meses para que el otro gran fenómeno de masas, los <i>Beatles</i>, saquen a la luz lo que supondría su salto cualitativo más grande hasta la fecha (y puede que de toda su carrera), <i>Rubber Soul</i>, y revolucionaran otra vez la escena musical. Los <i>Kinks </i>habían sacado hacía unos meses su <i>Kinda Kinks</i> con <a href="https://www.youtube.com/watch?v=QkBvsBpgGbo">creaciones pop</a> que todavía no entraban en su estilo más duro y creativo posterior. Los <i>Rolling Stones</i> acaban de publicar <i>Out of Our Heads</i>, que contenía el <i>hit</i> mundialmente conocido de <a href="https://www.youtube.com/watch?v=h7pb1iGcmc4">(<i>I can't get no) Satisfaction</i></a>, y en el que todavía incluían versiones de temas blues y las canciones no duraban más de 3 minutos. La crudeza de estos también llegaría más tarde y su excelencia no la veríamos hasta varios años después (1971-1972). Otis Redding sacaría su <i>Otis Blue </i>un mes después, pero la influencia del cantante ya se podía ir notando durante estos meses.<i> </i>Unos <i>Them </i>liderados por Van Morisson sacaban su primer disco y saltaban a la fama gracias al crudo <a href="https://www.youtube.com/watch?v=FLvBpnaVHE8"><i>Gloria</i></a>. <a href="https://www.youtube.com/watch?v=abGzxWuLQP8"><i>The Times They Are A-Changin'</i></a> había dicho Dylan unos años antes, y muchos simplemente no lo vieron venir. Él fue el que prendió la llama de ese cambio.<br />
<div style="text-align: justify;">
<i>Like a</i> <i>Rolling Stone</i> comienza con uno de los inicios más míticos del <i>rock</i>. Un órgano improsivado por alguien que no tocaba el órgano (Al Kooper) junto con una batería que se alejaba de los compases más típicos del blues, junto a la guitarra circular de Mike Bloomfield eran el escenario perfecto para que Dylan descargara un:</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
<span style="font-size: small;">"</span><span style="font-family: "arial" , "tahoma" , "verdana"; font-size: 14px; line-height: 20px;"><i><span style="font-size: small;">Once upon a time you dressed so fine,
/ Érase una vez en la que vestías tan bien<br />Threw the bums a dime in your prime, didn't you?" / Que tirabas centavos a los vagabundos en tu pedestal, ¿verdad?</span></i></span></div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "arial" , "tahoma" , "verdana"; font-size: 14px; line-height: 20px;">Y cambiara la historia de la música para siempre. Las reglas del juego se disolvieron gracias a muchas de las características de esta canción: la inclusión de unas letras elaboradas, mucho más cerca de la poesía literaria que de lo que la musical había sido hasta ese momento, seis minutos de duración, la carga emocional del estribillo rabioso (<i>How does it feel? To be on you own, With no direction home, Like a complete unknown, Like a Rolling Stone</i>), la sección instrumental de regalo... Fue muy difícil de programar en las radios, pero pronto se convirtió en el patrón a seguir para las bandas de <i>rock</i> de todo el planeta y su influencia ha llegado hasta nuestros días. Quién sabe qué hubiera pasado si este disco se hubiera abierto con otra canción del mismo, pero parece que Dylan sabía muy bien lo que se hacía.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "arial" , "tahoma" , "verdana"; font-size: 14px; line-height: 20px;"><a href="https://www.youtube.com/watch?v=J6yWZUv9QJA"><i>Tombstone Blues</i></a> es una de mis favoritas. Sé lo que <i>Like a Rolling Stone </i>significa y representa, pero siento predilección por la fase más surrealista de Dylan y les tengo más cariño a las piezas donde esto está más presente<i>. </i>La <a href="http://www.bobdylan.com/us/songs/tombstone-blues">letra</a> es espectacular y nos muestra a un Dylan crítico con la sociedad en la que se encuentra y la sátira se encuentra con el surrealismo de una manera perfecta, donde puede atacar desde el conservadurismo sexual de una manera tan cáustica como divertida (mi inglés no es perfecto y la buscada ambigüedad de Dylan complica la traducción, así que pido ya disculpas) :</span></div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
<span style="font-size: small;"><i>The hysterical bride in the penny arcade/ La histérica novia en la sala de juegos<br />
Screaming she moans, “I’ve just been made”/ Gritando se lamenta, "Me la han jugado"<br />
Then sends out for the doctor who pulls down the shade/ Manda llamar al doctor, que descubre el misterio<br />
Says, “My advice is to not let the boys in”/ Y dice, "mi consejo es no dejar a los chicos que entren"</i></span></div>
<div style="text-align: center;">
<span style="font-size: small;"><i>
</i></span></div>
<div style="text-align: center;">
<span style="font-size: small;"><i>Now the medicine man comes and he shuffles inside/ El chamán entra arrastrando los pies<br />
He walks with a swagger and he says to the bride/ Camina contonéandose y dice a la novia<br />
“Stop all this weeping, swallow your pride/ "Deja de llorar, trágate tu orgullo<br />
You will not die, it’s not poison”/ No morirás, no es veneno"</i></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "arial" , "tahoma" , "verdana"; font-size: 14px; line-height: 20px;">Hasta la religión y el militarismo en el mismo estilo: </span></div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "times" , "times new roman" , serif;"><i>Well, John the Baptist after torturing a thief/ Juan el Bautista después de torturar a un ladrón<br />
Looks up at his hero the Commander-in-Chief/ Mira a su héroe, el Comandante Jefe<br />
Saying, “Tell me great hero, but please make it brief/ Diciendo, "Dime, gran héroe, pero hazlo rápido<br />
Is there a hole for me to get sick in?”/ Hay un agujero para que enferme dentro?</i></span></span></div>
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: "times" , "times new roman" , serif;"><i>
</i></span></span>
<br />
<div style="text-align: center;">
<i><span style="font-size: small;"><span style="font-family: "times" , "times new roman" , serif;">The Commander-in-Chief answers him while chasing a fly/ El comandante jefe le responde mientras persigue a una mosca<br />
Saying, “Death to all those who would whimper and cry”/ Diciendo, "Muerte a todos aquellos que llorarían y se quejarían" <br />
And dropping a barbell he points to the sky/ Y dejando caer una pesa apunta hacia el cielo<br />
Saying, “The sun’s not yellow it’s chicken”/ Diciendo, "El sol no es amarillo, es pollo"</span></span></i></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "arial" , "tahoma" , "verdana"; font-size: 14px; line-height: 20px;">Para mí es una de las mejores canciones del disco, tanto por su humor negro como por su ritmo desenfrenado de blues eléctrico. A destacar, los diferentes solos que Mike Bloomfield realiza entre los azotes de Dylan, donde todavía utiliza su cortante tono. Asimismo, punto especial para la batería y su ritmo rápido y pesado a la vez.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "arial" , "tahoma" , "verdana"; font-size: 14px; line-height: 20px;">Llegamos entonces a <a href="https://www.youtube.com/watch?v=MUHgQohCsao"><i>It takes a lot to Laugh, It Takes a Train to Cry</i></a>. Aquí nos encontramos con una composición que podría haber sido grabada perfectamente en el <i>Delta</i>. Un blues muy rítmico, donde la harmónica adquiere un protagonismo excepcional. La voz de Dylan adquiere una arenosidad y una cadencia más lenta, más suave quizá, que acompaña perfectamente a la música. La letra nos habla de la contemplación del mundo a través de un hombre lleno de tedio y que busca a la mujer que ya no le quiere. Aunque evidentemente, esta es mi interpretación y con Dylan nunca se sabe. </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "arial" , "tahoma" , "verdana"; font-size: 14px; line-height: 20px;">El premio a la canción de menor duración se lo lleva <a href="https://www.youtube.com/watch?v=op7jAuZ4QXw"><i>From a Buick 6</i></a>, en la que el ritmo de un blues algo acelerado, cercano por veces a una suerte de rockabilly, da paso a un Dylan chirriante que nos habla de algún renegado y nos relata todas sus vivencias. Esta canción no se encuentra entre mis favoritas, pero no hay duda de que se trata de un tema con una larga influencia tanto de entrada como de salida.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "arial" , "tahoma" , "verdana"; font-size: 14px; line-height: 20px;"><a href="https://www.youtube.com/watch?v=yDC0b7rfK5U"><i>Ballad of a Thin Man</i></a> es una canción influenciada por la literatura española, aunque Dylan no lo supiera. Muchas de las expresiones y críticas que escupe contra el anónimo Mr. Jones recuerdan a la agudeza satírica de Quevedo o Góngora. Además, esta canción se puede ver en el film de Pennebaker antes comentado, donde salen numerosos Mr. Jones y las reacciones de Bob Dylan ante ellos son increíblemente hirientes. Una de las escenas muestra a un joven periodista en el camerino con Dylan en lo que podríamos llamar una tortura verbal. La letra de la canción da un poco más de significado a esos ataques, ya que Dylan consideraba que estos Jones eran todas aquellas personas retiradas en sus palacios de marfil sin contacto con la realidad (pero que hablaban de la realidad) que nunca entenderían sus canciones. Como muestra, las primeras frases de la canción nos acercan a esta realidad dylaniana: </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "arial" , "tahoma" , "verdana"; font-size: 14px; line-height: 20px;"><br /></span></div>
<div style="text-align: center;">
<span style="font-size: small;"><i>You walk into the room/Entras a la habitación<br />
With your pencil in your hand/Con el lápiz en la mano<br />
You see somebody naked/Ves a alguien desnudo<br />
And you say, “Who is that man?”/Y dices, "¿Quién es ese hombre?"<br />
You try so hard/Lo intentas y lo intentas<br />
But you don’t understand/Pero no lo entiendes<br />
Just what you’ll say/Eso es lo que dirás<br />
When you get home/Cuando llegues a casa</i></span></div>
<span style="font-size: small;"><i>
</i></span>
<br />
<div style="text-align: center;">
<span style="font-size: small;"><i>Because something is happening here/Porque algo está pasando aquí<br />
But you don’t know what it is/Pero no sabes lo que es<br />
Do you, Mister Jones?/¿Verdad, Mister Jones?</i></span></div>
<div style="text-align: center;">
<i><br /></i></div>
La música que acompaña a la letra es muy diferente al resto del disco. Un medio tiempo con liderazgo de piano deja a Dylan como si estuviera recitando en una sala con mucho humo y mirando directamente a los ojos a Mister Jones. Otro gran clásico que sirvió de himno para una generación que captó perfectamente el mensaje: "Los que sabemos lo que pasa somos nosotros, nuestros padres y adultos se quedarán mirando la revolución mientras se va". Algo así ya había cantado Dylan en <i>The Times They Are a-Changin' (</i><i>Come mothers and fathers/ Throughout the land/ And don't criticize/ What you can't understand).</i><br />
<a href="https://www.youtube.com/watch?v=sYxlugz28IQ"><i>Queen Jane Aproximately</i> </a>es una balada que sigue la línea inaugurada con <i>Like a Rolling Stone</i> en la que Dylan se enfrenta a un enemigo "imaginario" y le advierte de una posible caída en desgracia y le relata esa caída con pelos y señales. Quizá se muestre aquí menos agresivo que en el primer corte y deje una puerta entreabierta, pero sin duda vemos el resentimiento en toda la canción. Dylan aquí adopta un estilo de voz diferente, como ocurría ya en <i>It takes a lot...</i> con un tono algo más grave, quizá para diferenciar ese punto de menor agresividad.<br />
Y llegamos a mi canción preferida del álbum. <i><a href="https://www.youtube.com/watch?v=gXjAVqLhXuo">Highway 61 Revisited</a> </i>da título al disco y no es para menos. El ritmo de la canción es alegre y rockero, algo así como un<i> </i>proto-<i>hard rock</i> con teclados. Y <a href="http://www.bobdylan.com/us/songs/highway-61-revisited">la letra</a> es de lo mejor que he podido leer en el mundo de la música. La destacaría entera porque nada tiene desperdicio, pero pondré dos estrofas que sobresalen como picos en un valle.<br />
<br />
<div style="text-align: center;">
<span style="font-size: small;"><i>Oh God said to Abraham, “Kill me a son”/ Oh Dios le dice a Abraham: "Mátame a un hijo"<br />
Abe says, “Man, you must be puttin’ me on”/ Abe le dice: "Tío, tienes que estar de coña"<br />
God say, “No.” Abe say, “What?”/ Dios le dice: "No.", Abe le dice: "¿Qué?"<br />
God say, “You can do what you want Abe, but/ Dios le dice: "Puedes hacer lo que quieras Abe, pero<br />
The next time you see me comin’ you better run”/ La próxima vez que me veas será mejor que corras<br />
Well Abe says, “Where do you want this killin’ done?”/ Abe le dice: "¿Dónde quieres que se cometa el asesinato?<br />
God says, “Out on Highway 61”/ Dios le dice: "En la Highway 61".</i></span></div>
<div style="text-align: center;">
<span style="font-size: small;"><i>[...]</i></span></div>
<div style="text-align: center;">
<span style="font-size: small;"><i>Now the fifth daughter on the twelfth night/ La quinta hija en la duodécima noche<br />
Told the first father that things weren’t right/ Le dijo al primer padre que las cosas no iban bien<br />
My complexion she said is much too white/ Mi tez, dijo, es demasiado blanca<br />
He said come here and step into the light, he says hmm you’re right / Él dijo ven aquí y ponte a la luz. Dice hm, tienes razón<br />
Let me tell the second mother this has been done/ Déjame decirle a la segunda madre que ha pasado esto<br />
But the second mother was with the seventh son/ Pero la segunda madre estaba con el séptimo hijo<br />
And they were both out on Highway 61/ Y los dos estaban fuera, en la Highway 61.</i></span></div>
<div style="text-align: center;">
<i><br /></i></div>
<div style="text-align: justify;">
Crítica demoledora a la Iglesia, a la Biblia, a la familia y a miles de tradiciones; todo cabe en esta canción. La bocina que suena al comienzo y al final de la misma es la que se usaba en los ensayos para avisar de que alguien estaba consumiendo drogas. Fue una casualidad que sonara al principio de la canción y decidieron dejarla porque les gustó a todos. La música acompaña totalmente a la letra y a su tono satírico y burlón. Es mi alarma todas las mañanas, y todavía me encanta.</div>
<div style="text-align: justify;">
<a href="https://www.youtube.com/results?search_query=just+like+tom+thumb%27s+blues"><i>Just Like Tom Thumb's Blues</i> </a>nos muestra un tempo menos vertiginoso que su antecesora pero con una letra en caída libre. Con referencias a uno de mis libros favoritos (<i>Bajo el Volcán</i> de Malcolm Lowry) y a cuentos de Edgar Allan Poe, Dylan nos muestra a un protagonista abatido, como el de la novela de Lowry. No existe mejor escenario que este libro para evocar las letras de Dylan, ya que su lírica surrealista es perfecta para los pensamientos etílicos, los remordimientos de ese protagonista que sabe que está perdiendo su vida pero que no puede desatarse de la gravedad que le estira. Al contrario que en la novela, aquí el protagonista decide volver a New York pensando que todo puede mejorar.</div>
<div style="text-align: justify;">
Por último, vamos con la canción más larga del álbum. Resultaría paradójico para cualquier artista que el disco que rompió todos los esquemas del<i> pop y rock</i> renegando de su pasado <i>folk</i>, se cerrase con una composición <i>folk</i> de once minutos de duración (eso sí, con acompañamiento de bajo y guitarra electricos), pero para Dylan es otra más de sus provocaciones. Es decir a sus detractores que sigue siendo el mejor en lo que hacía, y en lo que hace. Y que lo puede hacer cuando quiera, pero no quiere. <a href="https://www.youtube.com/watch?v=AL1HUsJJCzU"><i>Desolation Row</i></a> cierra este excelso disco y lo hace de manera sublime. La canción nos ofrece toda una galería de imágenes, personajes e historias surrealistas que podrían componer un mundo propio. Y eso es lo que dibuja Dylan en este disco, galaxias independientes que nos muestran un poco más lo que es el ser humano dentro de un gran universo que no deja de expandirse. </div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Músicos:</div>
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</div>
<div style="text-align: justify;">
Bob Dylan - Voz, guitarra, armónica y piano.<br />
Mike Bloomfield - Guitarra solista.<br />
Harvey Brooks - Bajo.<br />
Bobby Gregg - Batería.<br />
Paul Griffin - Órgano y piano.<br />
Al Kooper - Órgano y piano.<br />
Sam Lay - Batería.<br />
Charlie McCoy - Guitarra.<br />
Frank Owens - Piano.<br />
Russ Savakus - Bajo.</div>
</div>
Jorge Carriónhttp://www.blogger.com/profile/14814966440922975069noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-951302503354448812.post-81557951691354988502012-06-08T15:23:00.001+02:002018-11-30T13:34:04.765+01:00La ley innata - Extremoduro<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://3.bp.blogspot.com/-L93lLlsW3V4/T9G_tQZN8NI/AAAAAAAAAJ8/TJXdAx9Z0Sw/s1600/LA+ley+Innata.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="400" src="https://3.bp.blogspot.com/-L93lLlsW3V4/T9G_tQZN8NI/AAAAAAAAAJ8/TJXdAx9Z0Sw/s400/LA+ley+Innata.jpg" width="400" /></a></div>
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<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
No me gustaban. No, es cierto, ante el desconocimiento -ese terrible aliado de la violencia- opté por lo más fácil, prejuzgar. Y todo lo que fuera Extremoduro lo denostaba porque era de ellos. Pero llegó un día, el día en que comprendes que la música, la buena música, no está limitada a un estilo o determinados grupos, en todos los estilos (o casi todos) hay buena música. Por ello llegué hasta ellos, además con una canción preciosa, 'Standby' del disco anterior a este 'Yo, minoría absoluta'. Tras esto me adentré más en su campo de acción y conseguí este disco, especial como pocos. El análisis que aquí haré sobre el disco será 'breve' en cuanto a las letras, ya que, con la experiencia sobre el mismo que me ocupó veinticinco páginas he decidido acortarlo para mayor facilidad lectora. Extremoduro saca este disco seis años después del último publicado 'Yo, minoría absoluta' con un cambio de estilo totalmente nuevo y para unos, acertado, para otros desastroso. Yo soy de los que piensan lo primero, evidentemente. Consta de seis partes que forman parte de una misma canción e historia, un concepto ya utilizado por el grupo en discos como 'Pedrá'. </div>
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<br /></div>
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Empieza con '<b><a href="http://www.youtube.com/watch?v=gAwTlh7-M7g">Dulce introducción al caos</a></b>'. El título de esta canción lo dice todo. En toda la historia intrínseca del disco encontramos elementos de esta 'pequeña' introducción. En ningún disco Extremoduro había empezado con algo tan 'dulce'. El primer riff -importante, quedaros con él ya que luego veremos algo muy interesante- a cargo de Uoho te hipnotiza y da paso a Robe y a su historia. Empieza contando como es el amor primerizo que mantiene, el amor se refleja en la 'Canción donde nunca pasa nada', el arbolito o el reloj que marca las horas. La canción comienza a endurecerse a medida que el relato cuenta los primeros valses del desamor. Musicalmente sigue la línea de algunos temas de 'Canciones prohibidas' como 'Golfa' o la citada anteriormente 'Standby'. Los violines toman importancia en esta megacomposición que te 'introduce' a ese pequeño y gran mundo caótico que es Extremoduro y su 'Ley Innata'. Los arpegios de Uoho te acarician, la voz de Robe es inusitadamente suave, como para acurrucarte. El neoclasicismo está por todas partes en esta canción, pero cuando más nos lo demuestran es en esa adaptación de la <i><a href="http://www.youtube.com/watch?v=RLsQ-_jnxeQ">Cantata nº 147 de Johann Sebastian Bach</a></i> en el minuto 4:00. Tras esto la caña habitual de Extremoduro se mete en la canción de tapadillo que enlazará a la perfección con el siguiente corte de la Suite: 'Primer movimiento: El sueño'. Como ya he avisado haré un pequeño análisis de la letras y la historia que se conjuga en ellas ya que tengo mi propia teoría al respecto. En esta introducción, como ya he dicho, vemos el amor y la ruptura, el desamor hecho cuerpo y mente y de como esa ruptura ha hecho que nada en su vida tenga sentido. </div>
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<br /></div>
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En la segunda canción '<b><a href="http://www.youtube.com/watch?v=apy7df1SID4&feature=related">Primer movimiento: El sueño</a>'</b> encontramos un ritmo de canción muy inusual en ellos, y sobre todo, encontramos el enlace entre todo el disco, que aparece en diversas formas y sentidos en todas las canciones restantes. Os invito a que lo busquéis, aquí os lo pongo pero en los demás es trabajo vuestro. Empezaría sobre el minuto 1:20 y se compone de un determinado punteo de guitarra y unas frases de Robe ('Buscando mi destino, viviendo en diferido...'). Tras esta incursión en el metadisco nos encontramos con la parte pinkfloydiana del disco (influencia máxima de 'Dark Side of the Moon') quizá para denotar esa influencia de los sueños, de la bajada a los infiernos de la mente y la ambivalencia entre la realidad y el sueño. La canción, musicalmente hablando, es la más floja del disco -eso no quiere decir que lo sea en general- pero la historia que cuenta es vital para seguir con el mismo. Robe está completamente desesperado por la ruptura y confunde la realidad con sus sueños, ya no puede vivir tranquilo y su viaje hacia la locura acaba de comenzar.</div>
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<br /></div>
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Tras esto nos encontramos ante la mayor maravilla del disco <b>'<a href="http://www.youtube.com/watch?v=AhY_ebdA3KY&feature=fvwrel">Segundo movimiento: Lo de fuera</a>'</b> (título revelador por ver como se desarrolla la canción, dando a entender que habla del exterior de él, lo de 'fuera' de su persona). El comienzo está acompañado por un violín, una flauta y una guitarra, que se van incorporando <i>'in crescendo' </i>nos transporta al mundo del protagonista de la historia, que ya no cree en nada ni nadie, pero intenta recuperarse. Los once minutos que dura no tienen desperdicio, en ninguna de sus formas. En este sentido, no tengo la capacidad para diferenciar los múltiples instrumentos pero sé que en el disco se llegan a tener hasta noventa y seis pistas. Con esto ya podemos imaginar la magnitud y complejidad que tiene esta megacanción. Las guitarras de Uoho son para enmarcar y ojo al bajo que tiene una diversidad increíble, con una importancia inusitada en un disco de Extremoduro. Los matices de la voz de Robe no tienen desperdicio y sin duda el batería ha mejorado muchísimo (o se le ha dado más libertad) desde el último disco ya que da el toque y ritmo perfecto a cada corte. La mezcla ecléctica de instrumentos que va creciendo durante toda la canción hace que no te des cuenta de que te están llevado a su terreno, a toda pastilla y sin frenos. Si te gusta esta canción estás perdido, como el mismo protagonista. Tras una primera parte más Extremoduro (aunque con toques clasicistas, sinfónicos o progresivos) nos encontramos con una línea que seguirán mucho más en su siguiente disco (ver 'Mi espíritu emperecedero') que empezaría sobre el minuto 4:10. Unas vetas de canción mucho más pausadas, más alegres si se me permite el registro y más románticas, aunque con matices de desamor ('vente a la sombra amor, que yo te espero, que tengo el corazón aquí con bien de hielo'). Uoho saca tras esto su solo más limpio y nos deleita con un tapping en perfecta armonía con la introducción de la canción.</div>
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Ahora pasamos a un registro mucho más íntimo, nos metemos de lleno en la mente del protagonista, con una guitarra que se basta y se sobra para ello, y así llegamos al punto álgido de la canción donde tendréis que buscar la conexión de la que os hablaba, y sobre todo dejaros llevar por la especie de rumba electrificada de Uoho que da paso al mejor trozo de todo el disco, tanto por la letra como por la música ('Sueño que empieza otra canción, vivo en el eco de su voz...'). Esto es el apocalipsis y nosotros lo presenciamos, estamos viendo como todo el mundo del protagonista se quema ('llegó el verano y asoló la primavera...') y se hace cenizas. Como todo lo que existe se funde en una intensa niebla y no podemos sino ver como se desgarra por dentro hasta que estalla y su cabeza no aguanta más y vuelve a repetir una y otra vez sus amarguras discutiendo consigo mismo y quedándose completamente desolado. La música va en aumento de intensidad y el grupo en la vida ha sonado mejor. </div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
En el <b>'<a href="http://www.youtube.com/watch?v=Q-xFWzcEEco&feature=fvwrel">Tercer movimiento: Lo de dentro</a>' </b>Robe se declara apátrida, como en toda su carrera, y nos cuenta cual es su auténtica bandera ('miente el carné de identidad, tu culo es mi localidad'). La violencia de esta canción casa perfectamente con la trayectoria de Extremoduro en general y nos muestra la cabeza, 'lo de dentro' de la mente de este hombre que es una guerra continua contra él y contra el mundo que le rodea. Aquí tengo que pararme y dar un aplauso al batería. En la vida este grupo había tenido un doble bombo de tal magnitud. Este hecho, y el ser la canción que más relación tiene con sus discos anteriores, sobre todo con 'Yo, minoría absoluta', hace que sea la canción más heavy que haya hecho Extremoduro en toda su trayectoria. Entre las guitarras cortantes y mastodónticas de Uoho (no sé ni cuantas llegan a sonar simultáneamente), el doble bombo, el bajo aporreando los oídos y Robe gritando como en los mejores tiempos la convierten en la canción más bestia del disco. La locura de su mente se va haciendo más pequeña a medida que avanza la canción, ha soltado toda la rabia que lleva dentro y poco a poco se va calmando, siente que puede tomar el control. Por ello la música se va relajando, suavizando y llegamos así a mi corte preferido del disco <b>'<a href="http://www.youtube.com/watch?v=QVy0Vjy8nl4&feature=fvwrel">Cuarto movimiento: La realidad</a>'.</b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b><br /></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Esta es una canción que sobrepasa los límites de la música, para mí como 'Wish you were here' de Pink Floyd. Una canción que regala paz, tranquilidad, con una banda en perfecta armonía, perfectamente ordenada, conjuntada con los instrumentos clásicos y con la mejor parte de la historia que cuenta el disco. Cuenta como su mente ha vuelto a la normalidad, ha salido de las tinieblas y se dirige hacia la luz, sabe que se volvió loco ('y me busco en la memoria el rincón donde perdí la razón...'), el porqué (hice un barquito de papel para irte a ver, se hundió por culpa del rocío', como una metáfora de su búsqueda -fallida- de la felicidad junto a ella) y se conciencia de que no la puede tener (y ahora que ya no hay nada ni dar...'). Uoho está simplemente perfecto en su función de la guitarra y el grupo entero te acoge en sus brazos para no soltarte. Incluso músicas tribales son capaces de meter aquí y la canción tiene una estructura perfecta. Pero llega el corte, la ruptura con esa tranquilidad y volvemos a la parte pinkfloydiana que ya apareció en 'El sueño' que simbolizaba su bajada a los infiernos, su 'Elogio de la locura' particular. Porque esto no ha acabado amigos, queda el epílogo.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<b>'<a href="http://www.youtube.com/watch?v=5ZghRcZXTxo">Coda flamenca (otra realidad)</a>' </b>es el final del disco en el que Robe se arranca por bulerías con más o menos acierto pero con una emoción increíble ya que nos cuenta el final de la historia, el desenlace de este 'cuento' de amor/desamor. Robe nos dice que ya no hay fuego, que está totalmente recuperado, que solo queda humo de ese amor perdido. Se muestra optimista, con ganas de seguir adelante pero no por nada hemos escuchado la bajada a los infiernos en la canción anterior. Se produce la ruptura definitiva con la realidad, se da por entero a la locura de ese amor y reniega de todo dicho anteriormente para declararse en amor con su amada ('y qué si me condeno por un beso') e incluso lo compara con su misma vida ('y que si necesito respirar'). Por último, como si de un bucle eterno se tratara nos canta ('canta la de que el tiempo se parara...') citando así a la primera canción del disco, como diciendo que para él nada ha cambiado y que sin ella no puede vivir. El detalle final de acabar con el mismo riff con el que empieza no es sino una muestra del bucle formado en todo el disco, una forma de demostrarnos que la historia se puede repetir una y otra vez. </div>
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<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Técnicamente este disco es apabullante, que puede no gustar a los fans más clásicos de Extremoduro (que gustan más por canciones directas y cortantes) pero con esto el grupo demuestra que la época cañera, rockera, alcanzó su cénit con 'Minoría absoluta' y por ello debían de buscar otros derroteros por los que adentrarse y acrecentar su música. Para mi, fue el acierto de su carrera y creo que este disco es el adecuado para entrar dentro del universo de Extremoduro si te gustan músicas complejas (clásica, jazz, progresivo, etc.) pero no si te gusta la música más directa, más orientada al corazón y no tanto a la cabeza, ya que para eso estarían 'Minoría' o 'Agila'. </div>
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<br /></div>
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El mejor disco de Extremoduro, una obra maestra de la música y uno de los mejores cds del rock español. Compartiendo trono de mis discos favoritos. </div>
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<br /></div>
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Análisis dedicado a <a href="http://sinmedirpalabra.blogspot.com.es/">Gemma</a> por ser la ley innata que forma mis locuras y los desvelos de mi mente.</div>
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<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Miembros:</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Roberto Iniesta - Voz y guitarra</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Iñaki 'Uoho' Antón - Guitarra, órgano, productor.</div>
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Miguel Colino - Bajo</div>
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José Ignacio Cantera - Batería</div>
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<br />Jorge Carriónhttp://www.blogger.com/profile/14814966440922975069noreply@blogger.com24tag:blogger.com,1999:blog-951302503354448812.post-23351101944561672882012-01-28T17:50:00.002+01:002018-11-30T13:34:52.301+01:00Lateralus - Tool<div style="text-align: center;">
<a href="http://3.bp.blogspot.com/-lvJGO0KqEq4/TyQSyqUQlkI/AAAAAAAAAHc/7SavPpnfHOo/s1600/tl.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="400" src="https://3.bp.blogspot.com/-lvJGO0KqEq4/TyQSyqUQlkI/AAAAAAAAAHc/7SavPpnfHOo/s400/tl.jpg" width="400" /></a><span style="font-size: small;"> </span></div>
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<span style="font-size: small;">Bien, este seguramente ha sido (y sea) el disco que más me ha costado analizar. Está claro que Tool no es un grupo fácil. Este disco posiblemente lo sea menos que cualquiera que hayan publicado en su limitada discografía. Sus canciones, muy largas en su mayoría (sin contar los interludios), tienen tiempos poco convencionales, dificiles para una primera -y segunda- escucha, como casi todo en su música. Todo eso es cierto.</span></div>
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<span style="font-size: small;">No es un grupo para escuchar simplemente por oír algo, ni parece a primera vista que nada de lo que escuches en este disco te pueda llegar a enganchar o emocionar.</span> Sigue siendo cierto; y sin embargo, no puedo sentir más que fascinación por esta banda y en especial, por este disco.</div>
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Empezó siendo como una piedra en el reproductor, no había forma de coger el punto de escucha. Pero habiendo leído tanto y tan bueno de este disco me dije que algo tenía que haber. Y vaya si lo sabía. Tras varios intentos el disco poco a poco me fue conquistando y no me ha soltado desde entonces. Una vez te metes (o consigues meterte) de lleno en el universo que crean en cada nueva grabación estos genios la cosa ya no tiene solución, quedarás atrapado.</div>
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El disco está plagado de curiosidades surgidas de los análisis fanáticos que gente como yo ha realizado. una de las más extendidas es la creencia de que el disco, al basarse en una fórmula extraída de la secuencia de Fibonacci debería escucharse como una especie de espiral (que la secuencia de Fibonacci forma). Por tanto el orden de las canciones estaría alterado, quedando este de la siguiente forma: 6, 7, 5, 8, 4, 9, 3, 10, 2, 11, 1, 12 ,13. A esta secuencia los fans la acabaron denominando 'The Lateralus Prophecy'. Por otro lado, al poner el elemento restante (la canción número 13) en el núcleo se formaría otro orden, que sería: 6, 7, 5, 8, 4, 9, 13, 1, 12, 2, 11, 3, 10; llamado esta vez 'The Holy Gift'. Curiosidades -incontables- aparte, lo importante de este disco son sus enormes, mastodónticas y trascendentales canciones.</div>
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El disco empieza con el sonido de una especie de ensamblamiento mecánico en '<a href="http://www.youtube.com/watch?v=IQQlyJjBvcE">The Grudge</a>' para luego pasar a uno de esos ritmos totalmente fuera de lo común, un riff que se sale de los tiempos y un Maynard James Keenan que demuestra porqué solo él puede estar al frente de un grupo como Tool. Pero este es un grupo donde todos los instrumentos valen lo mismo y tienen el mismo peso, y sobre todo, un grupo que crea verdaderos infiernos para instrumentistas. Cada vez que escucho la batería solo de este tema se me cae el mundo encima. Y es que Tool realizan canciones largas, esta es un claro ejemplo de ello, dentro de discos largos <i>per sé</i>, pero esto no los hace pesados. Aquí no hay relleno, todos los trozos y partes tienen su sentido dentro del contexto del disco, no para crear ambiente, sino más bien un universo. El universo musical más controvertido del mundo. El grito de Maynard por el final de la canción es el punto álgido de la misma y no hace sino dar intensidad a una de las canciones de por sí más potentes del disco.</div>
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Enlazando de una manera increíble, sin apenas darte cuenta, 'The Grudge' con '<a href="http://www.youtube.com/watch?v=8xk8YCmJMuE">The Patient</a>' está '<a href="http://www.youtube.com/watch?v=RsKvXopcc8A">Eon Blue Apocalypse</a>'. Una especie de interludio de apenas un minuto que sirve para tomar algo de aire después del terremoto que hemos pasado y el desierto que nos espera. Y es que 'The Patient', tercera canción del disco, es eso, un desierto rocoso que poco a poco va formando inmensas dunas para al final transformarse en una gigantesca tormenta de arena, en la que solo la voz de Maynard y los extraños arpegios de Adam Jones a la guitarra sirven de guía. Esta se irá extendiendo progresivamente para llegar a otro interludio, más espiritual y fantasmagórico esta vez. Lleva el título de '<a href="http://www.youtube.com/watch?v=5tslupMcYpY">Mantra</a>' y sirve de introducción a otro cañonazo de estos genios, esta vez con la entrada a cargo de Justin Chancellor al bajo. '<a href="http://www.youtube.com/watch?v=UhjG47gtMCo">Schism</a>' tiene un video (os estoy dejando los nombres de las canciones con enlaces a Youtube para que no tengais que esperar a bajarlo) cuanto menos extraño, como todo en su conjunto. Y es que resulta curioso que una canción con semejante ritmo -bromeando, la banda incluso dijo que este tema tenía un tempo de 6,5/8- pueda llegar al nivel de popularidad que ha llegado a tener, pero es que en Tool, lo que toquen, por muy difícil que parezca, suena natural.</div>
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Esa es la mayor virtud del grupo, su naturalización de lo complejo. Los distintos puntos de la canción son evidentes, pero se caracteriza por sus pasajes más potentes en general.</div>
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Y así llegamos a la parte central, al núcleo de este gigantesco disco, formado por el tándem que constituyen 'Parabol' y '<a href="http://www.youtube.com/watch?v=_z2O289Jemo">Parabola</a>' del cual os adjunto solamente un video ya que van unidas, y escucharlas separadas es como leí alguna vez, un <i>coitus interruptus</i>. Esta vinculación entre las dos canciones es para enseñar el Ying y el Yang, el cielo y el infierno de este disco, la calma y la tempestad. El enlace perfecto entre estos temas hace que sea incluso más impresionante el cambio de registro que forman. La sencillez con la que Maynard -y toda la banda- puede cambiar de estar susurrando suavemente a desatar toda una revolución es sobrecogedora. Pero eso sí, nada comparado con lo que viene a continuación.</div>
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Una canción que según se dice fue la última en grabarse del disco por los gritos que Keenan propina en el propio tema, por lo que quedo afónico varias semanas. Y no es para menos, en '<a href="http://www.youtube.com/watch?v=wSyEkrnsvH8">Ticks & Leeches</a>' parece que Maynard se desgarre la garganta literalmente mientras canta. Eso sí, vale la pena. Queda una canción furiosa, potentísima, donde todo el grupo lo acompaña en esa agresividad y estructurada como pocas canciones he oído en mi vida. Un estribillo -aunque no sean muy amigos de ellos- completamente fabuloso da paso en un momento determinado a un fragmento pausado. No os dejeis engañar, tan solo es el ojo del huracán, pues tras esto se desatará toda la fuerza y garra que caracterizan a esta canción. Una batería demencial que acompaña a una guitarra y un bajo completamente inhumanos, dan paso a un Maynard en toda su plenitud. Increíble e imprescindible.</div>
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Tras esta fuerza descontrolada empieza '<a href="http://www.youtube.com/watch?v=wS7CZIJVxFY">Lateralus</a>' (os recomiendo encarecidamente este video, donde explican todas las curiosidades encontradas de la serie de Fibonacci en la canción, además de su significado y letra) de una forma calmada pero contínua que, tras un prefacio más eléctrico, quedarán solos voz y batería para que los otros instrumentos vayan incorporándose poco a poco hasta llegar al estribillo. Después de un pequeño solo de bajo el grupo vuelve a ese estado de tranquilidad que irá <i>in crescendo</i>, hasta convertirse en otro de los cañones que forman el galeón que constituye este disco.</div>
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Una canción como la que contnúa sin duda es algo digno de mención. Y es que '<a href="http://www.youtube.com/watch?v=uiTtWnx_rjY">Disposition</a>' relajaría hasta a un zombie de '28 días después'. Aunque eso sí, aquí, y sin que sirva de precedente, Tool me recuerdan mucho a los grandísimos Black Sabbath con su 'Planet Caravan'. Está claro que no se parece en la música (notas, tempos y demás) pero sí en su estructura y sobre todo en su forma. En cualquier caso una gran canción. Con un enlace prácticamente perfecto -a cargo del monstruoso batería Danny Carey- llega '<a href="http://www.youtube.com/watch?v=CvFN1p6dzNk">Reflection</a>', una canción que sigue la línea de su anterior pero ampliándola a límites insanos, con unos ritmos hipnóticos que te sumergen en lo que bien podría ser una sesión de yoga relajante con una buena dosis de psicotrópicos, pero sin dejar de lado ese toque potente que utilizan siempre de forma progresiva.</div>
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Por último, el final constituido por las instrumentales '<a href="http://www.youtube.com/watch?v=3TVeRbugcys">Triad</a>' y -si se puede llamar instrumental- '<a href="http://www.youtube.com/watch?v=cqO3BByBflg">Faaip de Oiad</a>' (que significa Voz de Dios en el idioma enoquiano) resulta desquiciante, sobre todo debido a este último corte. 'Triad' me suena a una suerte de mezcla de todo el disco que ya ha sonado, pero con ingredientes nuevos, una maravilla musical. Mientras que 'Faaip de Oiad' constituye un corte donde la voz que se escuche corresponde a un llamante del programa americano de radio Art Bell's donde este aseguraba trabajar para el Area 51. El texto que relata lo podeis encontrar en el propio video de Youtube adjuntado. Una excentricidad de genio que tiene todo el sentido del mundo dentro de este disco, ya que habla de la espiritualidad humana, de como nos comportamos y de la existencialidad.</div>
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Este disco forma uno de los ejemplos más grandiosos de lo que el rock, junto con otras disciplinas, nos puede aportar. Porque todo lo que se mezcle bien, puede aportar algo novedoso y grande para la música (y para todo en general). Se convierte por tanto en uno de mis candidatos a disco de la década pasada, y uno de mis cinco favoritos de todos los tiempos. Un disco que completa cualquier colección melómana.</div>
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Un disco para escuchar y no oír.<br />
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Miembros:<br />
Maynard James Keenan - Voz y teclados.<br />
Adam Jones - Guitarra eléctrica.<br />
Justin Chancellor - Bajo eléctrico.<br />
Danny Carey - Batería y percusiones.Jorge Carriónhttp://www.blogger.com/profile/14814966440922975069noreply@blogger.com0